아르스 노바 운동의 역사

아르스 노바

아르스 노바는 약 1400 기간 1310 년대 사이의 중세 프랑스에서 번성 음악 스타일입니다. 그것은”새로운 예술”로 번역됩니다. 이 시간 동안 음악의 모드,시간 및 내전이 바뀌기 시작했습니다. 박자표가 탄생했고 음악에 새로운 구조가 있었고 그것이 어떻게 만들어지고 수행되었는지. 다른 스타일이 발전하고 있었고,이 시대의 사람들은 전에 들어 본 적이없는 새로운 소리를 듣기 시작했습니다.

아르스 노바 이전에는 음악이 무료 였고 움직일 수있는 음자리표뿐만 아니라 박자가 없었습니다. 그레고리오 성가는 중세 시대의 스타일이었다;합창단 또는 교회가 한마음으로 노래하는 한 줄 노래. 다른 부분이 서로 다른 부분을 함께 노래 할 박자 또는 동시 발음 수 같은 것은 없었다. 너무 많은 자유가있었습니다. 그들이 무엇을 알고 어떻게 궁금해하는 시간이나 투구 표기법이 없었다. 중세 시대부터 살아남은 대부분의 음악은 신성했습니다. 그들은 그들의 주요 음악 원천 인 미사를 좋아했습니다. 그런 다음 폴리포니가 태어 났고 새로운 시대가 일어났습니다. 그 당시의 사람들은 더 복잡하고 창조적으로 만든 규칙과 표기법을 만들기 시작했습니다.

아르스 노바 동안 새로운 음악이 형성되었다. 이 새로운 음악은 세속 음악의 관심을 높였습니다. 새로운 음악 개념이 시작되었습니다. 아르스 노바 동안이 작곡가들은 작곡과 다른 박자를 만드는 새로운 자유를 표현. 거기에 이중 미터는 템퍼 불완전에 대한 허용 오차가 증가했다.

아이드:프랑스의 아르스 노바 상태,”이 오래된 시스템(2/4 또는 3/4 미터에서와 같이)박자의 이중 분할,실현 가능한 동안,이론적으로 인식되지 않았거나 적절하게 제공,숫자 3 의 완벽에 대한 오랜 신비 믿음 덕분에(삼위 일체,기타.). 14 세기까지 삼항 사단(우리의 6/8 또는 9/8 미터에 해당)이 표준이었습니다. 수비 학적 신비주의보다 실용성에 더 관심이있는 14 세기 이론가들은 이중 및 삼중 계량을 동등한 입장에 두었습니다.

이전에는 음악이 교회에서 사용되는 것으로 알려져 있었지만 지금은 모든 곳에서 들려졌습니다. 당신은 거리를 걸어 다른 장소에서 재생되는 세속적 인 음악을들을 수 있습니다. 세속적 인 형태와 가벼운 멜로디 인물은 그 어느 때보 다 더 많이 볼 수 있습니다:등 리듬,멜로디,반주,새로운 불협화음,반음 자유. 아르스 노바는 정말 음악에 대한 멋진 시간이었다.

필립 드 비트 리는 아르스 노바 동안 최초의 작곡가 중 하나였다. 비트리는 1291 년에 태어나 1361 년에 통과했다. 용어 아르스 노바 비트에 기인 한 논문의 마지막 단어에서 유래. 비트 리는 작곡가,시인,교회 캐논,공작,왕,감독의 관리자였습니다. 비트 리는 대부분 음악 표기법 동안 아르스 노바. 기사”브리태니커”상태,”비트리는 아르스 노바라는 음악의 유명한 논문의 저자였다,그는 남성 표기법의 새로운 이론과 컬러 노트의 자세한 다양한 의미를 설명하는 프랑스 음악의 이론적 측면 처리. 이것은 새로운 표기법 시스템”

에서 지속 시간 기호를 소개합니다. 이 작품은 6/8 시간에 작성되었습니다. 노래를 듣고 당신은 명확하게 비트를 느낄 수 또는 메인 비트에”당신의 견인을 누릅니다”. 테너 라인의 상단에 두 개의 멜로디 라인:비트리는 세 가지 음성 부분에서이 작품을 썼다. 한 부분은 멜로디 라인을 구축 할 수있는 기반을 만들어 더 이상 참고 값을 들고;이 테너 라인이 될 것입니다. 이 작품의 표기법은 익숙해지기 시작했다. 음표 값은 오늘날 현대 세계에서 현재 사용되는 음악에 대한”규칙”을 형성했습니다. 이것은 우리가 노래하거나 재생할 수있는뿐만 아니라 기록되는 음악을 이해하는 것이 더 쉽게했다.

