Leitfaden zur Modefotografie

Die Modebranche ist ein milliardenschwerer Sektor, der Produktion, Design und Vertrieb auf vielen verschiedenen Ebenen abdeckt. Die meisten von ihnen nutzen die Fotografie auf die eine oder andere Weise.

Wenn Sie über Modefotografie nachdenken, kann Ihr Verstand von einem Model, das die Landebahn entlang läuft, zu einem anderen wechseln, das surreale Kostüme trägt, während es in einer Glaskugel gefangen ist.

Keines dieser Bilder wäre falsch. Dies ist einer der größten und vielfältigsten Bereiche der Fotografie.

Deshalb ist es in viele Subgenres unterteilt und jedes erfordert unterschiedliche Fähigkeiten, Ausrüstung und Budget.

Diese reichen vom Fotografieren von Modeprodukten für Werbekampagnen bis hin zur Erstellung von High-Fashion-Bildern, die der bildenden Kunst näher kommen.

In diesem Artikel finden Sie eine Einführung in die weite Welt der Modefotografie.

Was ist Modefotografie?

Einfach gesagt, es ist ein fotografisches Genre, das sich um die Welt der Mode dreht.

Im Großen und Ganzen deckt die Modefotografie alles ab, von Laufstegshows bis hin zu Markenkatalogen, Werbung, Modellportfolios, redaktionellen Shootings und vielem mehr.

Diese Vielfalt bedeutet, dass es nichts Einfaches gibt. Etwas anderes zu beachten ist, dass das Modegenre stark mit anderen Arten von Fotografie verwischt, einschließlich bildender Kunst, Porträtmalerei und Produktfotografie.

In diesem Artikel werde ich versuchen, es aufzuschlüsseln, indem ich Subgenres definiere, Ihnen Beispiele für Modefotografen gebe und Ihnen einige Tipps gebe, wie Sie Ihre Arbeit als Modefotograf verbessern können.

Was sind die Arten der Modefotografie?

Da es sich um ein so weites Gebiet der Fotografie handelt, hilft es, das Modegenre in verschiedene Typen zu unterteilen. Als Modefotograf können Sie sich darauf konzentrieren, nur einen oder viele davon zu machen.

Jede Art hat einen anderen Umfang und das bestimmt, was Sie brauchen und wie Sie es tun. Hier sind einige der größten.

1. High Fashion Fotografie

Von allen kommerziellen fotografischen Genres, die die Grenze zur Kunstfotografie überschreiten, ist dies die berüchtigtste. Modefotografen werden oft in Museumsausstellungen gezeigt und sind weltweit bekannt.

In der High-Fashion-Fotografie verkaufen oder präsentieren Sie nicht nur die Kleidung, sondern auch die kreative Vision und den Stil von Modehäusern.

Sie können die Realität hinter sich lassen und wild werden, da diese Art der Fotografie normalerweise eine große Produktion erfordert.

Die Stars sind oft Topmodels oder berühmte Schauspieler und Schauspielerinnen. Das Hauptkonzept hier ist es, die Ideen und Fähigkeiten aller beteiligten kreativen Parteien zu präsentieren: der Modedesigner natürlich, aber auch die Make–up- und Friseure – und nicht zu vergessen, Ihre eigenen.

Um diese Art von Bild aufzunehmen, sollten Sie eine Vollformatkamera oder, wenn möglich, sogar ein Mittelformat verwenden. Dies liegt daran, dass es sich um Produktionen mit hohem Budget handelt, bei denen die Qualität unabhängig von den Kosten die beste sein muss.

Oft werden diese Fotografien für Kunstausstellungen oder hochwertige Bücher gedruckt, die ebenfalls ein hohes Maß an Detailgenauigkeit und Auflösung erfordern, um die Druckqualität zu erhalten.

Betrachten Sie dieses Fotoshooting als Filmproduktion. Es geht nicht darum, den durchschnittlichen Käufer davon zu überzeugen, diese Jeans zu bekommen, es geht darum zu zeigen, was Sie können.

