a prática artística de Faith Ringgold é extremamente variada-de pintura a colchas, de esculturas e arte de performance a livros infantis. Como educadora, lecionou tanto no sistema escolar público de Nova York quanto no nível universitário. Em 1973, ela deixou de ensinar a escola pública para se dedicar a criar arte em tempo integral.Ringgold começou sua carreira de pintura na década de 1950 depois de receber seu diploma. Seu trabalho inicial é composto por figuras planas e formas. Ela foi inspirado pelos escritos de James Baldwin e Amiri Baraka, arte Africana, Impressionismo, Cubismo e para criar as obras que ela fez na década de 1960. Embora ela recebeu uma grande atenção com essas imagens, muitas das suas primeiras pinturas focada no objeto, o racismo nas atividades diárias; o que fez de vendas difícil, e disquieted galerias e colecionadores.: 41 estas obras também foram politicamente baseadas e refletiram suas experiências de crescimento durante o Renascimento Harlem-temas que amadureceram durante o movimento dos Direitos Civis e movimento Das Mulheres.:Tendo inspiração do artista Jacob Lawrence e escritor James Baldwin, Ringgold pintou sua primeira coleção política chamada The American People Series em 1963, que retrata o estilo de vida americano em relação ao movimento dos Direitos Civis. American People Series ilustra estas interações raciais de um ponto de vista feminino, e chama questões raciais básicas na América em questão.: 145 em um artigo de 2019 com a revista Hiperalérgica, Ringgold explicou que sua escolha por uma coleção Política vem da atmosfera turbulenta ao seu redor:” (… era a década de 1960 e eu não podia agir como se tudo estivesse bem. Eu não podia pintar paisagens nos anos 60 – havia muita coisa acontecendo. Foi isto que inspirou a série “American People”.”Esta revelação resultou de seu trabalho ser rejeitado por Ruth White, uma dona de uma galeria em Nova York. Pinturas a óleo como Apenas Para Membros, vizinhos, assistindo e esperando, e o triângulo dos Direitos Civis também incorporam esses temas.Em 1972, como parte de uma comissão patrocinada pelo Programa de Serviço Público de artistas criativos, Ringgold instalou-se para a Casa Das Mulheres nas instalações das mulheres em Rikers Island. O mural em grande escala é um trabalho anti-carceral, composto de representações de mulheres em funções profissionais e de funcionários públicos, representando alternativas positivas ao encarceramento. As mulheres retratadas são inspiradas por extensas entrevistas que Ringgold realizou com mulheres detidas, e o projeto divide os retratos em seções triangulares – referenciando os têxteis Kuba da República Democrática do Congo. Foi sua primeira comissão pública e amplamente considerada como seu primeiro trabalho feminista. Posteriormente, a obra inspirou a criação de Arte Sem Paredes, uma organização que traz arte para as prisões.
em torno da abertura de seu show para o povo americano, Ringgold também trabalhou em sua coleção chamada America Black ( também chamada de Black Light Series), em que ela experimentou com cores mais escuras. Isto foi estimulado pela sua observação de que “a arte ocidental branca era focada em torno da cor branca e clara/contraste/chiaroscuro, enquanto as culturas africanas, em geral, usavam cores mais escuras e enfatizavam a cor ao invés da tonalidade para criar contraste. Isso a levou a buscar”uma estética mais afirmativa Negra”.:162-164 sua série “American People” concluiu com murais de maior escala, como a bandeira está sangrando, selo postal dos Estados Unidos comemorando o advento dos povos do Poder Negro, e morrer. Estes murais emprestaram – lhe uma nova e mais forte perspectiva para a sua futura obra de arte.
sua peça, Flag for the Moon, era para ser comprada pelo Chase Manhatten Bank até que os representantes que foram enviados para comprar um pedaço de trabalho Ringgold percebeu a escrita na peça que compunha os começos e listras da bandeira americana que retratava disse “DIE N***R”. Os representantes voltaram e compraram a Black Light # 9: American Spectrum.Na coleção francesa, uma série multicanal que toca as verdades e mitologias do modernismo, Ringgold explorou uma solução diferente para superar o doloroso legado histórico de mulheres e homens de ascendência africana. Como a França era o lar da Arte Moderna na época, também se tornou a fonte para os artistas Afro-Americanos para encontrar sua própria identidade “moderna”.:2
durante a década de 1970, ela também fez um projeto de poster “Free Angela” para os Panteras Negras, embora nunca tenha sido amplamente produzido Ringgold afirmou que ela deu uma cópia do projeto para Angela Davis.
