Der Begriff „Ästhetizismus“ wird allgemein mit künstlerischen Strömungen vor und um die Jahrhundertwende in Verbindung gebracht. Es ist besonders prominent in der künstlerischen, literarischen und kulturellen Diskussion des späten Viktorianismus und vor allem der 1890er Jahre, auch als „mauve Decade“ bezeichnet (unter Bezugnahme auf die ausweichenden, subversiven und ästhetischen Tendenzen der Ära), und weitgehend deckungsgleich mit Ideen, die in der Strömung der Dekadenz zirkulieren, l’art pour l’art (Kunst um der Kunst willen) und das Fin de siècle (Ende des Jahrhunderts). Die Idee von genau einem lila „Jahrzehnt“ kann irreführend sein, da die Ursprünge ästhetischer Kunstansätze weit in das Jahrhundert zurückreichen und ihre Folgen in den 1920er Jahren und darüber hinaus sowohl in der europäischen als auch in der amerikanischen Kunst sichtbar sind. Eine der prominentesten und umstrittensten Figuren der Ära ist sicherlich Oscar Wilde, aber die Gruppe der ästhetischen Schriftsteller umfasst auch Walter Pater, Aubrey Beardsley, und viele andere sowie Donald Evans und Richard Le Gallienne, zwei Ästhetiker, die später in der amerikanischen Szene bekannt wurden. Die Bewegung beeinflusste alle literarischen Gattungen und Kunstformen von der Oper bis zur bildenden Kunst und dem Design, wo sie sich in der Arts and Crafts-Bewegung widerspiegelte. Die Diskussionen und Kontroversen im Zusammenhang mit der Bewegung hatten weit über die Jahrhundertwende hinaus einen breiten Nachhall und erstreckten sich vom Bereich der Kunst bis in den sozialen, politischen und philosophischen Bereich.
DEFINITIONEN
Ästhetizismus kann als das Ideal definiert werden, Kunstwerke zu schaffen, die auf einen anderen Zweck oder eine andere Bedeutung als ihre eigene raffinierte Schönheit verzichten. Diese Schönheit ist völlig autonom: es steht ihm frei, konventionelle Vorstellungen von sozialer Akzeptanz, wirtschaftlichem Wert oder einem größeren moralischen Ziel aufzugeben. Dementsprechend geben auch diese Arbeiten das Ideal der Repräsentation der Natur auf und konzentrieren sich stattdessen auf die Schaffung eines autonomen künstlerischen Schaffens. Die Werte des Realen werden durch solche ersetzt, die den Betrachter schöner Kreationen ansprechen. Das Ideal für fiktive Kreationen dieser Art ist es, elegant und eloquent, unterhaltsam und verspielt, atemberaubend und scharf zu sein. Die Verwendung des Begriffs „Fin de siècle“ wird auf alles ausgedehnt, was am Ende des neunzehnten Jahrhunderts als fortschrittlich, modern oder dekadent angesehen wird. „Dekadenz“ selbst ist ein Begriff, der seit der römischen Antike verwendet wird, um sich auf Phänomene des moralischen oder kulturellen Verfalls, der Abweichung von der sozialen Norm, der physischen oder moralischen Laxheit, der Perversion oder des weiblichen Verhaltens zu beziehen. Die Dichter und Künstler, die in den 1890er Jahren als Dekadente verspottet und entlarvt wurden, nahmen den Begriff an und benutzten ihn, um sich von den starren kulturellen Normen des viktorianischen Großbritanniens zu distanzieren.
