Die künstlerische Praxis von Faith Ringgold ist äußerst vielfältig – von der Malerei bis zu Quilts, von Skulpturen und Performancekunst bis zu Kinderbüchern. Als Erzieherin unterrichtete sie sowohl im öffentlichen Schulsystem von New York City als auch auf College-Ebene. 1973 gab sie den Unterricht an der öffentlichen Schule auf, um sich ganz der Kunst zu widmen.
Malereibearbeiten
Ringgold begann ihre Malerkarriere in den 1950er Jahren nach ihrem Abschluss. Ihre frühen Arbeiten sind mit flachen Figuren und Formen komponiert. Sie ließ sich von den Schriften von James Baldwin und Amiri Baraka, afrikanischer Kunst, Impressionismus und Kubismus inspirieren, um die Werke zu schaffen, die sie in den 1960er Jahren schuf. Obwohl sie mit diesen Bildern viel Aufmerksamkeit erhielt, konzentrierten sich viele ihrer frühen Gemälde auf den zugrunde liegenden Rassismus in alltäglichen Aktivitäten. dies erschwerte den Verkauf und beunruhigte Galerien und Sammler.:41 Diese Arbeiten waren auch politisch begründet und spiegelten ihre Erfahrungen während der Harlem Renaissance wider – Themen, die während der Bürgerrechtsbewegung und der Frauenbewegung reiften.:8
Ringgold ließ sich vom Künstler Jacob Lawrence und dem Schriftsteller James Baldwin inspirieren und malte 1963 ihre erste politische Sammlung namens American People Series, die den amerikanischen Lebensstil in Bezug auf die Bürgerrechtsbewegung darstellt. Die Serie American People veranschaulicht diese Rasseninteraktionen aus weiblicher Sicht, und stellt grundlegende Rassenfragen in Amerika in Frage.:145 In einem Artikel für das Hyperallergic Magazine aus dem Jahr 2019 erklärte Ringgold, dass ihre Wahl für eine politische Kollektion von der turbulenten Atmosphäre um sie herum herrührt: „( … ) es waren die 1960er Jahre und ich konnte nicht so tun, als wäre alles in Ordnung. In den 1960er Jahren konnte ich keine Landschaften malen – es war zu viel los. Dies ist, was die American People-Serie inspiriert hat.“ Diese Enthüllung ergab sich aus der Ablehnung ihrer Arbeit durch Ruth White, eine Galeristin in New York. Ölgemälde wie For Members Only, Neighbors, Watching and Waiting und The Civil Rights Triangle verkörpern diese Themen ebenfalls.
1972 wurde Ringgold im Rahmen einer vom Creative Artists Public Service Program gesponserten Kommission für das Frauenhaus in der Fraueneinrichtung auf Rikers Island installiert. Das großformatige Wandbild ist ein antikarkadierendes Werk, das sich aus Darstellungen von Frauen in Berufs- und Beamtenrollen zusammensetzt und positive Alternativen zur Inhaftierung darstellt. Die porträtierten Frauen sind inspiriert von umfangreichen Interviews, die Ringgold mit weiblichen Häftlingen geführt hat, und das Design unterteilt die Porträts in dreieckige Abschnitte – in Anlehnung an Kuba-Textilien der Demokratischen Republik Kongo. Es war ihr erster öffentlicher Auftrag und weithin als ihre erste feministische Arbeit angesehen. Anschließend inspirierte die Arbeit die Schaffung von Art Without Walls, einer Organisation, die Kunst in Gefängnisse bringt.
Rund um die Eröffnung ihrer Show for American People arbeitete Ringgold auch an ihrer Kollektion America Black ( auch Black Light Series genannt), in der sie mit dunkleren Farben experimentierte. Dies wurde durch ihre Beobachtung angespornt, dass „weiße westliche Kunst sich auf die Farbe Weiß und Licht / Kontrast / Helldunkel konzentrierte, während afrikanische Kulturen im Allgemeinen dunklere Farben verwendeten und Farbe anstelle von Tonalität betonten, um Kontrast zu erzeugen.“ Dies führte sie dazu, „eine positivere schwarze Ästhetik“ zu verfolgen.:162-164 Ihre American People-Serie endete mit größeren Wandgemälden wie The Flag Is Bleeding, US-Briefmarke zum Gedenken an das Aufkommen von Black Power People und Die. Diese Wandbilder verliehen ihr eine frischere und stärkere Perspektive auf ihre zukünftigen Kunstwerke.