QuiltsEdit
Ringgold afirmou que ela mudou de pintura para tecido para se afastar da Associação da pintura com as tradições ocidentais/Europeias. Da mesma forma, o uso de colcha permitiu que ela defendesse o movimento feminista, pois ela poderia simplesmente enrolar suas mantas para levar para a galeria, negando, portanto, a necessidade de qualquer ajuda de seu marido.Em 1972 Ringgold viajou para a Europa no verão de 1972 com sua filha Michele. Enquanto Michele foi visitar amigos na Espanha, Ringgold continuou na Alemanha e nos Países Baixos. Em Amsterdã, ela visitou o Rijksmuseum, que se tornou uma das experiências mais influentes que afetaram seu trabalho maduro, e, posteriormente, levou ao desenvolvimento de suas pinturas acolchoadas. No Museu, Ringgold encontrou uma coleção de pinturas Nepalesas dos séculos XIV e XV, que a inspirou a produzir confusões de tecido em torno de seu próprio trabalho.
quando ela voltou para os Estados Unidos, uma nova série de pintura nasceu: a série de estupro escravo. Nestas obras, Ringgold tomou a perspectiva de uma mulher africana capturada e vendida como escrava. Sua mãe, Willi Posey, colaborou com ela neste projeto, Uma vez que Posey foi uma popular designer de roupas e costureira de Harlem durante a década de 1950 e ensinou Ringgold a se enrolar na tradição afro-americana. Esta colaboração eventualmente levou a sua primeira colcha, ecos de Harlem, em 1980.: 44-45 Ringgold também foi ensinado a arte da acolchoamento em um estilo afro-americano por sua avó, que, por sua vez, aprendeu com sua mãe, Susie Shannon, que era uma escrava.Ringgold acalmou suas histórias para ser ouvida, já que na época ninguém iria publicar a autobiografia em que ela estava trabalhando; fazendo seu trabalho tanto autobiográfico quanto artístico. Em uma entrevista ao Museu de arte Crocker, ela afirmou: “em 1983, eu comecei a escrever histórias sobre minhas mantas como uma alternativa. Assim, quando as minhas colchas estavam penduradas para olhar, ou fotografadas para um livro, as pessoas ainda podiam ler as minhas histórias.”A sua primeira história de colcha que tem medo da tia Jemima? (1983) retrata a história da tia Jemima como um restaurador matriarca e revê ficcionalmente “o estereótipo feminino negro mais difamado”.”Outra peça, intitulada mudança: Faith Ringgold Mais de 100 Quilos de Peso, Perda de Desempenho História Quilt (1986), envolve o tema “uma mulher que quer se sentir bem sobre si mesma, lutando para normas culturais de beleza, uma pessoa cuja inteligência e sensibilidade política permite-lhe ver as contradições inerentes em sua posição, e alguém que fica inspirado para tirar todo o dilema em uma obra de arte”.: 9
a série de mantas de história da coleção francesa de Ringgold se concentra nas mulheres afro-americanas históricas que se dedicaram a mudar o mundo (Os Girassóis aquecendo abelha em Arles). Ele também chama e redireciona o olhar masculino, e ilustra o poder imersivo da fantasia histórica e da narrativa imaginativa infantil. Muitos de seus quilts passaram a inspirar os livros infantis que mais tarde fez, como o jantar na Casa Da Tia Connie (1993) publicado pela Hyperion Books, baseado na colcha do jantar (1988).Em 1973, Ringgold começou a experimentar a escultura como um novo meio para documentar seus eventos locais e nacionais. Suas esculturas vão desde máscaras fantasiadas até esculturas macias, representando personagens reais e fictícias de seu passado e presente. Ela começou a fazer máscaras fantasiadas de mídia mista depois de ouvir seus alunos expressarem sua surpresa de que ela ainda não incluía máscaras em sua prática artística.: 198 as máscaras eram peças de tela de linho que foram pintadas, rodadas e tecidas com ráfia para cabelo, e peças retangulares de tecido para vestidos com cabaças pintadas para representar seios. Ela eventualmente fez uma série de onze trajes de máscara, chamada Série de máscara bruxa, em uma segunda colaboração com sua mãe. Estes trajes também poderiam ser usados, mas iria emprestar ao usuário características femininas, tais como seios, barrigas e quadris. Em suas memórias voamos sobre a Ponte, Ringgold também observa que em rituais tradicionais africanos, os mascarados