Es gibt ein ganzes Team von Fachleuten, die zusammenarbeiten, damit das Konzept zusammenkommt und das endgültige Meisterwerk zeigt.

Aus diesem Grund benötigen Sie ein gutes Netzwerk und Team. Sie werden wahrscheinlich mit einem komplexen Beleuchtungssetup und Zubehör arbeiten.

Zu guter Letzt müssen Sie die Postproduktion in Betracht ziehen, um den Look zu vervollständigen oder je nach Projekt Spezialeffekte hinzuzufügen.

2. Redaktionelle Modefotografie

Manchmal wird Editorial mit High Fashion verwechselt, weil das Styling und die Produktion für das Storytelling erforderlich sind, aber diese Art der Fotografie ist im Allgemeinen für den Betrachter besser nachvollziehbar.

Editorial kann der Lifestyle-Fotografie ähneln und ist oft ehrgeizig. Das Modell porträtiert eine Rolle und trägt Mode, die Sie vielleicht nicht jeden Tag benutzen, aber Sie möchten besitzen.

Redaktionelle Modefotografie wird so genannt, weil sie in Büchern und Mode- / Fotomagazinen vorgestellt wird. Redaktionelle Shootings können die Geschichte eines Produkts oder einer Marke erzählen, eine Erzählung liefern oder einen aktuellen Trend veranschaulichen.

Der Prozess vor dem Shooting ist wichtig, und Sie müssen möglicherweise ein Treffen mit dem Kunden haben, um zu verstehen, was Sie mit Ihren Fotos erzählen sollen – dies wird als Briefing bezeichnet.

Die Fotoshootings finden oft vor Ort statt im Studio statt und die Atmosphäre kann sehr unterschiedlich sein. Sie müssen sicherstellen, dass sie der Stimmung entsprechen, die Sie für die Geschichte wünschen.

Wenn Ihre Fotos im Studio aufgenommen werden, sollte es mit verschiedenen Requisiten eingerichtet werden und Ihre Lichtfähigkeiten müssen wirklich glänzen. Nicht weil die Einstellung jedes Mal sehr komplex sein muss, sondern weil sie eine Botschaft vermitteln muss.

3. Street Fashion Fotografie

Street Fashion Fotografie, auch bekannt als Street Style Fotografie, dreht sich alles um die reale Welt; was die Leute tragen und wie sie es stylen.

Sie können diese Art von Bildern auf Instagram und anderen Social-Media-Kanälen sehen. Sie finden sie auch in Modemagazinen mit Artikeln darüber, was in dieser Saison angesagt ist, oder in Anleitungen zum Tragen von x.

Street Fashion Photography begann als Subgenre der Straßenfotografie, in dem Menschen in ihrem täglichen Leben unterwegs waren, mit dem Schwerpunkt, ihren einzigartigen Sinn für persönlichen Stil hervorzuheben.

Mit der Zeit konzentrierte sich der Streetstyle mehr darauf, die Outfits einzufangen, die das Modepublikum bei Großveranstaltungen wie den Fashion Weeks trug.

Als die Motive auf das Rampenlicht aufmerksam wurden, begannen sie sich besonders zu verkleiden, um die Aufmerksamkeit der Streetstyle-Fotografen auf sich zu ziehen, und das Genre entfernte sich von offen zu posierender. Inszeniert, sogar.

Wenn Sie sich für Street-Fashion-Fotografie interessieren, entscheiden Sie, ob Sie sich auf natürliche, ehrliche Aufnahmen von echten Menschen auf der Straße oder auf inszenierte Fotoshootings konzentrieren möchten, die draußen stattfinden und den Anschein erwecken, als würden Sie im Alltag stattfinden.

In jedem Fall kann es ein interessantes und dennoch anspruchsvolles Genre sein, in dem man arbeiten kann.

