årets bedste og mest originale film blev lavet i 1991 og vender i dag tilbage i en ny restaurering til Film Forum, hvor den havde premiere for et kvart århundrede siden: “Daughters Of The Dust”, Julie Dash ‘ s store, men intime drama, der blev sat i 1902, om forberedelserne af en udvidet familie på en af Havøerne ud for Georgiens kyst for at migrere til det amerikanske fastland. Det er en film, der kører mindre end to timer og føles som tre eller fire—ikke i siddetid, men i substans, i historisk omfang og dybde af følelser, i antallet af karakterer, den bringer til liv, og den romanistiske subtilitet i forbindelserne mellem dem, i overflod af dens ideer og den filmiske fantasi, som de realiseres, i den sanselige skønhed af dens billeder og lyde og de uudsletteligt ophøjede bevægelser, som den imponerer på ens hukommelse.
det er en historie om den store Migration af afroamerikanere, overlevende fra slaveri og efterkommere af tidligere slaver, mod nord; det er lavet på en måde, der både omfavner den historiske ide og forstøver den i den skarpe specificitet af personlig oplevelse. Den pragtfulde kompleksitet af “støvets døtre” er udviklet ud fra en simpel situation: da to urbaniserede kvinder fra familien Peasant vender tilbage til øen som en slags delegation for at organisere migrationen, er det usikkert, om alle familiemedlemmer vil gå. Nogle overvejer at blive bagud på øen, og den beslutning, som hver skal tage, er kernen i dramaet.
familien er en matriarki, med Nana Peasant (Cora Lee dag) på sit højdepunkt. Hun er den levende hukommelse om de afrikanske kulturelle og religiøse traditioner, som hendes egne forfædre opretholdt og overførte, og hendes traditionalisme betragtes af nogle af de yngre kvinder i familien, der er fromme kristne, som vanærende hedenskab og en hindring for succes i bysamfundet. Viola (Cheryl Lynn Bruce) er en af familieambassadørerne fra nord, der ankommer fra Philadelphia i selskab med en uddannet fotograf, Mr. Snead (Tommy Redmond Hicks), som vil dokumentere lejligheden. Den anden delegat er Mary Peasant (Barbara-O), kaldet gul Mary, en elegant sofistikeret rejse i selskab med Trula (Trula Hoosier), en kvinde, som familien tager for at være gul Marys elsker.
Eula (Alva Rogers) er gift med Eli (Adisa Anderson), Nanas oldebarn; Eula er gravid med en karakter, der kun kaldes det ufødte barn (Kai-Lynn Varren), en pige, hvis voice-over-fortælling skifter med Nanas, og som dukker op i filmen som en åbenbaring, en vision om fremtiden for familien. Eula blev voldtaget af en hvid mand, og Eli plages af mistanken om, at babyen er et produkt af denne voldtægt, men hverken hun eller Eli har nogen anvendelse, lovlig eller på anden måde—frygt for Lynch vejer tungt på Eli, som det gør på hele familien.
Iona (Bahni Turpin), en anden ung kvinde i familien Peacant, er forelsket i St. Julien Lastchild (M. Cochise Anderson), en ung Cherokee-mand, der bor på øen og står over for udsigten til at efterlade ham. Der er også et muslimsk samfund på øen; dens ældste, Bilal Muhammad (Umar Abdurrahman), husker de sidste ulovlige slaveskibe, der var forankret ud for øens kyst; Snead, en amatørhistoriker, fortæller Bilal om øens historie og afslører en historie om afrikanske fanger, der giver den forfærdelige og heroiske baggrund for en idealiseret lokal legende.