Ihr Stück, Flag for the Moon, sollte von der Chase Manhatten Bank gekauft werden, bis die Vertreter, die geschickt wurden, um ein Stück Ringgoldarbeit zu kaufen, erkannten, dass die Schrift auf dem Stück, aus dem die Anfänge und Streifen der amerikanischen Flagge bestanden, „DIE N **** R“ lautete. Die Vertreter kehrten zurück und kauften Black Light #9: American Spectrum.
In the French Collection, einer mehrteiligen Serie, die die Wahrheiten und Mythologien der Moderne berührt, erkundete Ringgold eine andere Lösung, um das schmerzhafte historische Erbe von Frauen und Männern afrikanischer Abstammung zu überwinden. Da Frankreich zu dieser Zeit die Heimat der modernen Kunst war, wurde es auch zur Quelle für afroamerikanische Künstler, um ihre eigene „moderne“ Identität zu finden.:2
Während der 1970er Jahre machte sie auch ein „Free Angela“ Poster-Design für die Black Panthers, obwohl es nie weit verbreitet war Ringgold hat erklärt, dass sie Angela Davis selbst eine Kopie des Designs gegeben hat.
Steppdeckenbearbeiten
Ringgold erklärte, sie sei von der Malerei auf Stoff umgestiegen, um sich von der Assoziation der Malerei mit westlichen / europäischen Traditionen zu lösen. In ähnlicher Weise ermöglichte die Verwendung von Quilt ihre Befürwortung der feministischen Bewegung, da sie ihre Quilts einfach aufrollen konnte, um sie in die Galerie zu bringen, was die Notwendigkeit jeglicher Unterstützung durch ihren Ehemann negierte.
1972 reiste Ringgold im Sommer 1972 mit ihrer Tochter Michele nach Europa. Während Michele Freunde in Spanien besuchte, ging Ringgold weiter nach Deutschland und in die Niederlande. In Amsterdam besuchte sie das Rijksmuseum, das zu einer der einflussreichsten Erfahrungen für ihre reife Arbeit wurde und anschließend zur Entwicklung ihrer Quiltbilder führte. Im Museum stieß Ringgold auf eine Sammlung nepalesischer Gemälde aus dem 14. und 15.Jahrhundert, die sie dazu inspirierten, Stoffbordüren um ihre eigenen Arbeiten zu produzieren.
Als sie in die USA zurückkehrte, entstand eine neue Malserie: Die Slave Rape Series. In diesen Arbeiten nahm Ringgold die Perspektive einer afrikanischen Frau ein, die gefangen genommen und in die Sklaverei verkauft wurde. Ihre Mutter, Willi Posey, arbeitete bei diesem Projekt mit ihr zusammen, da Posey in den 1950er Jahren eine beliebte Harlemer Modedesignerin und Näherin war und Ringgold beibrachte, wie man in der afroamerikanischen Tradition quiltet. Diese Zusammenarbeit führte schließlich 1980 zu ihrem ersten Quilt Echoes of Harlem.: 44-45 Ringgold wurde auch von ihrer Großmutter die Kunst des Quiltens im afroamerikanischen Stil beigebracht, die sie wiederum von ihrer Mutter Susie Shannon gelernt hatte, die eine Sklavin war.