4. Katalog Modefotografie

Modekatalogfotografie ist eine Art Produktfotografie. Sein Zweck ist es, Modeartikel klar und attraktiv zu zeigen, damit die Menschen ein Gefühl dafür bekommen, wie sie aussehen und passen, bevor sie kaufen.

Normalerweise findet das Fotoshooting in einem Studio mit neutralem Hintergrund statt. Auf diese Weise lenkt nichts Ihre Aufmerksamkeit von der Mode ab.

Es gibt verschiedene Beleuchtungs-Setups, die für diese Art der Fotografie bereits beliebt sind. Es bedeutet nicht, dass Sie nicht innovativ sein oder Ihren eigenen Stil haben können, aber es gibt weniger kreative Lizenz dafür.

Große Softboxen können sehr hilfreich sein, um alles gut beleuchtet zu halten und die Details und Materialien der Kleidung zu zeigen.

Vermeiden Sie die Verwendung von Weitwinkelobjektiven, die den Körper verzerren können. Etwas zwischen 50mm und 70mm sollte gut funktionieren.

Telephotos sind in Ordnung, aber wenn Sie den ganzen Körper fotografieren müssen, benötigen Sie ein riesiges Studio, sodass sie unpraktisch werden.

Die Pose wird in der Katalogfotografie ziemlich zentral, da das Modell keine Requisiten oder eine Aktion zum Darstellen hat.

Sie müssen klar mit ihnen kommunizieren und eine angenehme Atmosphäre schaffen. Seien Sie mit verschiedenen Posen vorbereitet, die Sie wollen; Schauen Sie sich viele Magazine und sogar Pinterest an, um sich inspirieren zu lassen.

Achten Sie besonders auf die Hände, da sie einer der schwierigsten Teile sind, um auf eine Weise zu posieren, die natürlich aussieht.

Einfache Dinge können viel bewirken: zum Beispiel, haben Sie Ihr Modell mit einem leicht geöffneten Mund, da dies das Gesicht entspannt aussehen lässt.

Denken Sie daran, dass Sie einen Modekatalog und kein Porträt erstellen.

Wenn ein Hemd beispielsweise ein spezielles Design auf der Rückseite hat, weisen Sie das Modell an, sich umzudrehen und Sie über die Schulter anzusehen.

5. Runway Modefotografie

Viele betrachten dies nicht als eine Art Modefotografie, weil es näher an einem Fotoreporter liegt, der ein Ereignis dokumentiert.

In der Runway-Fotografie kontrollierst du nicht die Beleuchtung, die Einstellung oder die Modelle – weshalb sich das Skillset sehr von jedem anderen Subgenre unterscheidet.

Sie müssen flexibel auf alle Bedingungen reagieren und in der Lage sein, auf den Beinen zu sein, da dies eine schnelllebige Umgebung ist.

In Bezug auf die Ausrüstung benötigen Sie ein sehr schnelles Objektiv, um die Bewegung der Modelle bei schlechten Lichtverhältnissen zu erfassen.

Die Brennweite hängt davon ab, was Sie aufnehmen, da die Runway-Fotografie alles von atmosphärischen Aufnahmen bis hin zu Outfits in voller Länge, Dreiviertelschnitten und Detailaufnahmen von Accessoires umfassen kann.

Da Start- und Landebahnfotografen häufig eine Mischung davon aufnehmen müssen, sind Zoomobjektive Primzahlen vorzuziehen.

Modenschau-Pressegruben sind notorisch klein und vollgepackt, daher kann das Aufstellen eines Stativs schwierig sein. Ein Einbeinstativ kann eine gute Alternative sein.

In jedem Fall benötigen Sie eine Möglichkeit, Ihre Ausrüstung zu stabilisieren – andernfalls ermüden Ihre Arme und es ist nahezu unmöglich, klare Aufnahmen zu machen.

6. Lookbook Fotografie

Ein Lookbook ist ein kleines Buch (heutzutage kann es natürlich digital und interaktiv sein), das die neueste Kollektion eines Designers darstellt.

