Philip Glass es uno de los grandes originales creativos de la era moderna. Surgió en la década de 1960 en un momento en que la música clásica contemporánea, encabezada por esos infames «chicos malos» Karlheinz Stockhausen y Pierre Boulez, había alcanzado niveles sin precedentes de inescrutabilidad intelectual.
El público de la época era golpeado regularmente hasta la sumisión por partituras que se regocijaban en una compleja red de» acontecimientos fortuitos», o se quedaban desconcertadas por payasadas en el escenario, como decidir si un piano de cola estaba» hambriento «o» sediento » y lidiar con él en consecuencia.
Justo cuando la corriente principal europea se había convertido temporalmente secuestrada por la vanguardia, surgió un grupo de compositores norteamericanos cuya intención declarada era volver a lo básico.
Se crearon mundos sonoros completamente nuevos en los que el cambio más pequeño era de mayor importancia, de ahí el término «minimalismo». Mientras que la repetición se había convertido en una mala palabra en los círculos musicales radicales, pensadores libres tan relajados como Terry Riley, Steve Reich, John Adams y, sobre todo, Philip Glass prosperaron positivamente, creando fascinantes secuencias de notas tipo mantra que sutilmente se «desfasaban» entre sí.
El enfoque poco convencional de Glass para hacer música se nutrió en la infancia. Mientras que la mayoría de los niños pequeños que crecieron en Baltimore en la década de 1940 jugaban béisbol, Glass pasó horas siendo bombardeado con música de todos los géneros en el taller de reparación de radios de su padre.
A veces, una serie de sets pueden encenderse simultáneamente creando una mezcla estimulante de estilos musicales – ¡imagina el efecto liberador de eso en una mente creativa joven!
La temprana exposición de Glass a la música clásica no fue menos inusual. Su padre tenía un negocio de LP y a menudo traía a casa grabaciones de música moderna con el fin de que sus tres hijos explicaran por qué no vendían.
Como resultado, Glass llegó a conocer las principales obras de Shostakovich, Bartók e Hindemith antes de recibir una base completa en los clásicos centrales.
Esto finalmente causó estragos en sus crecientes sensibilidades. Después de haber sido estimulado por el eclecticismo de su educación musical, la relativa mundanidad de aprender a tocar piezas simples en el violín, que comenzó a aprender a los seis años, resultó demasiado para el joven Philip.
Incluso su instrumento principal, la flauta, perdió rápidamente su atractivo. Desilusionado, Glass renunció a cualquier idea de hacer música en su carrera y se matriculó en la Universidad de Chicago, con solo 15 años, especializándose en matemáticas y filosofía.
Justo cuando su interés por la música llegó a su punto más bajo, Glass descubrió las partituras iconoclastas de su compatriota Charles Ives y los paisajes musicales atonales de la Segunda Escuela vienesa: Schoenberg, Berg y Webern.
Incursionó brevemente en técnicas de 12 tonos (o «serialismo») durante un tiempo, pero fue la música claramente estadounidense de Aaron Copland, William Schuman, Henry Cowell y Virgil Thomson la que realmente alimentó su entusiasmo. Graduado de la Universidad de Chicago en 1956, Glass hizo las maletas y se dirigió a la Juilliard School de Nueva York con el objetivo expreso de convertirse en compositor.
Aunque Glass estaba lleno de ideas de primer nivel, su falta de entrenamiento formal demostró ser un obstáculo. Las lecciones con figuras tan veneradas como Darius Milhaud y Nadia Boulanger solo parecían empeorar las cosas mientras Glass luchaba por encontrar una voz coherente en el desierto árido de la tradición académica.
Entonces, por casualidad, entró en contacto con el compositor Indio Ravi Shankar. Este fue un punto de inflexión. Lleno de energía y pasión renovadas, Glass comenzó a investigar la música del norte de África, la India y el Himalaya, y regresó a Nueva York revitalizado de forma creativa y con ganas de ir.
Sorprendentemente, el compositor alcanzó el premio mayor musical casi de inmediato con la formación del Philip Glass Ensemble. Esto abrió las compuertas de su creatividad, dándole la oportunidad de perfeccionar y refinar sus ideas con absoluta libertad.
Siguiendo Music In Twelve Parts (1974), una épica de cuatro horas que resume su genio floreciente para las sonoridades mágicas, el Vidrio de 39 años creó una sensación internacional con su primera ópera, Einstein On The Beach (1976). Por fin, el público moderno, hambriento de algo más emocionante que la corriente tradicional, pero desilusionado por la música que reaccionaba conscientemente en su contra, encontró un mundo completamente nuevo de inocencia seductora, uno que tendía un puente tentador entre la aceptación y la anarquía.
Inspirado por la reacción sin precedentes a Einstein, Glass pasó la siguiente década centrándose en la música escénica. Hubo dos óperas de seguimiento, Satyagraha (1980) y Akhnaten (1983), así como una serie de adaptaciones brillantes y originales de las obras del escritor y poeta irlandés Samuel Beckett, que mostraban los talentos de Mabou Mines, un grupo virtuoso que Glass había ayudado a establecer a principios de la década de 1970.
Ya había logrado el tipo de seguidores de culto normalmente asociados con las estrellas del pop. Su nuevo estatus de celebridad se confirmó cuando firmó exclusivamente con el sello discográfico CBS Masterworks (más tarde Sony Classical), un galardón que solo se otorgó anteriormente a otros dos gigantes de la música del siglo XX: Igor Stravinsky y Aaron Copland.
