Geschichte der Ars Nova Bewegung

Ars Nova

Ars Nova ist ein Musikstil, der in Frankreich im Mittelalter zwischen den 1310er Jahren bis etwa 1400 blühte. Es wird übersetzt „Neue Kunst“. Während dieser Zeit begannen sich Modus, Zeit und Pronation der Musik zu verschieben. Taktarten wurden geboren und es gab eine neue Struktur für Musik und wie sie gemacht und aufgeführt wurde. Verschiedene Stile entwickelten sich, und die Menschen dieser Zeit begannen, neue Klänge zu hören, die sie noch nie zuvor gehört hatten.

Vor Ars Nova war Musik kostenlos, es gab einen beweglichen C-Schlüssel sowie keine Taktart. Gregorianischer Gesang war der Stil des Mittelalters; ein einzeiliger Gesang, in dem der Chor oder die Gemeinde unisono sang. Es gab keine Taktart oder Polyphonie, in der verschiedene Abschnitte verschiedene Teile zusammen sangen. Es gab so viel Freiheit. Es gab keine Zeit oder aufgeschlagen Notation, dass es ein Wunder, wie sie wussten, was zu tun ist. Die meiste Musik, die aus dem Mittelalter überlebt hat, war heilig. Sie verehrten die Messe, die ihre Hauptquelle der Musik war. Dann wurde Polyphonie geboren und eine neue Ära entstand. Die Menschen dieser Zeit begannen, Regeln und Notationen zu erstellen, die es komplexer und kreativer machten.

Während der Ars Nova entstand neue Musik. Diese neue Musik erhöhte die Aufmerksamkeit der weltlichen Musik. Es begannen neue musikalische Konzepte. Diese Komponisten drückten während der Ars Nova eine neue Freiheit beim Komponieren und Erstellen verschiedener Taktarten aus. Es wuchs eine Toleranz für Tempus imperfectum, die einen doppelten Meter betrug.

IID: Die Ars Nova in Frankreich heißt es: „Dieses alte System duple Divisionen des Beat (wie in 2/4 oder 3/4 Meter), während machbar, wurden weder theoretisch anerkannt noch angemessen vorgesehen, dank der langjährigen mystischen Glauben an die Perfektion der Zahl 3 (die Dreifaltigkeit, etc.). Bis zum 14.Jahrhundert waren ternäre Unterteilungen (entspricht unserem 6/8 oder 9/8 Meter) die Norm. Die Theoretiker des 14.Jahrhunderts, die mehr an der Praktikabilität als an der numerologischen Mystik interessiert waren, stellten die doppelte und die dreifache Messung gleich.“

Früher war Musik nur für etwas bekannt, das in der Kirche verwendet wurde, aber jetzt wurde es von überall her gehört. Sie könnten durch die Straßen gehen und weltliche Musik hören, die an verschiedenen Orten gespielt wird. Weltliche Formen und leichtere melodische Figuren sind mehr denn je zu sehen: Isorhythmus, Melodie, Begleitung, neue Dissonanz sowie kontrapunktische Freiheit. Ars Nova war wirklich eine spektakuläre Zeit für Musik.

Phillippe de Vitry war einer der ersten Komponisten während der Ars Nova. Vitry wurde 1291 geboren und starb 1361. Der Begriff Ars Nova stammt aus den letzten Worten einer Abhandlung, die Vitry zugeschrieben wird. Vitry war Komponist, Dichter, Kirchenkanon und Verwalter eines Herzogs, eines Königs und eines Bischofs. Vitry war vor allem für die Notenschrift während der Ars Nova bekannt. In dem Artikel „Britannica“ heißt es: „Vitry war der Autor einer berühmten Abhandlung über Musik namens Ars Nova, Er befasste sich mit theoretischen Aspekten der französischen Musik, erklärte neue Theorien der Mensuralnotation und beschrieb verschiedene Bedeutungen farbiger Noten. Dies führt Dauersymbole in das neue Notationssystem ein“

Sie können dies deutlich in Philippe de Vitrys „In Arboris“ sehen. Dieses Stück wurde im 6/8 Takt geschrieben. Wenn Sie den Song hören, können Sie den Beat deutlich spüren oder zu den Hauptbeats auf „tippen“. Vitry schrieb dieses Stück in drei Stimmlagen: zwei melodische Linien über der Tenorlinie. Ein Teil hält längere Notenwerte aus, die eine Grundlage für den Aufbau melodischer Linien bilden; Dies wird die Tenorlinie sein. Die Notation dieses Stückes begann sich vertraut zu machen. Die Notenwerte bildeten „Regeln“ für Musik, die heute in der modernen Welt verwendet wird. Dies machte es uns leichter, die geschriebene Musik zu verstehen und sie singen oder spielen zu können.