Es wird verwendet, um potenziellen Käufern (oder Spediteuren, wenn es um Geschäfte geht) die neuen Saisonartikel der Marke zu präsentieren.

Look Books unterscheiden sich von Katalogen dadurch, dass sie die Kleidung in einem Kontext anzeigen. Hier verkaufen die Fotoshootings jede Kollektion zusammen mit einem Konzept oder einer Idee.

Dazu stellt der Stylist einen ganzen Look zusammen, um ihn zu verkaufen, und der Fotograf muss die Stimmung und Persönlichkeit des Outfits vermitteln.

Es kann im Studio mit den richtigen Requisiten und Styling gemacht werden, oder Sie können vor Ort gehen. Es gibt keine richtige Kamera, Objektiv, oder Einstellungen für diese, da es eine große Auswahl an Lookbooks gibt.

Einige Marken und Designer verwenden immer noch die gedruckte Version, insbesondere wenn sie aus der High-End-Mode stammen, bei der die Qualität wichtig ist und das Budget kein Problem darstellt.

Andere erstellen Lookbooks nur für die Online-Nutzung auf ihren Websites oder im E-Commerce. Die Ausrüstung, die Sie benötigen, hängt von dem Stil ab, nach dem sie suchen.

Der beste Weg, dies anzugehen, besteht darin, das erste Briefing durchzuführen und dann einen Aktionsplan dafür zu skizzieren.

7. Werbung Modefotografie

Wie bei Katalogfotografie, Werbung Modefotografie behandelt die Kleidung und Accessoires als Produkte.

Mode-Werbekampagnen können aus einem oder mehreren Bildern bestehen und von supereinfachen Produktaufnahmen bis hin zu komplizierten Shootings mit Topmodels oder Prominenten reichen.

Du hast bestimmt schon viele Fotos von Modekampagnen gesehen – vielleicht als Buswartehäuschen-Werbung, in Modemagazinen oder als gesponserte Posts auf Facebook.

Wie Sie Werbeshootings angehen, hängt vom Kunden ab und davon, wie er seine Markenbotschaft vermitteln möchte.

Eine Werbekampagne für eine Handtasche könnte eine einfache Aufnahme der Tasche vor einem neutralen Hintergrund sein, oder sie könnte in ein provokatives, umschlagstarkes Bild integriert werden, das die Leute zum Reden bringt.

Daher kann die Ausrüstung und das Kreativteam, die Sie benötigen, von Kampagne zu Kampagne sehr unterschiedlich sein.

8. Glamour Fotografie

Diese Art der Fotografie bewegt sich zwischen Mode- und Porträtfotografie. Es geht darum, die Schönheit des Modells hervorzuheben.

Die Haare, das Make-up und das Styling stehen nicht im Vordergrund, aber sie müssen die Eigenschaften des Modells verbessern. In der Regel werden diese Fotoshootings als Portfolio für das Modell durchgeführt, um ihre Vielseitigkeit zu zeigen.

Die Sitzung kann vor Ort oder in einem Studio (oder sogar in einem Milchbad!), solange Sie die Kontrolle über die Beleuchtung übernehmen. Das Setup, das Sie auswählen, muss die Attribute des Modells ergänzen. Der Blickwinkel ist auch wichtig, um dies zu erreichen.

Posing wird in der Glamourfotografie entscheidend, also stellen Sie sicher, dass Sie vorher einige Posen im Kopf haben. Es kann hilfreich sein, Referenzbilder aus einem Modemagazin mitzubringen, um die Modelle zu zeigen.

11 Berühmte Modefotografen

Das erste Mal, dass jemand Fotografie in der Mode verwendete, war Mitte der 1800er Jahre am Hof Napoleons III. Aber es gedieh nie wirklich bis zum Ende des Jahrhunderts und Anfang der 1900er Jahre.

Die Popularisierung dieser Art von Fotografie erfolgte durch Modemagazine wie Vogue und Harper’s Bazaar. Der erste offizielle Modefotograf war Baron Adolph de Meyer, der 1913 von der Zeitschrift Vogue als solcher eingestellt wurde.