El primer álbum de Glass para CBS, Glassworks, desplazó 250.000 copias en su primer año, algo casi inaudito para un compositor «clásico» contemporáneo. Sin embargo, a pesar de todos los elogios y recompensas materiales, Glass mantuvo sus pies firmemente en el suelo, decidido a permanecer fiel a su visión creativa en lugar de componer música para las masas.
«Estoy muy contento con ello», se entusiasmó en voz baja. «Las piezas parecen tener una calidad emocional a la que todo el mundo responde, y también funcionan muy bien como piezas de rendimiento.»
Nunca se durmió en los laureles, Glass se sintió listo, a finales de la década de 1980, para abordar el tipo de géneros instrumentales convencionales que se habían sentido tan antinaturales durante sus años de estudiante.
Ampliamente celebrado por la concentración suprema de su pensamiento musical, comenzó a expandirse hacia la opulencia expresiva del concierto y la sinfonía. En 1987, produjo un Concierto para violín que a veces parece remontarse a las tradiciones de los siglos XVIII y XIX que el Vidrio había evitado tan estudiosamente en su vida.
» La búsqueda de lo único puede llevar a lugares extraños», razonó Glass en ese momento. «Los tabúes, las cosas que se supone que no debemos hacer, a menudo son más interesantes.
Los términos de referencia estilística de Glass se ampliaron aún más cuando se convirtió en» crossover » con un par de sinfonías que sintetizaban música clásica y rock como si fuera la cosa más natural del mundo. Inspirado en la música de David Bowie y Brian Eno, Glass llegó a los titulares con su Sinfonía Baja No. 1 (1992) y Sinfonía de Héroes No.4 (1996).
Más tarde explicó: «Mi enfoque era tratar los temas como si fueran míos y permitir que sus transformaciones siguieran mi propia inclinación compositiva cuando fuera posible.»
Bowie dio a los resultados su sello de aprobación con la expresión inmortal, estampada en innumerables camisetas desde entonces: «Philip Glass rocks my ass».
Glass continuó su revitalización de los géneros clásicos tradicionales con una serie de cinco cuartetos de cuerda compuestos para el Cuarteto Kronos y una Tercera Sinfonía (1995) en la que los términos de referencia estilística van desde Haydn hasta Ravel.
Otra característica de este período fue un nuevo interés en la música para piano solista, que se expresó más notablemente, quizás, en Metamorphosis (1988), una obra inusualmente melodiosa que toma su nombre de una obra basada en un cuento de Kafka.
Entre 1993 y 1996, Glass produjo un tríptico operístico basado en la obra del escritor y cineasta francés Jean Cocteau-Orphée, La belle Et La Bête y Les Enfants Terribles.
Hasta este momento, Glass había tendido a componer música que dejaba a sus oyentes suavemente sacudidos en lugar de agitados emocionalmente. Sin embargo, tras la muerte de su esposa, Candy Jernigan, de solo 39 años de edad, Glass invirtió a Orphée con niveles de intensidad expresiva sin precedentes.
Esta extraordinaria profundidad de sentimiento también se extiende a una de las obras más memorables de Glass de principios de milenio: su partitura para la fascinante película de Stephen Daldry The Hours (2002), que presenta las inolvidables cosas muertas en miniatura.
Hasta el día de hoy, Glass continúa produciendo música de extraordinaria invención y vitalidad. En septiembre de 2005 se estrenaron dos nuevas piezas: Esperando a los Bárbaros, una pieza de teatro basada en la novela de JM Coetzee, y una Octava Sinfonía, cuyos detalles instrumentales y novedades un comentarista comparó con el Concierto para Orquesta de Bartók.
Y el año pasado, se estrenó la obra coral The Passion Of Ramakrishna, una banda sonora para la película de Paul Auster The Inner Life Of Martin Frost y un segundo volumen de estudios para piano solo.
La Colección Esencial:
Para la imagen completa:
Einstein En La Playa (1976)
Glass Ensemble/Michael Riesman
La obra que por primera vez recibió el reconocimiento internacional de Glass, Einstein En la playa, es la primera de sus tres óperas de «retrato», que continuó con Satyagraha en 1980 y, tres años más tarde, Akhenaton. Esta ópera, de gran inventiva, está orquestada para ensamble amplificado y coro pequeño que canta un texto compuesto por números y sílabas de solfeo (carreras, escalas, etc.)., que se cantan con la misma sílaba o sílabas).
Nonesuch 7559 79323-2
Para opulencia expresiva:
Concierto para violín (1987)
Robert McDuffie (violín), Orquesta Sinfónica de Houston/Christoph Eschenbach
«Esta pieza explora lo que una orquesta puede hacer por mí», explicó Glass. «En ella, estoy más interesado en mi propio sonido que en la capacidad de determinados instrumentos orquestales. Se adapta a mis necesidades musicales.»
Telarc CD-80494
Para crossover heaven:
Symphony No.1, Low (1992)
Orquesta Filarmónica de Brooklyn / Dennis Russell Davies
Basada en Low de David Bowie y Brian Eno, la Primera Sinfonía toma prestados temas de tres de las pistas del álbum, combinados con música propia de Glass, y los desarrolla en cautivadores movimientos «sinfónicos».
Philips 438 1502
Para intensidad bruta:
Mad Rush (1979)
Bruce Brubaker (piano)
Estrenada por Glass on the organ para el primer discurso público del Dalai Lama en la ciudad de Nueva York, esta de sus obras para piano más célebres se construye imponentemente hacia un clímax central antes de desvanecerse gradualmente.
Arabesque Z6744