Ringgold steppte ihre Geschichten, um gehört zu werden, da zu der Zeit niemand die Autobiographie veröffentlichen würde, an der sie gearbeitet hatte. In einem Interview mit dem Crocker Art Museum erklärte sie: „1983 begann ich als Alternative, Geschichten auf meine Quilts zu schreiben. Auf diese Weise konnten die Leute meine Geschichten immer noch lesen, wenn meine Quilts zum Anschauen aufgehängt oder für ein Buch fotografiert wurden.“ Ihre erste Quilt-Geschichte Wer hat Angst vor Tante Jemima? (1983) zeigt die Geschichte von Tante Jemima als Matriarchin Gastronomin und fiktiv überarbeitet „die am meisten verleumdeten schwarzen weiblichen Stereotyp.“ Ein weiteres Stück mit dem Titel „Change: Faith Ringgolds Over 100 Pounds Weight Loss Performance Story (1986) beschäftigt sich mit dem Thema „eine Frau, die sich gut fühlen will und sich an kulturelle Schönheitsnormen hält, eine Person, deren Intelligenz und politische Sensibilität es ihr ermöglicht, die inhärenten Widersprüche in ihrer Position zu sehen, und jemand, der inspiriert wird, das ganze Dilemma in ein Kunstwerk zu verwandeln“.:9
Die Serie von Story Quilts aus Ringgolds französischer Kollektion konzentriert sich auf historische afroamerikanische Frauen, die sich der Veränderung der Welt verschrieben haben (die Sunflowers Quilting Bee in Arles). Es ruft auch den männlichen Blick hervor und lenkt ihn um und veranschaulicht die eindringliche Kraft historischer Fantasie und kindlich fantasievoller Erzählkunst. Viele ihrer Quilts inspirierten später die Kinderbücher, die sie später machte, wie z Abendessen bei Tante Connies Haus (1993) veröffentlicht von Hyperion Books, basierend auf dem Dinner Quilt (1988).
Skulpturbearbeiten
1973 begann Ringgold mit der Skulptur als neuem Medium zu experimentieren, um ihre lokalen und nationalen Ereignisse zu dokumentieren. Ihre Skulpturen reichen von kostümierten Masken bis hin zu hängenden und freistehenden Softskulpturen, die sowohl reale als auch fiktive Figuren aus ihrer Vergangenheit und Gegenwart darstellen. Sie begann mit der Herstellung von kostümierten Mixed-Media-Masken, nachdem ihre Schüler ihre Überraschung darüber zum Ausdruck gebracht hatten, dass sie Masken nicht bereits in ihre künstlerische Praxis aufgenommen hatte.: 198 Die Masken waren Leinenstücke, die bemalt, mit Perlen besetzt und mit Bast für Haare gewebt waren, und rechteckige Stoffstücke für Kleider mit bemalten Kürbissen zur Darstellung von Brüsten. Sie machte schließlich eine Reihe von elf Maskenkostümen, genannt the Witch Mask Series, in einer zweiten Zusammenarbeit mit ihrer Mutter. Diese Kostüme könnten auch getragen werden, würden aber dem Träger weibliche Eigenschaften verleihen, wie Brüste, Bäuche und Hüften. In ihren Memoiren Wir flogen über die Brücke, Ringgold stellt auch fest, dass in traditionellen afrikanischen Ritualen, Die Maskenträger wären Männer, trotz der weiblichen Züge der Maske.:200 In dieser Serie wollte sie jedoch, dass die Masken sowohl eine „spirituelle als auch skulpturale Identität“ haben,:199Der doppelte Zweck war ihr wichtig: die Masken konnten getragen werden und waren nicht nur dekorativ.