Seitdem gibt es eine lange Liste von Modefotografen, die es wert sind, erwähnt zu werden – viel zu viele, um sie hier zu erkunden.

Deshalb ist dies eine Shortlist, nur um Ihr Interesse zu wecken.

1. Martin Munkácsi – ungarischer Fotograf, 1896 – 1963.

Viele halten ihn für den Vater der Modefotografie. Vor ihm wurde Mode in einem Studio mit Modellen als Schaufensterpuppen fotografiert. Dann, im Jahr 1933, nahm er das Bild auf, das die Modefotografie revolutionieren und sie zu einem dynamischen und aufregenden Genre machen würde. Die berühmte Aufnahme war von Lucile Brokaw, die am Strand lief und von Harper’s Bazaar veröffentlicht wurde.

2. Helmut Newton – deutsch-australischer Fotograf, 1920-2004.

Einer der größten Autoren der Modefotografie, der das Genre zur Kunst gemacht hat. Es gab Einzelausstellungen seiner Arbeiten in mehreren Museen auf der ganzen Welt. Er brauchte weder die neueste Kamera noch riesige technische Ausrüstung; die Spuren, die er in der Fotogeschichte hinterließ, basierten auf seiner Kreativität und seine Arbeit drehte sich hauptsächlich um das Modell und den Ort.

3. David LaChapelle – amerikanischer Fotograf, 1963.

Im Gegensatz zu Newtons Stil schafft David LaChapelle grandiose Produktionen, die oft von der Kunstgeschichte inspiriert sind. Seine Erfahrung als Videokünstler hilft ihm, komplexe Licht- und Bühnenbilder sowie die Regie mehrerer Modelle zu verwalten.

4. Mario Testino – peruanischer Fotograf, 1954.

Seine Arbeiten wurden in mehreren Modemagazinen vorgestellt und er hat das Image für viele Modemarken geschaffen. Er möchte Ausdruck und Realismus in seine Modefotografien bringen. Er hat die Balance zwischen Business und Kunst in der Modeszene erfolgreich getroffen.

5. Oliviero Toscani – italienischer Fotograf, 1942.

Dies ist ein Fall, in dem der Name der Marke und der Name des Fotografen Hand in Hand gehen. Die italienische Marke Benetton kann man sich nicht vorstellen, ohne an eines seiner Bilder zu denken. Er stellte alle Stereotypen über Modefotografie in Frage, indem er Kampagnen zeigte, die sich mit sozialen Themen wie Rassismus und Krieg befassten. Die von ihm kreierten Werbekampagnen mögen umstritten gewesen sein, aber sie positionierten ihn definitiv in der Geschichte der Modefotografie.

6. Frances McLaughlin-Gill – amerikanische Fotografin, 1919 – 2014.

Sie war die erste weibliche Modefotografin, die von Vogue engagiert wurde, nachdem sie 1943 den Fotowettbewerb Vogue Prix de Paris gewonnen hatte. Die Dynamik und das Management des Sets und der Models verlegten ihre Arbeit ins Theater und später in den Film.

7. Ellen von Unwerth – deutsche Fotografin, 1954.

Nachdem sie zehn Jahre lang Model war, beschloss Unwerth, auf die andere Seite der Linse zu treten. Sie wurde Modefotografin und porträtiert ihre Models immer als starke, selbstbewusste Frauen.

8. Richard Avedon – amerikanischer Fotograf, 1923 – 2004.

Seine Arbeit in der Porträtfotografie war charakteristisch für die Emotionen, die von seinen Motiven eingefangen wurden. Als Modefotograf arbeitete er mit berühmten Schauspielern und Schauspielerinnen zusammen und wurde durch seine Arbeit für Dior bekannt. Sein berühmtestes Modefoto ist „Dovima mit Elefanten“ mit einem Dior-Kleid aus dem Jahr 1955.