사상 처음으로 노트 값의 이중 및 삼중 분할이 모두 가능했습니다. 참고-셰이프는 컨텍스트에 관계없이 값을 유지했습니다. 이로 인해 당김음이 가능해졌습니다. 측정 표시는 시간과 분열을 나타냅니다. 박자가 발명되기 전에 가수들은 적절한 표기법없이 움직일 수있는 음자리표로 노래하고있었습니다. 이를 통해 함께 노래하고 동시 발음 수,두 개의 피치가 한 번에 울릴 수있었습니다.

이러한 패턴은 더 길고 약간 더 복잡해졌습니다. 그들은 멜로디의 더 적은 시스템에 기초처럼되었다. 반복되는 멜로디 인물은 색이라고 불 렸지만 반드시 리듬이 아니었고 즉시 반복되지 않았을 수 있습니다. 두 개 이상의 목소리가 동시에 노래로 목소리가 전체 레퍼토리를 통해 모든 노래를 할 수 있도록 어려워졌다. 호켓은 휴식에 대한 용어였다. 한 목소리는 노래하고 다른 목소리는 번갈아 가며 쉬고 있습니다. 호켓은 13 세기에 개발되었다.

아르스 노바는 대중뿐만 아니라 세속 음악에서 상승하기 시작했다. 동시 발음은 질량에 사용 되 고 있었다. 하나의 개별 음표와 소리를 듣는 대신 하나 또는 개인으로 함께 노래하든 여러 음표와 소리를 듣기 시작했습니다. 이것은 우리가 정상적으로 듣는 모든 다른 소리와 목소리 때문에 오늘날 우리의 귀에 너무 드문 것처럼 보이지 않을 수도 있지만,중세 시대에는 한 번에 하나의 소리 또는 하나의 조화 음성을 듣는 데 익숙해 져 있었기 때문에 이것은 꽤 변화였습니다.

아르스 노바 시대의 또 다른 유명한 작곡가는 기욤 드 마호 포함. 마차는 1300 년에 태어나 1377 년에 통과했다. 마 쇼트의 평생 동안 그는 많은 주요 음악 작품과 내러티브시를 작곡했습니다. 마 흐트는 프랑스 아르스 노바의 드 비트 리의 스타일의 주요 작곡가가되었다. 그는 평생 동안 그의 작품을 주선 한 최초의 작곡가였습니다. 마차는 또한 그의 작업 방법에 대해 논의했는데,그 당시에는 흔하지 않았습니다. 그는 개인적으로 그의 작품의 여러 원고 준비 비용을 지불했다. 마 흐트는시를 쓰기 시작한 다음 나중에 음악을 추가 할 것입니다. 마 흐트는 음악이 귀에 달콤하고 즐거운 때 그는 인생에서 가장 행복했다 썼다. 마카 츠 조각 중 하나는 우리의 레이디의 질량을 번역 메세 드 노트르담을 포함.

노틀담 메세는 한 작곡가에 의해 작곡되었으며 미사 일반의 초기 화음 설정 중 하나였습니다. 미사 드 노트르담은 매주 토요일 경축되었고 성모 마리아 미사에서 공연되었다. 미사 드 노틀담 동안 인트루트에서 그것은 우리가 일반적으로 듣는 노래에서 시작하지만,카이리의 변화. 우리는 네 개의 서로 다른 음성 부분을 듣고 시작으로 카이리 있었다 동시 발음이 사용 된 시작. 각 부분은 자신의 멜로디를 가지고 있지만 동일하거나 유사한 텍스트 중 하나를 노래했다. 동시 발음이 사용되기 전에,질량은 일제히 주로 노래로 구성되었다. 마호트가 사망 한 후 마호트의 영혼에 대한 연설이 서비스에 추가되었습니다.

기사”브리태니커”상태,”이소 리듬의 아르스 노바 기법(다양한 멜로디 형태의 리듬 패턴의 반복 중복)마 쇼트의 쓰기의 고용 특성이다”. 그것은 약 15 세기까지 계속 수행되었습니다. 이 질량에는 반복되는 동기가 포함되었습니다. 처음 세 번의 움직임 동안의 색조 초점은 마지막 세 번의 디와 에프에있었습니다. 6 개의 무브먼트는 모두 4 개의 음색을 위한 것이었고,이 무브먼트는 테너를 상대로 이동했지만 같은 범위에 있는 콘트라테너를 포함했다.

