La práctica artística de Faith Ringgold es extremadamente variada, desde pintura hasta edredones, desde esculturas y arte escénico hasta libros para niños. Como educadora, enseñó en el sistema de escuelas públicas de la ciudad de Nueva York y a nivel universitario. En 1973, dejó de enseñar en la escuela pública para dedicarse a crear arte a tiempo completo.
PaintingEdit
Ringgold comenzó su carrera de pintura en la década de 1950 después de recibir su título. Sus primeros trabajos se componen de figuras y formas planas. Se inspiró en los escritos de James Baldwin y Amiri Baraka, Arte africano, Impresionismo y Cubismo para crear las obras que realizó en la década de 1960. Aunque recibió una gran atención con estas imágenes, muchas de sus primeras pinturas se centraron en el racismo subyacente en las actividades cotidianas; lo que dificultó las ventas e inquietó a galerías y coleccionistas.: 41 Estas obras también tenían una base política y reflejaban sus experiencias de crecimiento durante el Renacimiento de Harlem, temas que maduraron durante el Movimiento por los Derechos Civiles y el movimiento de Mujeres.:8
Inspirándose en el artista Jacob Lawrence y el escritor James Baldwin, Ringgold pintó su primera colección política llamada The American People Series en 1963, que retrata el estilo de vida estadounidense en relación con el Movimiento de Derechos Civiles. American People Series ilustra estas interacciones raciales desde un punto de vista femenino, y pone en tela de juicio los problemas raciales básicos en Estados Unidos.:145 En un artículo de 2019 con la revista Hyperallergic, Ringgold explicó que su elección para una colección política proviene de la atmósfera turbulenta que la rodea:» (… era la década de 1960 y no podía actuar como si todo estuviera bien. No podía pintar paisajes en la década de 1960, estaba pasando demasiado. Esto es lo que inspiró la serie American People.»Esta revelación surgió de que su trabajo fue rechazado por Ruth White, una galerista en Nueva York. Las pinturas al óleo como For Members Only, Neighbors, Watching and Waiting, y El Triángulo de los Derechos Civiles también encarnan estos temas.
En 1972, como parte de una comisión patrocinada por el Programa de Servicio Público de Artistas Creativos, Ringgold instaló para la Casa de la Mujer en las Instalaciones para Mujeres de Rikers Island. El mural a gran escala es una obra anti-cárcel, compuesta por representaciones de mujeres en funciones profesionales y de funcionarios públicos, que representan alternativas positivas al encarcelamiento. Las mujeres retratadas están inspiradas en extensas entrevistas realizadas por Ringgold con reclusas, y el diseño divide los retratos en secciones triangulares, haciendo referencia a los textiles Kuba de la República Democrática del Congo. Fue su primer encargo público y ampliamente considerado como su primer trabajo feminista. Posteriormente, la obra inspiró la creación de Art Without Walls, una organización que lleva el arte a las cárceles.
Alrededor de la apertura de su show for American People, Ringgold también trabajó en su colección llamada America Black ( también llamada la serie Black Light ) en la que experimentó con colores más oscuros. Esto fue estimulado por su observación de que » el arte occidental blanco se centró en el color blanco y la luz / contraste / claroscuro, mientras que las culturas africanas, en general, usaban colores más oscuros y enfatizaban el color en lugar de la tonalidad para crear contraste. Esto la llevó a buscar «una estética negra más afirmativa».:162-164 Su serie American People concluyó con murales a gran escala, como The Flag Is Bleeding, U. S. Postage Stamp Conmemorando el Advenimiento de Black Power People y Die. Estos murales le brindaron una perspectiva más fresca y fuerte para su futura obra de arte.
Su pieza, Flag for the Moon, iba a ser comprada por el Chase Manhatten Bank hasta que los representantes que fueron enviados a comprar una pieza de oro se dieron cuenta de que la escritura en la pieza que componía los inicios y las rayas de la bandera estadounidense que representaba decía «DIE N****R». Los representantes regresaron y compraron Black Light # 9: American Spectrum.
En la Colección Francesa, una serie de paneles múltiples que toca las verdades y mitologías del modernismo, Ringgold exploró una solución diferente para superar el doloroso legado histórico de mujeres y hombres de ascendencia africana. Como Francia era el hogar del arte moderno en ese momento, también se convirtió en la fuente para que los artistas afroamericanos encontraran su propia identidad «moderna».:2
Durante la década de 1970, también hizo un diseño de póster «Angela gratis» para los Panteras Negras, aunque nunca se produjo ampliamente, Ringgold ha declarado que le ha dado una copia del diseño a Angela Davis.
