Philip Glass ist eines der großen kreativen Originale der Moderne. Er entstand in den 1960er Jahren zu einer Zeit, als die zeitgenössische klassische Musik, angeführt von den berüchtigten „bösen Jungs“ Karlheinz Stockhausen und Pierre Boulez, ein beispielloses Maß an intellektueller Unergründlichkeit erreicht hatte.
Das damalige Publikum wurde regelmäßig von Partituren in die Unterwerfung gedrängt, die sich über ein komplexes Netzwerk von „Zufallsereignissen“ freuten oder von solchen Possen auf der Bühne wie der Entscheidung, ob ein Flügel „hungrig“ oder „durstig“ sei, verwirrt waren und entsprechend damit umgingen!
Gerade als der europäische Mainstream vorübergehend von der Avantgarde entführt worden war, entstand eine Gruppe nordamerikanischer Komponisten, deren erklärte Absicht es war, direkt zu den Grundlagen zurückzukehren.
Es entstanden ganz neue Klangwelten, in denen die kleinste Veränderung von größter Bedeutung war – daher der Begriff „Minimalismus“. Während Wiederholung in radikalen Musikkreisen zu einem Schimpfwort geworden war, So entspannte Freidenker wie Terry Riley, Steve Reich, John Adams und, am bemerkenswertesten, Philip Glass gedieh positiv davon, faszinierende schaffen, mantraartige Notensequenzen, die subtil miteinander „aus der Phase geraten“ würden.
Glass’unkonventionelle Herangehensweise an das Musizieren wurde in der Kindheit gefördert. Während die meisten jungen Kinder, die in den 1940er Jahren in Baltimore aufwuchsen, Baseball spielten, verbrachte Glass Stunden damit, in der Radiowerkstatt seines Vaters mit Musik aller Genres bombardiert zu werden.
Manchmal können mehrere Sets gleichzeitig eingeschaltet werden, wodurch eine aufregende Mischung von Musikstilen entsteht – stellen Sie sich die befreiende Wirkung vor, die dies auf einen jungen kreativen Geist hat!
Glass‘ frühe Begegnung mit klassischer Musik war nicht weniger ungewöhnlich. Sein Vater betrieb nebenbei ein LP-Geschäft und brachte oft Aufnahmen moderner Musik mit nach Hause, um seine drei Kinder dazu zu bringen, zu erklären, warum sie nicht verkauften.
In der Folge lernte Glass die Hauptwerke von Schostakowitsch, Bartók und Hindemith kennen, bevor er sich gründlich mit den zentralen Klassikern auseinandersetzte.
Dies spielte letztendlich verheerend auf seine aufkeimenden Empfindlichkeiten an. Nachdem er durch den Eklektizismus seiner musikalischen Erziehung angeregt worden war, erwies sich die relative Weltlichkeit, einfache Stücke auf der Geige spielen zu lernen, die er im Alter von sechs Jahren zu lernen begann, für den jungen Philip als zu viel.
Selbst sein Hauptinstrument, die Flöte, verlor schnell ihren Reiz. Desillusioniert, Glass gab jeden Gedanken daran auf, Musik zu machen, und schrieb sich an der Chicago University ein, nur gealtert 15, Hauptfach Mathematik und Philosophie.
Gerade als sein Interesse an Musik einen Tiefpunkt erreichte, entdeckte Glass die ikonoklastischen Partituren seines Landsmannes Charles Ives und die atonalen musikalischen Landschaften der Zweiten Wiener Schule – Schönberg, Berg und Webern.
Er versuchte sich eine Weile kurz mit 12-Ton-Techniken (oder „Serialismus“), aber es war die ausgesprochen amerikanische Musik von Aaron Copland, William Schuman, Henry Cowell und Virgil Thomson, die seine Begeisterung wirklich befeuerte. Nach seinem Abschluss an der Chicago University im Jahr 1956 packte Glass seine Koffer und ging zur Juilliard School in New York mit dem ausdrücklichen Ziel, Komponist zu werden.
Obwohl Glass vor erstklassigen Ideen nur so strotzte, erwies sich sein Mangel an formaler Ausbildung als Hindernis. Der Unterricht bei so verehrten Persönlichkeiten wie Darius Milhaud und Nadia Boulanger schien die Sache nur noch schlimmer zu machen, als Glass darum kämpfte, in der kargen Wildnis der akademischen Tradition eine kohärente Stimme zu finden.