9. Natalie Lennard A.K.A. Fräulein Aniela – Britische Fotografin 1986.

Sie hat High-Fashion-Fotografie wie keine andere Fotografin in die surreale Welt gebracht. Ihre Bilder und Kompositionen verwandeln die Realität in einen Traum, mit Kleidern, die sich in einen Vogelschwarm verwandeln, oder Wellen, die sich in ein Kleid verwandeln. Die preisgekrönte Serie von Miss Aniela bewegt sie zwischen bildender Kunst und zeitgenössischer Modefotografie.

10. Nick Knight – britischer Fotograf, 1958.

Bekannt für seine experimentelle Arbeit gründete er SHOWstudio mit der Idee, den „gesamten kreativen Prozess von der Konzeption bis zur Fertigstellung“ zu zeigen. Er ist im BoF 500 gelistet (ein Index für diejenigen, die die Modebranche prägen). Seine Mode-Shootings fordern definitiv die Ideen von Schönheit und Konvention heraus.

11. Zhang Jingna – chinesisch-singapurischer Fotograf, 1988.

Sie begann als Modedesignerin mit einem Fotografie-Hobby. Später entschloss sie sich, hauptberufliche Fotografin zu werden und machte sich schon früh einen Namen. Sie macht Mode-Editorial für Magazine wie Vogue, Elle und Harper’s Bazar. Sie wechselte auch in die Kunstwelt, indem sie viele Einzelausstellungen zeigte, darunter Singapurs erste Modefotografie-Straßenausstellung im Jahr 2010.

8 Tipps zur Modefotografie

Einige Tipps zur Fotografie beziehen sich auf ein bestimmtes Subgenre – ich habe einige davon in jeder Kategorie oben erwähnt. Jetzt möchte ich Ihnen einen Rat geben, der für alle Modefotografien gilt.

1. Respektiere das Modell

Es spielt keine Rolle, welche Art von Fotografie Sie machen, Sie müssen Ihr Modell immer mit Respekt behandeln.

Manchmal scheint es einfacher zu sein, deinem Model zu zeigen, was du meinst, indem du sie greifst, aber du solltest sie oder ihn niemals berühren, ohne vorher zu fragen.

Es muss keine grobe Interaktion sein, damit es unangenehm und unprofessionell wird. Selbst wenn Sie Ihre Hände auf ihre Schultern legen, um sie um einige Grad zu drehen, dringt dies in ihren persönlichen Raum ein.

Beginnen Sie damit, zu erklären und zu kommunizieren, was Sie vorhaben. Eine weitere visuelle Lösung besteht darin, sich in die Lage zu versetzen, genau zu demonstrieren, was Sie wollen.

Wenn keine dieser Techniken funktioniert, bitten Sie das Modell um Erlaubnis, sie zu berühren.

2. Kommunikation ist der Schlüssel

Modefotografie in fast allen Formen ist eine Teamleistung. Zu Beginn sollte das Modell immer klar sein, was erwartet wird.

Der Designer, der Friseur, der Maskenbildner und alle anderen Mitglieder des Teams müssen auf derselben Seite sein. Vor dem Shooting sollte jeder in der Lage sein, seine Arbeit zu erledigen und sicherzustellen, dass sein Teil fertig ist.

Als Fotograf sind Sie dafür verantwortlich, alle zu koordinieren, damit das endgültige Bild das ist, was Sie erstellen möchten.

3. Get releases

Lizenzen, Genehmigungen und Urheberrechtsvereinbarungen sind sehr komplizierte Dinge. Von Model-Releases bis hin zu Designer-Verträgen sollten Sie immer abgedeckt sein.

Die Modellfreigabe ist die häufigste Art der Genehmigung. Darin heißt es, dass sie zustimmen, fotografiert und dann veröffentlicht zu werden.

Dies kann sehr aufwendig sein – z. umreißt spezifische Verwendungen für die Fotos während eines begrenzten Zeitraums – oder sehr einfach und allgemein.