마 흐트는 화음 노래를 다루는 주요 작곡가 중 하나였습니다. 양식 수정,프랑스어 시적 형태,아르스 노바 동안 육성을했다. 프랑스 노래 인 샹송은 발라드,론도,비레 라이로 알려지게되었습니다. 이 모든 것들은 반복되는 구절의 복잡한 패턴으로 구성되어 있으며 두 가지 주요 섹션에서 삼가합니다.

발라드는 절의 마지막 줄이 후렴으로 작용하는 3 절 후렴이었다. 연은 일반적으로 3~8 줄이었고 운율 체계는 아바 브크 비크 갔다. 론도 또는 론델 그룹의 후렴 요소 및 솔리스트에 의해 다른 라인의 교류 노래를 포함했다. 구절,때로는 개략적으로 후렴과 운율. “ㄱ”과”ㄴ”은 반복되는 후렴구 부분이었고”ㄴ”과”ㄴ”은 구절이었다. 마지막으로 비렐라이는 음악으로 설정된 가장 일반적인 구절 형식이었습니다. 여기에는 운율 체계 아바 아와 함께 바 형태의 각 연과 함께 각 전후 후렴과 함께 세 개의 연이 포함되었습니다. 이것은 일반적으로 스탠자 당 3-5 줄로 작성되었습니다.

이 시대에 귀에 고유 한 새로운 형태와 새로운 음악적 규칙과 소리로 아이디어를 제공하는 더 많은 화음 노래가 탄생했습니다. 대위법 노래,챈손,노래도 포함 칸투스,리토 르 넬로 과 카치아. 칸투스는 노래를 부르고 맥주를 마시는 행위였습니다. 참여한 노래와 그룹은 네덜란드어,프랑스어,독일어,영어,라틴어 및 아프리칸스어와 같은 많은 언어로 발견되었습니다. 리토르넬로는 마드리갈의 마지막 라인이었다. 이 노래의 나머지 부분과 대조 운율 체계와 미터에 보통이었다. 카치아는 캐논 에서 마을 장면 사냥을 묘사 한 노래의 일부였습니다. 그것은 일반적으로 개 짖는 소리의 거 지와 공급 업체의 울음 소리 같은 소리를 고용. 이것은 우리가 일반적으로 거리에서 들을 것 이라고 소리를 포함 하는 노래.

아비뇽 교황의 법정에서 남부 이탈리아 전역의 작곡가 인”미묘한 예술”로 번역 된 아르스 서브 틸리 어는 복잡한 세속 음악을 재배했습니다. 채색을 사용하여 두 배와 세 배 미터 모두의 양식 수정은 동시 발음 수 노래 아르스 노바 전환의 연속이었다. 조각은 엘리트 관객을위한 상상력 모양과 사랑 노래를 통해 표기 아르스 서브 틸리 어에뿐만 아니라 포함되었다. 목소리는 대조적 인 미터와 충돌하는 그룹에있었습니다. 리드미컬 한 복잡함은 20 세기까지 다시 알려지지 않았습니다. 하모니는 리듬 분열을 통해 의도적으로 묻혔습니다. 맥콤 상태,”아르스 서브 틸리 어는 연습의 변화였다. 마호트의 늦은 노래 중 일부는 다음과 같이 설명 될 수 있습니다. 예를 들어,베토벤과 낭만주의 운동의 시작과 유사되었을 수 있습니다 개인 연속성의 스레드가 있었다”.

마지막으로 작곡가 프란체스코 란디니는 1325 년에 태어나 1397 년에 합격했다. 그는 이탈리아 작곡가,가수,시인,오르간 연주자 및 악기 제작자였습니다. 란디니는 어린 시절 천연두로 눈이 멀었다. 그는 음악에 자신의 삶을 헌신하고 많은 악기,노래,쓰기 시뿐만 아니라 구성을 마스터. 란디니는 1361 년 피렌체 산타 트리니타 수도원에서 오르간 연주자로 일했다. 랜디 니는 청중을 움직이는 것으로 유명했습니다. 그의 음악은 너무 강력해서 작가는 무엇보다 그의 멜로디의 단맛에 대해 논평했습니다.

때때로 이탈리아 아르스 노바라고 불리는 이탈리아 트레센토 스타일의 란디니의 가장 중요한 지수는 그의 살아남은 작품 대부분이 순전히 세속적이었다. 그의 작품에는 두 개의 목소리에 대해 89 개의 발라트,세 개의 목소리에 대해 42 개의 발라트,두 개 및 세 개의 음성 버전 중 9 개,여러 개의 마드리갈이 포함되었습니다. 발라타는 단순히 춤을 추는 노래였습니다. 거의 모든 그의 작품은 광장에 보존되었습니다.알 루피 코덱스,살아남은 모든 14 세기 이탈리아 음악의 거의 4 분의 1 을 대표하는 작품 모음.