Erstmals waren sowohl doppelte als auch dreifache Teilungen von Notenwerten möglich. Hinweis- Formen behielten ihren Wert unabhängig vom Kontext bei. Dies machte Synkopierung möglich. Mensurationszeichen zeigten die Aufteilung von Zeit und Prolation an. Vor der Erfindung der Taktarten sangen Sänger auf beweglichen C-Schlüsseln ohne richtige Notation. Dies ermöglichte es, zusammen zu singen und Polyphonie zu singen, wobei zwei Tonhöhen gleichzeitig erklangen.

Diese Muster wurden länger und etwas komplizierter. Sie wurden weniger zu einer Melodie als vielmehr zu einer Grundlage für das System. Wiederholte melodische Figuren wurden Farbe genannt, aber sie waren nicht unbedingt rhythmisch und wurden möglicherweise nicht sofort wiederholt. Mit zwei oder mehr Stimmen, die gleichzeitig singen, wurde es für die Stimmen schwierig, alle im gesamten Repertoire singen zu können. Hocket war der Begriff für Ruhe. Eine Stimme singt, während die andere abwechselnd ruht. Hocket wurde im 13.Jahrhundert entwickelt.

Ars Nova begann sich sowohl in den Massen als auch in der weltlichen Musik zu erheben. Polyphonie wurde in der Messe verwendet. Anstatt nur eine einzelne Note und einen einzelnen Klang zu hören, hörten Sie mehrere Noten und Klänge, egal ob Sie als Einheit oder als Einzelpersonen zusammen sangen. Dies mag für unsere Ohren heute wegen all der verschiedenen Geräusche und Stimmen, die wir normal hören, nicht ungewöhnlich erscheinen, aber im Mittelalter war dies eine ziemliche Veränderung, weil sie es gewohnt waren, jeweils einen Ton oder eine Unisonostimme zu hören.

Ein weiterer berühmter Komponist während der Zeit von Ars Nova war Guillaume de Machaut. Machaut wurde 1300 geboren und starb 1377. Zu Machauts Lebzeiten komponierte er viele wichtige musikalische Werke und erzählerische Gedichte. Machaut wurde der führende Komponist von de Vitrys Stil der französischen Ars Nova. Er war der erste Komponist, der seine Werke zu Lebzeiten arrangierte. Machaut diskutierte auch seine Arbeitsmethoden, was zu dieser Zeit ungewöhnlich war. Er bezahlte persönlich die Vorbereitung mehrerer Manuskripte seiner Werke. Machaut würde anfangen, das Gedicht zu schreiben und später Musik hinzuzufügen. Machaut schrieb, dass er am glücklichsten im Leben war, wenn die Musik süß und angenehm für das Ohr war. Eines der Machauts Stücke enthalten die Messe de Notre Dame, die Masse unserer Lieben Frau übersetzt.

Messe de Notre Dame wurde von einem Komponisten komponiert und war eine der frühesten polyphonen Vertonungen der Messe. Missa de Notre Dame wurde jeden Samstag gefeiert und bei der Messe für die Jungfrau Maria aufgeführt. Während der Missa de Notre Dame im Introitus beginnt es mit einem Gesang, den wir normalerweise hören würden, ändert sich aber im Kyrie. Beginningin das Kyrie wurden Polyphonie verwendet wurde, wie wir vier verschiedene Stimmstimmen zu hören begann. Jeder Teil hatte seine eigene Melodie, sang aber entweder den gleichen oder einen ähnlichen Text. Bevor Polyphonie verwendet wurde, bestand die Messe hauptsächlich aus Unisono-Gesängen. Nach Machauts Tod wurde dem Gottesdienst eine Rede für Machauts Seele hinzugefügt.

In dem Artikel „Britannica“ heißt es: „Die Ars Nova-Technik des Isorhythmus (wiederholte Überlappung eines rhythmischen Musters in unterschiedlichen melodischen Formen) ist ein wesentliches Merkmal von Machauts Schreiben“. Es wurde bis etwa zum fünfzehnten Jahrhundert durchgeführt. Diese Masse enthielt wiederkehrende Motive. Der tonale Fokus während der ersten drei Sätze lag auf D und in den letzten drei auf F. Alle sechs Sätze waren für vier Stimmen, dies beinhaltete ein Kontratenor, das sich gegen den Tenor bewegte, aber im gleichen Bereich.