Nach der Witch Mask-Serie wechselte sie 1973 zu einer weiteren Serie von 31 Masken, der Family of Woman Mask-Serie, die an Frauen und Kinder erinnerte, die sie als Kind gekannt hatte. Später begann sie, Puppen mit bemalten Kürbisköpfen und Kostümen herzustellen (ebenfalls von ihrer Mutter hergestellt, die sie später zu lebensgroßen weichen Skulpturen führten). Die erste dieser Serie war ihr Stück Wilt, eine 7’3 „Porträtskulptur des Basketballspielers Wilt Chamberlain. Sie begann mit Wilt als Antwort auf einige negative Kommentare, die Chamberlain in seiner Autobiographie zu afroamerikanischen Frauen machte. Wilt zeigt drei Figuren, den Basketballspieler mit einer weißen Frau und einer gemischten Tochter, beide fiktive Charaktere. Die Skulpturen hatten gebackene und bemalte Kokosnussschalen, anatomisch korrekte Schaum- und Gummikörper, die mit Kleidung bedeckt waren, und hingen an unsichtbaren Angelschnüren von der Decke. Ihre weichen Skulpturen entwickelten sich noch weiter zu lebensgroßen „Porträtmasken“, die Charaktere aus ihrem Leben und ihrer Gesellschaft darstellten, von unbekannten Harlem-Bewohnern bis zu Martin Luther King Jr. Sie schnitzte Schaumgesichter in Abbilder, die dann sprühlackiert wurden — in ihren Memoiren beschreibt sie jedoch, wie sich die Gesichter später zu verschlechtern begannen und restauriert werden mussten. Sie tat dies, indem sie die Gesichter mit Stoff bedeckte und sie sorgfältig formte, um die Ähnlichkeit zu bewahren.
Performance artEdit
Da viele von Ringgolds Maskenskulpturen auch als Kostüme getragen werden konnten, war ihr Übergang von der Maskenherstellung zur Performancekunst ein selbstbeschriebener „natürlicher Fortschritt“.:206 Obwohl Kunstperformance-Stücke in den 1960er und 70er Jahren reichlich vorhanden waren, wurde Ringgold stattdessen von der afrikanischen Tradition inspiriert, Geschichtenerzählen, Tanz, Musik, Kostüme und Masken in einer Produktion zu kombinieren.:238 Ihr erstes Stück mit diesen Masken war The Wake and Resurrection of the Bicentennial Negro. Die Arbeit war eine Antwort auf die amerikanischen Zweihundertjahrfeier von 1976; eine Erzählung über die Dynamik des Rassismus und die Unterdrückung der Drogenabhängigkeit. Sie spricht die Meinung vieler anderer Afroamerikaner aus – es gab „keinen Grund, zweihundert Jahre amerikanische Unabhängigkeit zu feiern … fast die Hälfte dieser Zeit waren wir in Sklaverei“.:205 Das Stück wurde in Pantomime mit Musik aufgeführt und dauerte dreißig Minuten, wobei viele ihrer früheren Gemälde, Skulpturen und Installationen einbezogen wurden. Später produzierte sie viele andere Performance-Stücke, darunter ein autobiografisches Solo-Performance-Stück namens Being My Own Woman: Ein autobiografisches maskiertes Performance-Stück, eine maskierte Story-Performance während der Harlem Renaissance namens The Bitter Nest (1985) und ein Stück zur Feier ihres Gewichtsverlusts namens Change: Faith Ringgolds Over 100 Pound Weight Loss Performance Story Quilt (1986). Jedes dieser Stücke war multidisziplinär und beinhaltete Masken, Kostüme, Quilts, Gemälde, Geschichtenerzählen, Gesang und Tanz. Viele dieser Aufführungen waren auch interaktiv, da Ringgold ihr Publikum ermutigte, mit ihr zu singen und zu tanzen. In ihrer Autobiografie We Flew Over the Bridge beschreibt sie, dass ihre Performances nicht schockieren, verwirren oder verärgern sollten, sondern „einfach eine andere Art, meine Geschichte zu erzählen“.:238
publikationenbearbeiten
Ringgold hat 17 Kinderbücher geschrieben und illustriert. Ihr erster war Tar Beach, 1991 von Crown veröffentlicht, basierend auf ihrer gleichnamigen Quiltgeschichte. Für diese Arbeit gewann sie den Ezra Jack Keats New Writer Award und den Coretta Scott King Award for Illustration. Sie war auch die Zweitplatzierte für die Caldecott-Medaille, der führende Preis der American Library Association für Bilderbuchillustration. In ihren Bilderbüchern nähert sich Ringgold komplexen Fragen des Rassismus auf geradlinige und hoffnungsvolle Weise und kombiniert Fantasie und Realismus, um eine erhebende Botschaft für Kinder zu schaffen.