Dann kam er durch Zufall in Kontakt mit dem indischen Komponisten Ravi Shankar. Dies war ein Wendepunkt. Voller neuer Energie und Leidenschaft begann Glass, die Musik Nordafrikas, Indiens und des Himalaya zu erforschen, und kehrte kreativ revitalisiert und bereitwillig nach New York zurück.
Bemerkenswert ist, dass der Komponist mit der Gründung des Philip Glass Ensembles fast sofort den musikalischen Jackpot knackte. Dies öffnete die Schleusen für seine Kreativität und gab ihm die Möglichkeit, seine Ideen mit absoluter Freiheit zu verfeinern und zu verfeinern.
Nach Music In Twelve Parts (1974), einem vierstündigen Epos, das sein aufkeimendes Genie für magische Klänge verkörpert, sorgte der 39-jährige Glass mit seiner ersten Oper Einstein On The Beach (1976) für internationale Sensation. Endlich fand ein modernes Publikum, das nach etwas Aufregenderem als dem traditionellen Mainstream hungerte, aber von Musik, die bewusst dagegen reagierte, desillusioniert war, eine völlig neue Welt betörender Unschuld – eine, die auf verlockende Weise die Kluft zwischen Akzeptanz und Anarchie überbrückte.
Inspiriert von der beispiellosen Reaktion auf Einstein verbrachte Glass das nächste Jahrzehnt damit, sich auf die Bühnenmusik zu konzentrieren. Es gab zwei Nachfolgeopern – Satyagraha (1980) und Akhnaten (1983) – sowie eine Reihe von funkelnd originellen Adaptionen der Werke des irischen Schriftstellers und Dichters Samuel Beckett, die die Talente von Mabou Mines zeigten, einer virtuosen Gruppe, die Glass in den frühen 1970er Jahren mit aufgebaut hatte.
Inzwischen hatte er die Art von Kult erreicht, die normalerweise mit Popstars verbunden ist. Sein neuer Promi-Status wurde bestätigt, als er exklusiv beim Plattenlabel CBS Masterworks (später Sony Classical) unter Vertrag genommen wurde, eine Auszeichnung, die zuvor nur zwei anderen Giganten der Musik des 20.
Glass ‚erstes Album für CBS, Glassworks, wurde im ersten Jahr 250.000 Mal verkauft – etwas, das für einen zeitgenössischen „klassischen“ Komponisten fast unbekannt ist. Doch trotz aller Anerkennung und materiellen Belohnungen, Glass hielt seine Füße fest auf dem Boden, entschlossen, seiner kreativen Vision treu zu bleiben, anstatt Musik für die Massen zu komponieren.
„Ich bin sehr zufrieden damit“, schwärmte er leise. „Die Stücke scheinen eine emotionale Qualität zu haben, auf die jeder reagiert, und sie funktionieren auch sehr gut als Performance-Stücke.“
Glass war nie einer, der sich auf seinen Lorbeeren ausruhte, und fühlte sich Ende der 1980er Jahre bereit, sich mit den Mainstream-Instrumentalgenres auseinanderzusetzen, die sich während seiner Studienzeit so unnatürlich angefühlt hatten.
Weithin gefeiert für die höchste Konzentration seines musikalischen Denkens, begann er sich in die expressive Opulenz von Konzert und Symphonie auszudehnen. 1987 produzierte er ein Violinkonzert, das manchmal auf die Traditionen des 18. und 19.Jahrhunderts zurückzugreifen scheint, die Glass früher so fleißig vermieden hatte.
„Die Suche nach dem Einzigartigen kann zu seltsamen Orten führen“, begründete Glass damals. „Tabus – die Dinge, die wir nicht tun sollen – sind oft die interessanteren.
Glass ’stilistischer Bezug wurde noch erweitert, als er mit einem Paar Symphonien, die Klassik und Rock so synthetisierten, als wäre es das Natürlichste der Welt, „Crossover“ machte. Inspiriert von der Musik von David Bowie und Brian Eno machte Glass mit seiner Low Symphony No.1 (1992) und „Heroes“ Symphony No.4 (1996) Schlagzeilen.