Edredones
Ringgold declaró que cambió de la pintura a la tela para alejarse de la asociación de la pintura con las tradiciones occidentales/europeas. De manera similar, el uso de edredones le permitió abogar por el movimiento feminista, ya que podía enrollar sus edredones para llevarlos a la galería, negando así la necesidad de cualquier ayuda de su esposo.
En 1972 Ringgold viajó a Europa en el verano de 1972 con su hija Michele. Mientras Michele iba a visitar a sus amigos en España, Ringgold continuó en Alemania y los Países Bajos. En Ámsterdam, visitó el Rijksmuseum, que se convirtió en una de las experiencias más influyentes que afectaron a su trabajo maduro, y posteriormente, condujo al desarrollo de sus pinturas de edredones. En el museo, Ringgold encontró una colección de pinturas nepalíes de los siglos XIV y XV, que la inspiraron a producir bordes de tela alrededor de su propia obra.
Cuando regresó a los Estados Unidos, nació una nueva serie de pinturas: La Serie de la Violación de esclavos. En estas obras, Ringgold tomó la perspectiva de una mujer africana capturada y vendida como esclava. Su madre, Willi Posey, colaboró con ella en este proyecto, ya que Posey fue una popular diseñadora de ropa y costurera de Harlem durante la década de 1950 y enseñó a Ringgold a acolchar en la tradición afroamericana. Esta colaboración finalmente llevó a su primera colcha, Echoes of Harlem, en 1980.: 44-45 A Ringgold también se le enseñó el arte de acolchar en un estilo afroamericano por su abuela, que a su vez lo había aprendido de su madre, Susie Shannon, que era una esclava.
Ringgold acolchó sus historias para ser escuchadas, ya que en ese momento nadie publicaría la autobiografía en la que había estado trabajando; haciendo su trabajo tanto autobiográfico como artístico. En una entrevista con el Museo de Arte Crocker, declaró: «En 1983, comencé a escribir historias en mis edredones como una alternativa. De esa manera, cuando colgaban mis edredones para mirarlos o fotografiarlos para un libro, la gente todavía podía leer mis historias.»Su primera historia de colchas ¿Quién le teme a la tía Jemima? (1983) retrata la historia de la tía Jemima como matriarca restauradora y revisa ficcionalmente «el estereotipo femenino negro más difamado».»Otra pieza, titulada Cambio: Edredón de Historia de Pérdida de peso de más de 100 libras de Faith Ringgold (1986), aborda el tema de «una mujer que quiere sentirse bien consigo misma, luchando contra las normas culturales de belleza, una persona cuya inteligencia y sensibilidad política le permiten ver las contradicciones inherentes en su posición, y alguien que se inspira para llevar todo el dilema a una obra de arte».: 9
La serie de edredones de historia de la Colección Francesa de Ringgold se centra en mujeres afroamericanas históricas que se dedicaron a cambiar el mundo (La Abeja Acolchadora de Girasoles en Arles). También llama y redirige la mirada masculina, e ilustra el poder inmersivo de la fantasía histórica y la narración imaginativa infantil. Muchos de sus edredones inspiraron los libros para niños que más tarde hizo, como Dinner at Aunt Connie’s House (1993), publicado por Hyperion Books, basado en The Dinner Quilt (1988).
SculptureEdit
En 1973, Ringgold comenzó a experimentar con la escultura como un nuevo medio para documentar sus eventos comunitarios y nacionales locales. Sus esculturas van desde máscaras disfrazadas hasta esculturas suaves colgantes e independientes, que representan personajes reales y ficticios de su pasado y presente. Comenzó a hacer máscaras disfrazadas de medios mixtos después de escuchar a sus estudiantes expresar su sorpresa de que aún no incluyera máscaras en su práctica artística.: 198 Las máscaras eran piezas de tela de lino pintadas, con cuentas y tejidas con rafia para el cabello, y piezas rectangulares de tela para vestidos con calabazas pintadas para representar los pechos. Finalmente, hizo una serie de once disfraces de máscaras, llamada la Serie de Máscaras de Bruja, en una segunda colaboración con su madre. Estos trajes también se podrían usar, pero prestarían al usuario características femeninas, como senos, barrigas y caderas. En sus memorias We Flew Over the Bridge, Ringgold también señala que en los rituales africanos tradicionales, los portadores de máscaras serían hombres, a pesar de los rasgos femeninos de la máscara.: 200 En esta serie, sin embargo, quería que las máscaras tuvieran una «identidad espiritual y escultórica»,: 199el doble propósito era importante para ella: las máscaras se podían usar, y no eran solo decorativas.
