En el mundo del fanático del cine, a menudo existe la sensación de que el corte de una película del director es la versión más deseable, ya que el término implica que está más estrechamente alineado con la visión del individuo al mando de la producción. Se espera que el cinéfilo al menos haya visto el corte de películas clásicas del director, o sus películas favoritas, si no tiene una opinión razonada y completa al respecto. Mientras que el corte del director es visto como la versión más pura artísticamente, el corte teatral a menudo es considerado como el corte comercial, la versión corporativa aprobada por el estudio lanzada para el consumo masivo.
La fascinación por los cortes de director se basa en el deseo de ver más de lo que te gusta o te interesa. Como fan de una película, que no quiere ver imágenes adicionales que puedan proporcionar más información sobre esta historia en particular, disfrutamos tanto. Esta es la razón por la que nos sentamos a recorrer características especiales en DVD y Blu-ray, después de todo. Pero, aquí está la pregunta – es más siempre mejor? ¿Los cortes de director siempre logran mejorar la experiencia de ver una película en particular? Al igual que con todo el arte, las películas son subjetivas, independientemente de la versión que esté viendo. Lo que funciona para un espectador es problemático para otro, pero el punto es que si la película funcionó lo suficientemente bien sin este material adicional, tal vez denigraría la calidad de la película si se volviera a agregar y volver a cortar.
No todos los directores son superiores a la versión teatral. El metraje adicional puede ser interesante para un fan, pero en términos de calidad de la película, a veces la versión teatral es realmente la mejor que se puede tener. Ver la visión de un director de lo que debería haber sido podría agregar información, pero no necesariamente agrega diversión. De hecho, a veces, solo agrega más confusión. Aquí, entonces, hay cinco películas donde el corte teatral fue posiblemente mejor que el corte del director.
Donnie Darko (2001)
El primer largometraje del director Richard Kelly, Donnie Darko se convirtió rápidamente en una película aclamada, a pesar de no poder encender la taquilla al estrenarse. Fue un escaparate para la brillantez temprana de Jake Gyllenhaal como el Donnie titular, pero también contó con giros fantásticos de Maggie Gyllenhaal, Mary McDonnell, Beth Grant, Patrick Swayze, Jena Malone, Noah Wyle, Drew Barrymore e incluso Seth Rogen.
La historia no lineal trata de los viajes en el tiempo y, en cierta medida, de realidades alternativas, además de abordar los temas de las enfermedades mentales, la violencia doméstica y el abuso infantil. Su corte teatral es una película profundamente absorbente y satisfactoria, que funciona casi a la perfección. Sin embargo, un corte del director apareció en 2004, que contenía unos veinte minutos de imágenes adicionales. El contenido extra se refiere principalmente al libro que Donnie encuentra y lee a lo largo de la película, The Philosophy Of Time Travel, de Robert Sparrow, que es esencialmente el marco para todos los eventos de la película. Discute los Universos Primarios, los Universos Tangentes, los Vivos Manipulados, los Muertos Manipulados, los Artefactos y los Receptores Vivos.
Aunque el libro es claramente parte integral de la estructura de la historia, la adición de los detalles disminuye el poder de la película. Es la incertidumbre lo que hace a Donnie Darko tan convincente, por lo que establecer las reglas que gobiernan los eventos es eliminar toda sensación de tensión dramática. Además, mientras que en la versión teatral, Donnie Darko es un joven intrigante, tratando de encontrar su camino a través de una situación confusa y establecerse en su destino, el corte del Director sugiere que la situación de bucle temporal le ha proporcionado al héroe una gama de superpoderes que, en este caso, es el elemento para hacer que la historia sea completamente inextricable.
Al seguir con una versión de la película que deja los detalles inexplicables, siempre está la pregunta de si lo que estamos viendo es realidad o fantasía. En este contexto, cuando el personaje de Jena Malone afirma que el nombre de Donnie Darko «suena como un superhéroe», Donnie responde: «¿Cómo sabes que no lo soy?»con el diálogo sonando natural para este personaje que está tratando con terapeutas y medicamentos y visiones difíciles. Convertirlo en un superhéroe le quita a la historia todo su misterio, y un mundo de posibilidades junto con él.
Terminador 2: Día del Juicio Final (1991)
La secuela de la icónica película de James Cameron de 1984 The Terminator es ampliamente considerada como una de las mejores películas de acción de todos los tiempos. Desarrollando la mitología de la primera película, en la que un cyborg llegó del futuro para matar a la modesta camarera Sarah Connor para evitar la concepción del niño que está destinado a liderar a la raza humana en una futura guerra contra la tecnología inteligente, Terminator 2: Judgement Day hizo que un cyborg similar llegara para proteger al niño en cuestión, contra una máquina más avanzada y mortal.
Como es, el corte teatral de esta secuela es impecable. Desde el ritmo hasta la caracterización y el nivel de exposición en una historia construida sobre una trama de bucle de tiempo complejo, el escritor/director James Cameron mantiene los procedimientos ajustados, enfocados y en movimiento perpetuo. No hay una pizca de exceso en el exoesqueleto de este proyecto, y cada momento de tiempo de pantalla se utiliza para lograr el máximo impacto. Sin embargo, siendo tan bien recibido y popular, un corte de director siguió inevitablemente en 1993. Esto incluyó 17 minutos de imágenes adicionales, con varios momentos en los que el adolescente John Connor intenta vincularse con el cyborg que lo protege (Arnold Schwarzenegger) y, lo más significativo, una secuencia de sueños centrada en Sarah Connor y el personaje de Kyle Reese de la primera película (interpretado por Michael Biehn).