URSPRÜNGE
Der Aufstieg des Ästhetizismus im späten neunzehnten Jahrhundert entstand in der Kunst der Präraffaeliten und der französischen Symbolisten. Dichter, Schriftsteller und Künstler wie Charles Baudelaire, Joris-Karl Huysmans und Pierre Loti schufen Landschaften des Genusses und des Narzissmus; ihre Protagonisten beschäftigen sich hauptsächlich mit Schönheit und sinnlichen Dingen. Die Artefakte zeigen keine oder nur geringe Sorge um Zeit und Ort und zeigen stattdessen eine Innerlichkeit und ein Selbstbewusstsein, die sich am besten in ihrer Vorliebe für eine raffinierte Eleganz von Sprache und Stil, für dekorative Beschreibung, und für Themen der Reflexion, Traum, oder Vergessen. Das ästhetische Denken nahm allmählich die Form einer Bewegung an und verbreitete sich von Paris über den gesamten Kontinent (insbesondere nach Barcelona, Wien, Prag, Budapest) und nach London. Der Ästhetizismus war eine urbane, intellektuelle und kosmopolitische Bewegung: Da sein Gegenstand die Kunst selbst war, stützte er sich auf die Bildung, den Geschmack und die breite Lektüre der Daran Interessierten. Während sie politische Konflikte und Klassenkämpfe nicht völlig vernachlässigte, benutzte die Bewegung diese Themen meist als Ziele für bitteren Sarkasmus und bestenfalls weltmüde Satire: Soziales Engagement war nicht das Métier der „Dekadenten“.“ Ihre eigene Selbstgestaltung als Künstler bot sich jedoch an, sich mit den herrschenden moralischen, sozialen und politischen Normen auseinanderzusetzen.
REAKTION AUF FORTSCHRITT, IMPERIALISMUS UND KAPITALISMUS
Ästhetizismus kann in der Tat als Versuch verstanden werden, den sozialen und politischen Entwicklungen der Epoche entgegenzuwirken. In Zeiten, die durch radikale Innovationen und schnelles städtisches und industrielles Wachstum gekennzeichnet waren — und im viktorianischen England, einem Reich, das sich immer noch unter der Herrschaft eines Monarchen entwickelte, der seit über sechzig Jahren an der Macht war – gab es zumindest bei einigen Intellektuellen ein weit verbreitetes Bewusstsein für die Notwendigkeit von Reflexion und Veränderung. Mehr Menschen als je zuvor waren sich des kommenden Endes des Jahrhunderts, des gewaltigen technologischen Fortschritts und der imperialen Eroberungen der 1800er Jahre und der industriellen Geschwindigkeit, mit der die Dinge jetzt voranschritten, bewusst. Kommunikation, Wirtschaft und Bankwesen hatten zunehmend die Grenzen von Kapitalismus und Imperialismus überschritten und wenig Raum für Überlegungen über die Rolle, das Verdienst und den Wert der Menschen und ihre Gleichheit unter diesen Bedingungen gelassen. Der Darwinismus schien die einzig gültige Erklärung dafür zu liefern und wurde allzu leicht auf die Sphäre der menschlichen Existenz übertragen. Die Bewegungen des Ästhetizismus beschäftigten sich jedoch mehr mit den Randfiguren, die in der Doktrin des Sozialdarwinismus keinen Platz hatten: Vagabunden, Künstler und alle, die sich weigerten, sich an das System des industrialisierten Imperialismus anzupassen.
EIGENSCHAFTEN
Menschen in dekadenter Kunst und Schrift sind unwiederbringlich fehlerhaft und leben in einem Zustand der Störung sowohl mit sich selbst als auch mit einer ebenso fehlerhaften Natur. Da dies der Fall ist, können Menschen diesen unvollkommenen melancholischen Zustand nur vorübergehend in sündigen, verkleideten oder vorgetäuschten Handlungen überwinden. Das „Perverse“ und Unnatürliche wird höher geschätzt als jeder natürliche Zustand, und alles, was einen unnatürlichen Zustand der Dinge provozieren oder verlängern kann, ist willkommen. Das Leben wird als Spiel und Aufführung ohne Inhalt oder Bedeutung gesehen und ist jedem Zustand verträumter Existenz unterlegen. Die Erfahrung wird künstlich durch Drogen und Absinth, einen starken und leicht giftigen grünen Alkohol, verstärkt. Exotische Auslandsreisen sind ein weiteres Mittel, um sich ästhetischen und sinnlichen Sphären hinzugeben, was den Orient und die Südsee zu gemeinsamen Zielen für dekadente Reisende macht. In den meisten Fällen sind diese Ziele Sehenswürdigkeiten, die entweder für die vergebliche Größe vergangener Imperien (griechische, ägyptische oder byzantinische Ruinen), Primitivismus, völlige Verlorenheit oder religiöse Rituale stehen. Bilder des Heiligen in dekadenten Kunstwerken sind reichlich vorhanden. Der typische Urheber, Protagonist oder Agent in ästhetischen Kunstwerken ist der Dandy oder Flaneur (zufälliger Passant). Der Dandy zeigt eine klare Verachtung für alles Gewöhnliche und Alltägliche, schätzt Eleganz und Geschmack, und hat keine Rücksicht auf traditionelle Geschlechterrollen und sexuelle Normen. Der Impuls der dekadenten Bewegung zielt mehr auf Ausweichen und Eskapismus als auf die tatsächliche Konfrontation mit der realen Welt, an der sie wenig interessiert ist.