Después de la Serie de Máscaras de Bruja, pasó a otra serie de 31 máscaras, la Serie de Máscaras de la Familia de la Mujer en 1973, que conmemoraba a mujeres y niños a quienes había conocido como niños. Más tarde comenzó a hacer muñecas con cabezas de calabaza pintadas y trajes (también hechos por su madre, que posteriormente la llevaron a esculturas blandas de tamaño real). La primera de esta serie fue su pieza, Wilt, una escultura de retrato de 7’3″ del jugador de baloncesto Wilt Chamberlain. Comenzó con Wilt como respuesta a algunos comentarios negativos que Chamberlain hizo sobre las mujeres afroamericanas en su autobiografía. Wilt cuenta con tres figuras, el jugador de baloncesto con una esposa blanca y una hija mixta, ambos personajes ficticios. Las esculturas tenían cabezas de concha de cocos horneadas y pintadas, cuerpos de goma y espuma anatómicamente correctos cubiertos de ropa, y colgados del techo en líneas de pesca invisibles. Sus esculturas suaves evolucionaron aún más en «máscaras de retrato» de tamaño real, representando personajes de su vida y sociedad, desde habitantes desconocidos de Harlem hasta Martin Luther King Jr.Talló caras de espuma en semejanzas que luego fueron pintadas con aerosol, sin embargo, en sus memorias describe cómo las caras más tarde comenzaron a deteriorarse y tuvieron que ser restauradas. Lo hizo cubriendo los rostros con tela, moldeándolos cuidadosamente para preservar la semejanza.
Performance artEdit
Como muchas de las esculturas de máscaras de Ringgold también se podían usar como trajes, su transición de la fabricación de máscaras al arte de performance fue una «progresión natural»autodescrita.: 206 Aunque las obras de arte eran abundantes en las décadas de 1960 y 70, Ringgold se inspiró en la tradición africana de combinar cuentos, danza, música, disfraces y máscaras en una sola producción.: 238 Su primera pieza con estas máscaras fue The Wake and Resurrection of the Bicentennial Negro. El trabajo fue una respuesta a las celebraciones del Bicentenario estadounidense de 1976; a narrative of the dynamics of racism and the oppression of drug addiction (en inglés). Ella expresa la opinión de muchos otros afroamericanos: «no había razón para celebrar doscientos años de Independencia estadounidense for durante casi la mitad de ese tiempo habíamos estado en esclavitud».: 205 La pieza fue interpretada en mimo con música y duró treinta minutos, e incorporó muchas de sus pinturas, esculturas e instalaciones anteriores. Más tarde pasó a producir muchas otras piezas de interpretación, incluida una pieza de interpretación autobiográfica en solitario llamada Being My Own Woman: Una Pieza Autobiográfica de Performance Enmascarada, una performance de historia enmascarada ambientada durante el Renacimiento de Harlem llamada The Bitter Nest (1985), y una pieza para celebrar su pérdida de peso llamada Change: La historia de la Historia de la Pérdida de peso de más de 100 libras de Faith Ringgold (1986). Cada una de estas piezas era multidisciplinaria, con máscaras, trajes, edredones, pinturas, cuentos, canciones y bailes. Muchas de estas actuaciones también fueron interactivas, ya que Ringgold animó a su público a cantar y bailar con ella. Ella describe en su autobiografía, We Flew Over the Bridge, que sus piezas de performance no estaban destinadas a conmocionar, confundir o enfurecer, sino «simplemente otra forma de contar mi historia».: 238
publicacionesEditar
Ringgold ha escrito e ilustrado 17 libros para niños. Su primera fue Tar Beach, publicada por Crown en 1991, basada en la historia de su colcha del mismo nombre. Por ese trabajo ganó el Premio al Nuevo Escritor Ezra Jack Keats y el Premio Coretta Scott King a la Ilustración. También fue finalista de la Medalla Caldecott, el primer premio de la American Library Association por la ilustración de libros ilustrados. En sus libros ilustrados, Ringgold aborda temas complejos de racismo de manera directa y esperanzadora, combinando fantasía y realismo para crear un mensaje edificante para los niños.