Dash filmer karaktererne med en blanding af fysisk præcision og hieratisk nåde; der er en almindelig deklamation til dialogen, der øger den selv over den daglige storhed af udholdenhed til tyngdekraften i det øjeblik, der er ved hånden. Snead er der for at dokumentere et øjeblik, som familien ved, er afgørende for hver af dem, og selve tonen i deres stemmer og styrken af deres bevægelser afspejler deres tremme, hellige bevidsthed om, at deres eget liv og familienavnet nu mere end nogensinde er i deres hænder.
endnu, sammen med begivenhedens alvor, der er også den lokale fest med dans på stranden, børns spil, festligheden af en picnic, formaliteten af stillede gruppefotografier, og organiserede ceremonier, der blander familiebånd med gammel praksis. Dash—behændigt beskæftiger musik af John Barnes-sikringer de samfundsmæssige og politiske konsekvenser af lejligheden med kunst og kultur, religion og idiosynkratiske familie skikke. Filmens omdannelse af store historiske begivenheder til emblematiske øjeblikke og ineffektive stemninger er et spørgsmål om Dashs geniale måde med filmform såvel som hendes arbejde med filmfotografen Arthur Jafa.
filmens billeder har en lysende fylde, en decentreret dynamik og en danselignende strøm, der adskiller dem fra blot illustration og hæver dem til en visuel musik, der matcher filmens dristige dramatiske konstruktion. Forbindelsen mellem hver scene, hvert øjeblik, til den overordnede historie er let skrå og abstraheret. Hver sekvens har en stærk og kompleks identitet, der fletter mange tråde af relationer, interesser og følelser; deres position og funktion i historien kommer ud af lette spring af fantasi og koncentrerede slutninger. Den indre afstand mellem begivenheder og dramatiske buer er en af filmens store dyder. Dashs detaljerede mikrohistoriske sekvenser fortryder den vildledende klarhed i faste kategorier og encyklopediske formler, såsom “den store Migration” i sig selv, ved at genopdage rigdommen i de fænomener, som de indkapsler i den tætte virvar af individers oplevelser.
det virvar, imidlertid, er ingen hindring for klarhed, til kraftig indsigt; det er uretfærdigt at forkæle et af de mest spændende, men smertesårede dramatiske øjeblikke i enhver moderne film, Den, som Eula leverer i en klimaks tale til sine familiemedlemmer, når de laver de endelige planer for deres afgang, hvor hun samler den pinefulde kerne af den sorte amerikanske oplevelse-de fysiske og mentale sår i fangenskab, den konstante trussel om vold, den ubelastede udbredelse af voldtægt, arven fra ydmygelse—i en fysisk forestilling af ord, der ringer lige så profetisk til den ærefrygtindgydende familie som til seerne i dag.
det ufødte barn er herald for en usentimentalt håbefuld fremtid, der er bygget på en fuld og fri bevidsthed og accept af en plaget fortid og splittelser i nutiden såvel som af igangværende kampe; gennem hendes forudanelser indfolder Dash en families selvtransformationer i en omfattende, ekstatisk, men alligevel tragisk vision. “Støvets døtre” genskaber en streng af afroamerikansk historie og tradition som en slags udskudt filmisk klassisk musik, den lyriske genvinding af et vitalt kulturliv—og af en indre verden af drømme og følelser—fra undertrykkelse og glemsel.
at se på de trivielle film, der vandt Oscars for 1991 og sammenligne dem med “Daughters Of The Dust”, en film, der er lavet uden for Holland på et ringe budget, er at grine af filmindustriens kortsynethed og pengecentrerede forfængelighed og kritikerne, der er i træl for det. Denne film er dog ikke alene—mange store uafhængige film får aldrig trækkraft i deres tid på grund af kritisk fjendtlighed eller industriens ligegyldighed. Dash har ikke lavet en anden teatralsk funktion; tabet til historien—i kunstneriske udsigter, personlig indflydelse og karrieremuligheder—er lige så alvorligt som den næsten glemsel, som selve filmen næsten sank i. Denne film om historien burde have været forstået, i sin tid, som Historisk; den eneste trøst er i det lange spil. En af dette års vedvarende store film,” Moonlight”, blev lavet af Barry Jenkins, en uafhængig filmskaber, der var i stand til (omend med lang forsinkelse) at få finansiering ved hjælp af Brad Pitts firma, Plan B. Det faktum er i sig selv et tegn på fremskridt.