EINIGE LITERARISCHE VERTRETER
Neben dem (in) berühmten Oscar Wilde (1854-1900) mit seinen Stücken und Dem Bild von Dorian Gray (1891)versammelte sich eine Gruppe von Dichtern und Schriftstellern in London um das Yellow Book, ein vierteljährliches, das 1894 von Aubrey Beardsley (1872-1898) und dem amerikanischen Schriftsteller Henry Harland (1861-1905) gegründet der literarische Redakteur. Die Zeitschrift wurde bald zum zentralen Organ der neuen ästhetischen Bewegung sowohl in der Literatur als auch in der Kunst. Unter anderen Amerikanern, die an der Entwicklung des Gelben Buches beteiligt waren (das nach der damals üblichen Titelfarbe der skandalösen französischen Romane benannt wurde), war der Mitwirkende Henry James, der in seinen späteren Beschreibungen der Europäischen Raffinesse (und Korruption) und des amerikanischen Naïveté (und Unschuld) zutiefst von der Londoner Szene beeinflusst wurde. Richard Le Gallienne (1866-1947), ein englischer Schriftsteller und Kritiker, war auch ein Mitarbeiter und ein enger Bekannter des englischen Kritikers Max Beerbohm, bevor er nach New York zog. Le Gallienne schrieb Gedichte, Belletristik (Quest of the Golden Girl, 1896) und mehrere Bände mit Essays, Papieren und Erinnerungen an die 1890er Jahre. Le Galliennes Blick auf den Menschen durch die Augen des dekadenten Dichters gehört zu den ergreifendsten seiner Zeit. Er sieht den Menschen als geheimnisvolle Wesen hinter Masken, als Wesen, die unerklärlich bleiben, seien sie nostalgisch oder voller Glückseligkeit. Der amerikanische Dichter Donald Evans (1884-1921) äußerte ähnliche Ansichten. Evans veröffentlichte mehrere Gedichtbände, darunter Discords (1912) und Sonets from the Patagonian (1918). Seine Liebesgedichte wie „Ähnlichkeit“ und „Liebende Güte“ sind voller Konflikte undsituationen, die normativen Visionen von Harmonie trotzen und den verführerischen Reiz oder die Grausamkeit der Liebe entlarven. Die Themen, Ansichten und Ästhetik, die in dekadenter Schrift zum Ausdruck kamen, überdauerten ihre Zeit und finden sich in den Werken von Schriftstellern wie Marcel Proust, Edith Wharton und F. Scott Fitzgerald.
DIE KUNST- UND HANDWERKSBEWEGUNG: METHODEN
Wenn Ästhetizismus und Dekadenz als subversiv angesehen werden müssen, treibt der Impuls der Konfrontation auch die Arts and Crafts-Bewegung an, eine britische Initiative auf dem Gebiet der dekorativen Kunst und des Designs, deren Einfluss sowohl in Europa als auch in den Vereinigten Staaten weit verbreitet war. Eine Gruppe von Künstlern, Architekten und Kritikern versammelte sich unter diesem Namen, nachdem die Arts and Crafts Exhibition Society 1888 in London gegründet worden war. Ihr Ziel war es in erster Linie, ein breites Verständnis und Akzeptanz nicht nur der Kunst, sondern auch neuer Methoden und Stile zu fördern, die auf handwerklichem Geschick und Können, hochwertigen Materialien, einfachen Konstruktionsmethoden und großzügigen dekorativen Oberflächen beruhten. Der Fokus des Handwerkers sollte auf dem Herstellungsprozess und den verwendeten Materialien sowie auf der Verwendung des Produkts und der Funktion seines Designs liegen. Die Idee war, die Verbindung zwischen Kreativen und ihrer Arbeit wiederherzustellen, wobei das Ziel dieser Wiederherstellung eine erneuerte Einheit von Kunst und Produktion, Form und Funktion war, die mit der Industrialisierung verloren ging. Die Gestaltung und Herstellung von Objekten sollte wieder in die Hände eines Einzelnen fallen und nicht in mehrere Schritte unterteilt werden, die rational verwaltet und auf mehrere Arbeiter verteilt werden könnten.