Machaut war einer der Hauptkomponisten, die sich mit polyphonen Liedern befassten. Formosa, französische poetische Formen, wurden während der Ars Nova erzogen. Chansons, französische Lieder, wurden als Ballade, Rondeau und Virelai bekannt. All dies bestand aus komplexen Mustern wiederholter Verse und Refrains in zwei Hauptabschnitten.

Ballade war ein Refrain mit drei Strophen, wobei die letzte Zeile der Strophe als Refrain fungierte. Die Strophen waren typischerweise drei bis acht Zeilen und das Reimschema ging ababbcbC. Rondeau oder Rondel beinhaltete ein abwechselndes Singen der Refrainelemente durch eine Gruppe und der anderen Zeilen durch einen Solisten. Die Verse reimen sich manchmal schematisch mit dem Refrain. Die Reimschemata gingen AB aAab AB, wobei „A“ und „B“ die wiederholten Refrainteile und „a“ und „b“ die Verse waren. Schließlich war der Virelai die häufigste Versform, die vertont wurde. Dazu gehörten drei Strophen mit jeweils einem Refrain vor und nach jeder Strophe in Taktform mit einem Reimschema AbbaA. Dies wurde normalerweise drei bis fünf Zeilen pro Strophe geschrieben.

Es wurden mehr polyphone Lieder geboren, die Ideen in neue Formen und neue musikalische Regeln und Klänge brachten, die in dieser Ära einzigartig für das Ohr waren. Zu den polyphonen Liedern, Chansons und Liedern gehörten auch Cantus, Ritornell und Caccia. Cantus war der Akt, Lieder zu singen und Bier zu trinken. Solche Lieder und Gruppen, die teilgenommen haben, wurden in vielen Sprachen wie Niederländisch, Französisch, Deutsch, Englisch, Latein und Afrikaans gefunden. Ritornell war die letzte Zeile eines Madrigals. Dies war in der Regel in einem Reim Schema und Meter, die mit dem Rest des Liedes kontrastiert. Caccia war ein Teil eines Liedes im Kanon von der Darstellung der Jagd von Dorfszenen. Es verwendete normalerweise Geräusche wie die Schreie von Bettlern und Verkäufern zu den Geräuschen von bellenden Hunden. Dies war ein Lied, das Klänge enthielt, die wir normalerweise auf der Straße hören würden.

Ars Subtilior, übersetzt „Subtile Kunst“, kultivierten Komponisten in ganz Süditalien am Hof des Papstes von Avignon komplexe weltliche Musik. Die Formalisierung des Doppel- und Dreifachmeters mit Färbung war eine Fortsetzung der Ars Nova-Übergänge in polyphonen Liedern. Stücke wurden in über fantasievollen Formen notiert und Liebeslieder, die für ein elitäres Publikum bestimmt waren, wurden auch in Ars Subtilior aufgenommen. Stimmen waren in kontrastierenden Metern und widersprüchlichen Gruppierungen. Rhythmische Komplexität war erst im zwanzigsten Jahrhundert wieder bekannt. Harmonien wurden absichtlich durch rhythmische Teilung begraben. McComb Staaten, „Die Ars Subtilior war eine Verschiebung der Praxis. Einige von Machauts späten Liedern könnten als Ars Subtilior im Stil beschrieben werden. Es gab einen Faden persönlicher Kontinuität, der möglicherweise analog zu z. Beethoven und der Beginn der romantischen Bewegung“.

Schließlich wurde der Komponist Francesco Landini 1325 geboren und starb 1397. Er war ein italienischer Komponist, Sänger, Dichter, Organist und Instrumentenbauer. Landini war in seiner Kindheit an Pocken erblindet. Er widmete sein Leben der Musik und beherrschte viele Instrumente, sang und schrieb Gedichte sowie Komposition. Landini arbeitete 1361 als Organist im florentinischen Kloster Santa Trinita. Landini war dafür bekannt, ein Publikum zu bewegen. Seine Musik war so kraftvoll, dass Schriftsteller die Süße seiner Melodien mehr als alles andere kommentierten.

Landinis wichtigster Vertreter des italienischen Trecento-Stils, manchmal auch als italienischer Ars Nova bezeichnet, waren die meisten seiner erhaltenen Werke rein weltlich. Zu seinen Werken gehörten 89 Ballate für zwei Stimmen, 42 Ballate für drei Stimmen, neun in zwei- und dreistimmiger Fassung und mehrere Madrigale. Ballata waren einfach Lieder mit Tanz in ihnen. Fast alle seine Werke wurden im Squarcialupi Codex aufbewahrt, einer Sammlung von Werken, die fast ein Viertel aller erhaltenen italienischen Musik des 14.