Später erklärte er: „Mein Ansatz bestand darin, die Themen so zu behandeln, als wären sie meine eigenen, und ihre Transformationen nach Möglichkeit meiner eigenen kompositorischen Neigung folgen zu lassen.“
Bowie gab den Ergebnissen sein Gütesiegel mit dem unsterblichen Ausdruck, der seitdem auf unzähligen T-Shirts prangt: „Philip Glass rocks my ass“.
Glass setzte seine Wiederbelebung traditioneller klassischer Genres mit einer Reihe von fünf Streichquartetten fort, die für das Kronos-Quartett komponiert wurden, und einer dritten Symphonie (1995), in der die stilistischen Bezüge von Haydn bis Ravel reichen.
Ein weiteres Merkmal dieser Periode war ein neues Interesse an Soloklaviermusik, das sich vor allem in Metamorphosis (1988) ausdrückte, einem ungewöhnlich melodiösen Werk, das seinen Namen von einem Stück hat, das auf einer Kurzgeschichte von Kafka basiert.
Zwischen 1993 und 1996 schuf Glass ein Operntriptychon, das auf den Werken des französischen Schriftstellers und Filmemachers Jean Cocteau – Orphée, La belle Et La Bête und Les Enfants Terribles basiert.
Bis zu diesem Zeitpunkt tendierte Glass dazu, Musik zu komponieren, die seine Zuhörer eher sanft erschütterte als emotional rührte. Doch nach dem Tod seiner Künstlerfrau Candy Jernigan im Alter von nur 39 Jahren verlieh Glass Orphée eine nie dagewesene Ausdrucksintensität.
Diese außergewöhnliche Tiefe des Gefühls fließt auch in eines der denkwürdigsten Werke von Glass des frühen Jahrtausends ein: seine Partitur für Stephen Daldrys faszinierenden Film The Hours (2002), der die unvergesslichen Miniatur-Toten Dinge zeigt.
Bis heute produziert Glass Musik von außergewöhnlicher Erfindungsgabe und Vitalität. Im September 2005 wurden zwei neue Stücke uraufgeführt: Waiting For The Barbarians, ein Theaterstück nach JM Coetzees Roman, und eine Achte Symphonie, deren instrumentale Spielarten und Neuheiten ein Kommentator mit Bartóks Konzert für Orchester verglich.
Und im vergangenen Jahr wurden das Chorwerk The Passion Of Ramakrishna, eine Filmmusik zu Paul Austers The Inner Life Of Martin Frost und ein zweiter Band von études für Klavier solo uraufgeführt.
Die Essential Kollektion:
Für das komplette Bild:
Einstein am Strand (1976)
Glasensemble / Michael Riesman
Einstein am Strand ist die erste seiner drei „Porträt“ -Opern, die 1980 mit Satyagraha und drei Jahre später mit Akhnaten fortgesetzt wurden. Diese borstig erfinderische Oper ist für verstärktes Ensemble und kleinen Chor besetzt, der einen Text singt, der Zahlen und Solfège-Silben (Läufe, Skalen usw.) enthält., die auf die gleiche Silbe oder Silben gesungen werden).
Nonesuch 7559 79323-2
Für expressive Opulenz:
Violinkonzert (1987)
Robert McDuffie (Violine), Houston Symphony Orchestra/Christoph Eschenbach
„Dieses Stück untersucht, was ein Orchester für mich tun kann“, erklärte Glass. „Ich interessiere mich dabei mehr für meinen eigenen Sound als für die Fähigkeiten bestimmter Orchesterinstrumente. Es ist auf meine musikalischen Bedürfnisse zugeschnitten.“
Telarc CD-80494
Für Crossover heaven:
Symphonie Nr.1, Low (1992)
Brooklyn Philharmonic Orchestra / Dennis Russell Davies
Basierend auf Low von David Bowie und Brian Eno leiht die Erste Symphonie Themen aus drei Tracks des Albums, kombiniert mit eigener Musik von Glass, und entwickelt sie zu fesselnden „symphonischen“ Sätzen.
Philips 438 1502
Für raw intensität:
Mad Rush (1979)
Bruce Brubaker (Klavier)
Von Glass an der Orgel für die erste öffentliche Ansprache des Dalai Lama in New York City uraufgeführt, baut dieses berühmteste seiner Klavierwerke imposant auf einen zentralen Höhepunkt zu, bevor es allmählich verblasst.
Arabesque Z6744