SOZIALE UND POLITISCHE ZIELE
Über die Verbreitung künstlerischer Stile und Produktionsmethoden hinaus war mit den Aktivitäten der Arts and Crafts-Bewegung eine breitere soziale und politische Agenda verbunden. Die beiden Hauptbefürworter dieser Agenda waren William Morris (1873-1932) und John Ruskin (1819-1900). Morris war ein Designer und Handwerker, der auch als politischer Essayist, Schriftsteller, Dichter und Künstler arbeitete. Ruskin war Kunsthistoriker und Kritiker. Beide arbeiteten auf ein breiteres Verständnis der Verfahren und Handlungen hin, die mit der Herstellung von Design und Kunstwerken verbunden sind, und bezogen sich auf materielle Künste (bessere, dh wertvollere, dauerhaftere und manchmal prestigeträchtigere Materialien, die verfeinerte manuelle Fähigkeiten erfordern). Die Kunstformen sollten nicht revolutionär sein, obwohl es ein größeres Potenzial gab, Kunst in der Öffentlichkeit auszustellen und Kunst in der Architektur zu verbreiten (Skulptur, Möbel, Fresken). Ruskin interessierte sich sehr für mittelalterliche Traditionen auf dem Gebiet des Handwerks und der Herstellung, die er als eine Phase individueller Kreativität ansah, in der der Mensch seinen Erfindungen noch nicht entfremdet war. Er bevorzugte auch landwirtschaftliche und ländliche Produktionsweisen, die einen natürlichen Rhythmus in den Arbeitsprozessen, ein menschlicheres Tempo in der Produktion und ein letztendlich ganzheitliches Arbeitskonzept ermöglichten. Ruskin hielt letztendlich an den moralischen Werten und Schönheitskonzepten des Handwerks fest und zog sie denen der industriellen Produktion vor. Sowohl er als auch Morris sahen den extensiven Einsatz von Maschinen als ein zentrales Problem der menschlichen Existenz, das Menschen in Arbeit versklavte, die aus sich wiederholenden und sinnlosen Segmenten bestand und die aufrichtige und sinnvolle Arbeit von Individuen zerstörte. Morris wurde später ein engagierter Sozialist und Kommunist, der den expansionistischen und imperialistischen Viktorianismus als Bedrohung für das menschliche Wohlergehen ansah. Ein weiterer bedeutender Einfluss auf die Lehre der Arts and Crafts-Bewegung und ihre Förderung war der englische Industriedesigner Christopher Dresser, der japanische Kunst und Design studiert hatte, die er später in den USA unterrichtete und sein Wissen hauptsächlich auf die Gestaltung von Motoren und Industriekomponenten anwendete.
KUNST UND HANDWERK, ÄSTHETIZISMUS, JUGENDSTIL
Während die Kunst- und Handwerksbewegung auf eine detailliertere und tiefere Wertschätzung der Kunst und auf Veränderungen der Produktions- und Rezeptions- oder Konsumweisen hinarbeitete, fehlte der Ästhetik jeglicher politischer Ehrgeiz und wollte unbedingt dem Druck und den Einschränkungen der viktorianischen Gesellschaft entkommen. Beide verwendeten die gleichen Modelle und Ideale, wohnten auf den Ideen einer landwirtschaftlichen Idylle und Glorifizierungen der Vergangenheit, und beide lehnten gleichermaßen die Idee des Fortschritts, des Imperialismus, des Kapitalismus und des Pragmatismus ab. Nach dem Ersten Weltkrieg verschmolzen die Elemente beider Bewegungen zum Jugendstil, der sich auf organische Modelle und exotische Themen stützte, aber auch geometrische Einfachheit und einen Fokus auf die Wirkung des Kunstwerks bevorzugte.
Siehe auchkunst und Architektur; Kunst und Handwerk; Bohemiens und Vagabondien; Foriegn Besucher; Genteel Tradition
BIBLIOGRAPHIE
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Christian Berkemeier