Die Landini-Kadenz war eine Formel, bei der der sechste Grad der Skala zwischen der Leitnote und ihrer Auflösung auf der Tonika eingefügt wurde. Dies war weder originell noch einzigartig für Landini, aber er war der einzige, der es konsequent in seiner Musik verwendete. Schulter erklärte: „Die Landini-Kadenz ist in der Musik des 14. Es wird in seiner charakteristischsten Form als Variation der harmonischen Progression beschrieben, in der sich instabile Sechstel zu einer stabilen Oktave ausdehnen „.

Musica ficts ist ein Begriff, der verwendet wird, um Tonhöhen zu beschreiben. Dies sind Tonhöhen, die etwas höher oder niedriger waren und für das zu diesem Zeitpunkt verwendete System ungewöhnlich waren. Musica ficta konnte entweder notiert oder später zur Aufführung hinzugefügt werden. Musica ficta wurde außerhalb des Systems der „richtigen“ oder „wahren“ Musik verwendet, wie es im Hexachordsystem von Guido von Arezzo definiert ist. Dies war das Anheben oder Absenken einer Tonhöhe, die heute als Sharps of Flats bekannt ist. Double Leading-Tone Cadence war ein anderer Name für eine Art Landini-Kadenz. Die phrygische Kadenz war eine weitere Variation für die Landini-Kadenz, als eine halbe Kadenz, die auf der fünften endete, den oberen Teil kurz vor der letzten Note in den sechsten Grad bewegte.

Musikalische Regeln wurden im Mittelalter und in der Renaissance entwickelt. Beginnend im Mittelalter mit einzeiligem Gesang, Kirchenmusik wurde dominiert, die Troubadoure sowie Kirchenmodi. Als Reaktion auf Single Line Chant führte Ars Nova zu vielen Experimenten mit Klängen, Formen, Gedichten, Schriften und sogar Kunst. Komponisten dieser Zeit begannen herauszufinden, welche Klänge außerhalb der Norm andere ergänzen würden. Sie würden auch einige Grundregeln für die Musik schaffen, die bald zu Regeln werden würden, die während der Barockzeit entwickelt wurden.

Während der Renaissance, als die Polyphonie entwickelt wurde, gab es eine Trennung von geistlicher und weltlicher Musik. Beide wurden toleriert. Polyphonie bestand aus zwei oder mehr melodischen Linien, unabhängig voneinander, aber immer noch angenehm für das Ohr in nachahmendem Kontrapunkt. Während der Renaissance in Ars Nova begannen Komponisten zu experimentieren und wurden immer toleranter gegenüber dem Hören mehrerer Klänge sowie verschiedener Klänge.

In dieser Zeit entstanden viele verschiedene Formen sowie viele Komponisten, die jeweils ihren einzigartigen Klang und ihre einzigartigen Formen mitbrachten. Beginnend mit Phillippe de Vitry führte er isorhythm ein, die Farbmelodie mit Talea-Rhythmus auf der Unterseite; und die Idee, einen Rhythmus zu verwenden, der sich immer wieder wiederholte. Vitry stellte uns Hocket und Contratenor vor. Stimmen, die gehört wurden und die Schichtung von Teilen (Polyphonie) war geboren.

Machaut führte Formosa und all die verschiedenen Arten von Chanson ein, von Virelai über Ballade, Ritornell bis Caccia. Einige dieser Songs wurden uns vorgestellt, einschließlich der Klänge, die wir normalerweise nicht in musikalischer Umgebung hören würden, sondern an einem normalen Tag auf der Straße. Geräusche wie Hundegebell oder ein Bettler auf der Straße.

Schließlich brachte uns Landini Kadenzen. Eine Formel, bei der der sechste Grad der Skala zwischen der führenden Note und ihrer Auflösung auf der Tonika eingefügt wurde. Obwohl dies nicht unbedingt einzigartig für Landini selbst war, verwendete er es ziemlich regelmäßig in seinen Werken.

Bibliographie

• Britannica, T. E. (2016, März 22). Guillaume de Machaut. Abgerufen von https://www.britannica.com/biography/Guillaume-de-Machaut
• Britannica, T. E. (2018, June 05). In: Philippe de Vitry. Abgerufen von https://www.britannica.com/biography/Philippe-de-Vitry
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• McComb, T. M. (n.d.). Abgerufen von http://www.medieval.org/music/ccc/aaaa981022.html