란디니 케이던스는 스케일의 여섯 번째 정도가 주요 음표와 토닉에 대한 해상도 사이에 삽입 된 공식이었습니다. 이것은 원래 나 란 디 니에 게 독특한,하지만 그는 그의 음악을 통해 일관 되 게 그것을 사용 하는 유일한 사람 이었다. 슐터는”란디니 케이던스는 14 세기 음악에 더 널리 퍼져 있다. 그것은 불안정한 6 분의 1 이 안정된 옥타브로 확장되는 고조파 진행의 변형으로 가장 특징적인 형태로 설명됩니다.”

뮤지카 픽스 피치를 설명하는 데 사용되는 용어입니다. 이들은 약간 높거나 낮췄다 고이 시간에 사용 되는 시스템의 일반 피치입니다. 뮤지 카 피타 나중에 표기하거나 공연에 추가 할 수 있습니다. 뮤지 카 피타는 아레초의 귀도의 헥사 코드 시스템에 의해 정의 된”올바른”또는”진정한”음악 시스템 외부에서 사용되었습니다. 이 리프팅 또는 아파트의 날카로운 오늘날 알려진 피치의 저하했다. 더블 리드 톤 케이던스 란디 니 케이던스 유형의 또 다른 이름이었습니다. 프리지아 케이던스는 랜디니 케이던스의 또 다른 변형이었는데,5 번째 케이던스로 끝나는 반 케이던스가 마지막 음표 바로 전에 상부가 6 도 이동했을 때였다.

음악 규칙은 중세와 르네상스 시대에 개발되고 있었다. 한 줄의 노래와 중세 시대에 시작,교회 음악이 우세했다,트루 바 두르뿐만 아니라 교회 모드. 한 줄의 노래에 대한 응답으로,아르스 노바는 소리와 함께 실험을 많이 결과,형태,시,글,심지어 예술. 이 시간의 작곡가들은 어떤 소리가 나는지 알아 내기 시작했습니다.규범에서,다른 것을 보완 할 것입니다. 그들은 또한 곧 바로크 시대에 개발 된 규칙이 될 음악에 대한 몇 가지 기본 규칙을 만들 것입니다.

르네상스 시대에 동시 발음이 개발되었을 때 신성한 음악과 세속적 인 음악이 분리되었습니다. 둘 다 용인되었습니다. 동시 발음 수 두 개 이상의 멜로디 라인,서로,독립 하지만 여전히 모방 대위법에 귀에 기쁘게 이루어져 있었다. 아르스 노바 작곡가의 르네상스 시대 동안 실험을 시작하고 점점 더 많은 여러 소리뿐만 아니라 다른 소리를 듣고 관대하게되었다.

이 기간 동안 많은 다른 형태뿐만 아니라 각각 테이블에 자신의 독특한 사운드와 형태를 가져 많은 작곡가가 개발되었다. 필립 드 비트리와 함께 시작해서,그는 이소리듬을 소개했는데,그것은 바닥에 탈레아 리듬이 있는 컬러 멜로디였다;그리고 반복해서 반복되는 리듬을 사용한다는 아이디어였다. 그 후,우리는 그 사실을 알게 될 것입니다. 듣고 있던 목소리와 부품(폴리포니)의 레이어링이 탄생했습니다.

마호트는 비렐라이,발라드,리토르넬로,카치아 등 다양한 형태의 샹송을 선보였다. 이 노래 중 일부는 우리가 일반적으로 음악 설정에서 듣고하지 않을 소리를 포함하여 우리에게 소개되었다 오히려 거리에서 하루 기준으로 정상적인 일에. 같은 개 짖는 소리 또는 거리에 거지 같은 소리.

마지막으로,란디니는 우리에게 종지를 가져왔다. 규모의 여섯 번째 정도가 주요 노트와 토닉의 해상도 사이에 삽입 된 공식. 이것은 반드시 랜디 니 자신에게 고유 한 것은 아니었지만,그는 그의 작품에서 그것을 아주 정기적으로 사용했습니다.

참고 문헌

• 브리태니커,티.(2016,행진 22). 기욤 드 마호. 2018 년 6 월 5 일 브리태니커에서 확인함. 필립 드 비트리 에서 검색된https://www.britannica.com/biography/Philippe-de-Vitry
• IID:Ars Nova 프랑스에서. (엔.디.). http://www.hoasm.org/IID/IIDArsNovaFrance.html
• 슐터에서 확인함. http://www.medieval.org/emfaq/harmony/landini.htm
• 에서 확인함. http://www.medieval.org/music/ccc/aaaa981022.html

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