seriam homens, apesar das características femininas da máscara.: 200 nesta série, no entanto, ela queria que as máscaras tivessem uma “identidade espiritual e escultural”,: 199 o propósito duplo era importante para ela: as máscaras podiam ser usadas, e não eram apenas decorativas.Após a série Witch Mask, ela mudou-se para outra série de 31 Máscaras, a série Family of Woman Mask em 1973, que comemorava mulheres e crianças que ela conhecia como uma criança. Mais tarde, ela começou a fazer bonecas com cabeças de abóbora pintadas e Trajes (também feitos por sua mãe, que posteriormente a levou a esculturas suaves em tamanho real). A primeira desta série foi a sua peça, Wilt, uma escultura em retratos do jogador de basquetebol Wilt Chamberlain. Ela começou com Wilt como uma resposta a alguns comentários negativos que Chamberlain fez sobre as mulheres afro-americanas em sua autobiografia. Wilt apresenta três figuras, o jogador de basquete com uma esposa branca e uma filha mista, ambos personagens fictícios. As esculturas tinham assado e pintado cabeças de conchas de Cocos, espuma anatomicamente correta e corpos de borracha cobertos de roupas, e pendurados do teto em linhas de pesca invisíveis. Sua suave esculturas evoluiu ainda mais na vida de tamanho “retrato máscaras”, representando os personagens de sua vida e da sociedade, do desconhecido Harlem habitantes de Martin Luther King Jr. Ela esculpiu espuma de rostos em imagens que foram, em seguida, pintada com spray—no entanto, em seu livro de memórias que ela descreve como os rostos mais tarde começou a deteriorar-se e teve de ser restaurado. Ela fez isso cobrindo os rostos em pano, moldando-os cuidadosamente para preservar a semelhança.Como muitas das esculturas de máscara de Ringgold também poderiam ser usadas como figurinos, sua transição de fazer máscaras para a arte de performance foi uma “progressão natural”auto-descrita.: 206 apesar das peças de performance de arte serem abundantes nos anos 60 e 70, Ringgold foi inspirado pela tradição africana de combinar histórias, dança, música, figurinos e máscaras em uma única produção.: 238 sua primeira peça envolvendo estas máscaras foi o despertar e Ressurreição do Bicentenário Negro. O trabalho foi uma resposta às celebrações do Bicentenário americano de 1976; uma narrativa da dinâmica do racismo e da opressão da toxicodependência. Ela expressa a opinião de muitos outros afro-americanos-não havia “nenhuma razão para celebrar duzentos anos de independência americana … por quase metade do tempo que estivemos na escravidão”.: 205 a peça foi executada em mímica com música e durou trinta minutos, e incorporou muitas de suas pinturas passadas, esculturas e instalações. Mais tarde, ela passou a produzir muitas outras peças de performance, incluindo uma peça autobiográfica solo chamada “Being My Own Woman”.: Uma peça autobiográfica de Performance Mascarada, uma apresentação de história mascarada ambientada durante a Renascença de Harlem chamada The Bitter Nest (1985), e uma peça para celebrar a sua perda de peso chamada Change: Faith Ringgold’s Over 100 Pound Loss Performance Story Quilt (1986). Cada uma destas peças eram multidisciplinares, envolvendo máscaras, trajes, mantas, pinturas, contadores de Histórias, Música e dança. Muitas dessas performances também foram interativas, como Ringgold encorajou seu público a cantar e dançar com ela. Ela descreve em sua autobiografia, que voamos sobre a ponte, que suas peças de desempenho não foram destinadas a chocar, confundir ou raiva, mas sim “simplesmente uma outra maneira de contar a minha história”.: 238
PublicationsEdit
Ringgold escreveu e ilustrou 17 livros infantis. Sua primeira foi Tar Beach, publicada pela Crown em 1991, baseada em sua história de mesmo nome. Por esse trabalho, ela ganhou o Ezra Jack Keats new Writer Award e o Coretta Scott King Award para ilustração. Ela também foi a segunda colocada para a Medalha Caldecott, o premier American Library Association award para ilustração de livros ilustrados. Em seus livros de fotos, Ringgold aborda questões complexas do racismo de formas diretas e esperançosas, combinando fantasia e realismo para criar uma mensagem edificante para as crianças.