Mientras que muchos fans de la franquicia se regocijaron con el lanzamiento de este material extra, su inclusión en una edición de Terminator 2: Judgement Day es simplemente en detrimento del trabajo en su conjunto. El ritmo de esta película de ciencia ficción de ritmo perfecto se pierde por completo con la inserción de 17 minutos adicionales de imágenes y, lo que es crucial, no agrega nada que mueva la historia.
Encuentros Cercanos De Tercer Tipo (1977)
Esta película clásica y dramática de ciencia ficción es uno de los primeros éxitos de Steven Spielberg, que viene directamente después de Jaws, y también tiene la distinción de haber sido reeditada por su director dos veces. El original llegó en 1977, y presentó al público la historia de un hombre y sus repetidos encuentros con ovnis. Protagonizada por Richard Dreyfuss, Francois Truffaut, Teri Garr, Melinda Dillon y Bob Balaban, la película capturó la imaginación de toda una generación, a medida que la representación de dramas interpersonales se construía para el ambicioso desarrollo de la interferencia alienígena y, en última instancia, el contacto espectacular.
En 1980, Spielberg entregó un corte de director a petición del estudio. Mientras que la mayoría de los re-cortes tienden a aumentar la longitud de una película, el segundo pase de Spielberg resultó en una reducción de tres minutos del tiempo de ejecución. Esto se logró añadiendo siete minutos de material nuevo, pero eliminando diez minutos de material sobrante del original. El nuevo metraje involucraba tomas interiores de la nave nodriza desde el final de la película, según lo requerido por el estudio, y Spielberg lamentó ese desarrollo casi de inmediato. En 1998, completó un segundo corte del director, que fue una nueva modificación de la versión original de 1977, agregando dos minutos adicionales al tiempo de ejecución de esa película original, a pesar de haber prescindido de las secuencias que involucraban el interior de la nave nodriza.
Aunque la película en sí es innegablemente un clásico del cine moderno, ninguna de las ediciones especiales abordó lo que algunos consideraron el aspecto problemático de la historia: la voluntad del personaje principal de abandonar a su joven familia y irse con los alienígenas. Además, la inclusión del interior de la nave nodriza sirve para eliminar el aire de misterio que rodea a la nave cuando llegue. En este sentido, el corte de Spielberg de 1998 de la película rectifica los números del corte de 1980, pero la versión original en cines sigue siendo superior en calidad.
Star Wars (1977)
Está el fandom, y luego está el fandom de Star Wars, que comenzó en 1977, con el lanzamiento del entonces llamado Star Wars. La película fue re-estrenada varias veces, ganando el nombre subtitulado de Star Wars IV: Una Nueva esperanza en 1981.
George Lucas nunca lo dejó solo, sin embargo, y en 1997, la película y sus secuelas fueron remasterizadas utilizando tecnología digital de última generación, con nuevas imágenes agregadas justo a tiempo para un relanzamiento del 20 aniversario. La adición de nuevas imágenes por Lucas esencialmente constituyó un corte de director, pero, a pesar de una adoración palpable por el cineasta y el universo que creó, los cambios en el original generalmente no fueron bien recibidos.
Muchos de los nuevos fragmentos más profundamente disgustados involucraban al personaje de Han Solo, con uno viendo más de él en conflicto con Greedo, y uno viendo más de él en conversación con Jabba La Cabaña. Estos pequeños cambios tuvieron tan poco impacto positivo en la estructura narrativa de la película que sirvieron simplemente como una distracción. Si bien la re-masterización del material original fue impresionante, las escenas adicionales se sintieron innecesarias y autoindulgentes, que es algo que va en contra de todo lo que los fanáticos aman de la trilogía original de Star Wars.
Extranjeros (1986)
En sí mismo, Aliens es un logro sobresaliente. Es una secuela de una película de género de gran éxito, y sin embargo se las arregla para ser su propia entidad. Contiene una actuación femenina principal que es tan fuerte que generó una de las únicas nominaciones a los Premios de la Academia a la Mejor Actriz de ciencia ficción y, al hacerlo, le dio a Sigourney Weaver su primera nominación al Oscar. La historia recogió la historia de Ellen Ripley, pero esta vez tuvo su despertar del hipersueño a la noticia de que el planeta donde se enfrentó al alienígena ha sido colonizado, y todo contacto con los colonos se ha perdido. Con James Cameron al timón, Aliens demostró ser otra película de acción impecable.
Pero, en 1992, se lanzó una edición especial en la que el director había restaurado diecisiete minutos de imágenes. El metraje incluía escenas de ‘Newt’, la joven en el planeta alienígena, y su familia descubriendo la nave espacial derribada que finalmente deletrearía su destino, Ripley recibiendo noticias de la muerte de su hija, la trágica pérdida que ocurrió mientras Ripley estaba hiper – dormido, y una serie de secuencias de diálogo extendidas. También hay una escena en la que los marines espaciales usan robots centinelas armados en su lucha contra los Xenomorfos.
Tomadas individualmente, estas escenas varían en calidad. Las escenas que involucran a Newt y su familia, aunque atmosféricas, no aportan nada al proceso de generar tensión dentro de la narrativa. La escena en la que Ripley se entera de la muerte de su hija es poderosa, gracias a la intimidante actuación de Sigourney Weaver, pero no agrega nada que sea necesario a un guion que de otra manera es apretado y libre de material sobrante. De hecho, se puede argumentar que su omisión sirve mejor a la historia al hacer menos obvia la razón detrás de la conexión de Ripley con Newt.
La única adición que aporta algo a la película es el uso de robots centinelas armados por parte de los marines espaciales. Esta es una escena efectiva que crea una gran cantidad de tensión, mientras sigue el ritmo del resto de la película. Colectivamente, sin embargo, los diecisiete minutos adicionales hacen que el corte de 1992 del director de los Aliens sea una película menor que la original.