Es ist wichtig, Ihre Freigaben und Vereinbarungen von Anfang an zu sortieren.

Beachten Sie, dass nicht nur Models eine Freigabe unterzeichnen müssen – alles, was auf Ihrem Bild gezeigt wird und dem Urheberrecht unterliegt, sollte ausdrücklich durch das Recht des Eigentümers erlaubt sein.

Wenn Sie beispielsweise ein Fotoshooting mit einem berühmten Wolkenkratzer im Hintergrund machen, benötigen Sie möglicherweise auch die Erlaubnis des Architekten.

Wenn Sie die Fotos für ein Magazin oder das Model und nicht für die Modemarke selbst machen, müssen Sie möglicherweise deren Erlaubnis einholen, ihre Kleidung in Ihren Fotos zu verwenden.

Wenn Sie sich nicht sicher sind, ist es immer besser, auf Nummer sicher zu gehen und Rechtsberatung in Anspruch zu nehmen.

4. Bleiben Sie auf dem Laufenden

Das erste, was Sie tun müssen, ist, sich über Kameraeinstellungen, Lichter, Posieren usw. zu informieren. Aber sobald Sie die Grundlagen kennen, müssen Sie weiter lernen, was drin ist.

Sie sollten niemals davon ausgehen, dass die erfolgreichen Bilder, die Sie zuvor gemacht haben, auch morgen noch gut sein werden.

Mode ist eine schnelllebige Branche und Trends ändern sich ständig. Die fotografischen Prinzipien werden die gleichen sein, aber sie müssen auf neue und aufregende Weise angewendet werden.

Bleiben Sie auf dem Laufenden mit Lichttechniken, Nachbearbeitungsstilen und sogar den wechselnden Posen der Modelle.

Einige der ‚unnatürlichen‘ Posen, die heute in der Modefotografie auftauchen, waren in der Vergangenheit undenkbar. Es gibt sogar einen Instagram-Account, der diese Bilder mit Ironie und Humor namens „Modelos con ciática“ (wörtlich übersetzt Modelle mit Ischias) zeigt.

Apropos, Instagram und Pinterest sind ein Abgrund der Inspiration. Sie sind eine großartige Möglichkeit, auf dem Laufenden zu bleiben, was in ist.

Folgen Sie allen großen Marken und Magazinen, suchen Sie aber auch nach den Berichten der Models, die ihre neuesten Arbeiten und Portfolios präsentieren.

Suchen Sie nach einigen der vielen kuratierten Konten, die das Internet nach den besten Bildern durchsuchen und Ihnen viel Arbeit ersparen.

Und unterschätzen Sie nicht die Printmedien. Ja, wir leben in einem digitalen Zeitalter, aber ein Modemagazin kann immer noch eine großartige Möglichkeit sein, Inspiration zu finden, anstatt sich in einem Meer von Bildern zu verlieren.

5. Erneuern Sie Ihr Portfolio

Wenn Sie mit der Idee fortfahren, auf dem neuesten Stand zu bleiben, sollten Sie Ihr Portfolio auf jeden Fall häufig erneuern.

Es ist leicht zu denken, dass ein Portfolio Ihre Geschichte zeigen sollte. Sagen Sie dem Kunden, dass Sie schon lange im Geschäft sind, und dies sollte ihm Vertrauen geben.

Aber denken Sie darüber hinaus daran, dass sich Stile ändern – nicht nur in der Mode, sondern auch in der Fotografie.

Um Ihre Arbeit an potenzielle Kunden zu verkaufen, müssen diese sehen, was Sie tun können und wie ihre Marke in Ihren Bildern dargestellt wird.

Wenn sie Fotos sehen, die alt oder unmodern aussehen, geben sie Ihnen den Job nicht. Verwenden Sie Ihre Website, um Ihre Flugbahn als Fotograf zu zeigen oder detaillierter zu erfahren, was Sie getan haben.

Halten Sie es in Ihrem physischen Portfolio kurz und trendy.

6. Nicht besessen von der Ausrüstung

Die Grundausstattung ist großartig für Sie, um Ihren Weg ins Geschäft zu finden. Es gibt Ihnen die Unabhängigkeit, Fotosessions auf eigene Faust zu machen, um Ihren Stil zu finden und weiter zu üben.

Außerdem können Sie für eine Vielzahl von Aufgaben im Budget bleiben. Sie sollten sich jedoch nicht davon konditionieren lassen, wenn Sie experimentieren oder sogar versuchen möchten, einen neuen Client zu landen.

Es ist fast unmöglich, alles zu haben, was Sie für jeden möglichen Job benötigen (es sei denn, Sie sind extrem reich!). Die Wahrheit ist, Sie können Ausrüstung nach Ihren Bedürfnissen für ein bestimmtes Fotoshooting mieten.

Nach dem Briefing mit dem Kunden können Sie einen Aktionsplan erstellen und sehen, was Sie benötigen. Wenn Sie ein größeres Studio, eine Mittelformatkamera, eine zusätzliche Beleuchtung benötigen … erstellen Sie eine Liste und geben Sie die Mietpreise in das Budget ein.

Stellen Sie einfach sicher, dass Sie alles berücksichtigen, was Sie benötigen, bevor Sie Ihr Angebot senden. Andernfalls könnten Sie am Ende Geld verlieren, anstatt zu verdienen.

7. Sei ein guter Teamplayer

Modefotografie ist keine Ein-Mann-Show. Sie müssen starke Fähigkeiten haben, um die Arbeit zu erledigen.

Wenn Sie ein Anfänger sind oder aus einem anderen Fotohintergrund stammen, kann es aufgrund der Anzahl der am Fotoshooting beteiligten Personen schwierig sein, sich anzupassen.

Sie könnten bereit sein, mit Ihrer Beleuchtung, Komposition, Posieren usw. zu gehen, und kurz bevor Sie den Auslöser drücken, stoppt Sie jemand, weil die Haare des Modells angepasst werden müssen.

Dies kann manchmal frustrierend sein, aber es ist wichtig zu bedenken, dass die Arbeit aller ein Modefoto zum Erfolg macht.

Als Fotograf müssen Sie in der Lage sein, zu delegieren, zu koordinieren, ein gutes Arbeitsumfeld zu schaffen und ein qualitativ hochwertiges Bild zu liefern.

Es ist keine leichte Aufgabe und es wird nicht über Nacht erreicht. Wenn Sie die Möglichkeit haben, als Assistent zu arbeiten, achten Sie darauf, wie es gemacht wird.

Und am wichtigsten, lerne immer aus deinen Erfahrungen und sei offen für Feedback.

8. Praxis

Wie Sie sehen, gibt es viele Möglichkeiten, sich der Modefotografie zu nähern, sodass Sie nicht auf den nächsten großen Kunden warten müssen, um ein Modeshooting zu machen.

Zwischen den Jobs können Sie auch mit geringem Budget weiter üben und experimentieren. Sie können vielleicht nicht jeden Tag eine High-Fashion-Produktion machen, aber Sie können Lookbooks machen oder Modenschauen besuchen.

Abschließende Worte

Ich hoffe, Ihnen hat dieser Artikel gefallen und Sie haben Inspiration gefunden, Ihre Ideen geklärt und sich darauf gefreut, sich in der Modefotografie zu versuchen.

Ich weiß, dass es wegen all der Möglichkeiten überwältigend sein kann, aber das Gute daran ist, dass Sie viele Möglichkeiten haben, Ihren eigenen Weg zu finden.

Es ist wirklich wichtig, sich zu vernetzen, also beschränken Sie sich nicht darauf, Kunden zu erreichen. Kontaktieren Sie Stylisten, Models, Retuscheure, Künstler und im Grunde jeden, dessen Arbeit Sie bewundern – Model Mayhem ist ein guter Ausgangspunkt. Bauen Sie ein starkes Team auf und machen Sie sich auf den Weg zum Fotografieren.