Por dónde empezar con Ingmar Bergman

Por qué esto no parece tan fácil

En sus 59 años como cineasta (1944-2003), Ingmar Bergman escribió y/o dirigió más de 60 películas. Es una figura desalentadora para los recién llegados, pero no está mal para un cineasta que consideraba que el cine era simplemente su «amante». Sin embargo, la sufrida «esposa» de Bergman, el teatro, apenas fue descuidada: de alguna manera, Bergman también encontró tiempo para dirigir más de 170 obras, tanto en su Suecia natal como en el extranjero. Agregue el hecho de que muchas de sus películas cuentan con pequeños actores que hablan largamente en lugares confinados, y no es de extrañar que su trabajo cinematográfico sea a menudo criticado por ser «teatral».

Por supuesto, Bergman a menudo contrarrestaba esta «teatralidad» con un modernismo lúdico que se deleitaba en el medio mismo del cine, pero incluso estas innovaciones experimentales podrían verse ahora como pasadas de moda. La visión de Bergman como «anticuada» solo se ve agravada por su exploración de un cierto tipo de existencialismo que la filosofía (y el cine) han dejado atrás en su mayoría. Además, a medida que avanzaban los años 60, su trabajo se volvió cada vez más pesimista y oblicuo, reflejando tanto un mundo que permitía horrores como la guerra de Vietnam, como la moda de los ‘textos abiertos’sin autor.

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Pero el trabajo de Bergman no estaba, y nunca podría estar, sin autor: quizás más que cualquier otro cineasta, Bergman utilizó el cine como exploración (o exorcismo) de demonios personales. Sus temas recurrentes de crianza dura, infidelidad, muerte, humillación y fe fueron preocupaciones aparentemente siempre presentes en su vida. Es tal vez esta conexión profundamente personal lo que hizo de Bergman un experto en explorar la psique en la pantalla, esto y una negativa a alejarse de las verdades incómodas sobre la naturaleza humana. Si el trabajo de Bergman es difícil de ver, es porque nos obliga a confrontar aspectos de nosotros mismos de los que preferiríamos alejarnos.

El mejor lugar para comenzar: Fresas silvestres

Dado el tamaño, la escala y la calidad de la producción de Bergman, es imposible etiquetar una sola obra como el punto de entrada definitivo, pero Fresas Silvestres (1957) sin duda ofrece una introducción accesible a muchos de sus motivos clave y dispositivos narrativos. Aquí, como en cualquier otro lugar, Bergman utiliza un viaje físico, el de Isak Borg, un profesor emérito de edad avanzada que conduce a través de Suecia para recibir un título honorífico, para representar un viaje interior del alma, en el que la auto confrontación conduce al autodescubrimiento. Bergman narra la historia con voz en off, flashbacks y sueños, para atraernos aún más a la mente de Borg.

El primer sueño nos llega como una pesadilla expresionista, un recuerdo mori en el que Borg es testigo de un coche fúnebre que se estrella y un ataúd que contiene su propio cadáver aún vivo: una y otra vez, los personajes de Bergman son acosados por el espectro de la muerte y la vejez. El sueño no tiene palabras, lo que refleja el amor de Bergman por el cine mudo (y Borg, por supuesto, es interpretado por Victor Sjöström, uno de los grandes directores de la era del cine mudo y antiguo mentor de Bergman).

Borg está acompañado en su viaje por Marianne (Ingrid Thulin), esposa de su hijo Evald (Gunner Björnstrand). En el camino, recogen a un trío de jóvenes autoestopistas y una pareja casada de mediana edad. Al igual que muchos de los amantes de Bergman, estos últimos se humillan mutuamente en intercambios acalorados y vitriólicos, mientras que Marianne relata el descenso de Evald a la misantropía cínica, presentada aquí como el resultado final de la frialdad de los padres. Afortunadamente, los jóvenes autoestopistas ofrecen a Borg una nota de gracia, incitando recuerdos que le permiten confrontar su pasado y trabajar hacia un sentido de reconciliación, tanto consigo mismo como con su hijo. En total, la película sigue siendo una de las obras más cálidas y conmovedoras de Bergman.

Qué ver a continuación

Aunque el trío de jóvenes autoestopistas discuten brevemente, casi cómicamente, sobre Dios, las cuestiones más grandes de la fe permanecen bajo la superficie de las Fresas Silvestres. Aquellos que buscan una exploración más explícita de este famoso tema de Bergman pueden probar el esplendor medieval del Séptimo Sello (1957) y La Primavera Virgen (1960): en el primero, un caballero intenta realizar al menos un acto significativo antes de morir, mientras que en el segundo, un padre promulga una venganza sangrienta contra tres cabreros que han violado y asesinado a su hija.

A partir de ahí, un siguiente paso lógico sería la llamada «Trilogía de la Fe», que comprende A Través de un Vidrio Oscuro (1961), Luz de Invierno (1963) y El Silencio (1963), en la que Bergman continuó lidiando con el silencio perdurable de Dios.

Mientras tanto, aquellos que buscan una mayor exploración de la dinámica familiar torturada podrían continuar con Gritos y Susurros (1972), sobre una mujer moribunda y sus dos hermanas; Sonata de otoño (1978), sobre la visita de una madre a su hija distanciada; o Fanny y Alexander (1982), sobre dos hijos y los esfuerzos de su madre, tíos y abuela para protegerlos de su nuevo y malvado padrastro.

Para aquellos más interesados en cuentos de amantes humillados e infidelidades, Aserrín y Oropel (1953) o Escenas de un matrimonio (1973) ofrecen un buen camino a seguir. Alternativamente, Sonrisas de una noche de verano (1955) y Una lección de amor (1954) ofrecen una versión más ligera de los mismos temas, y sirven como un buen recordatorio de que, a pesar de su seria reputación, Bergman hizo una serie de comedias exitosas.

Finalmente, de la obra seria posterior, uno también debe asegurarse de no perderse the masterful Persona (1966), sobre una enfermera que cuida a una actriz que se retira a un estado de silencio total, y Shame (1968), sobre una pareja casada que lucha por sobrevivir mientras una guerra salvaje y sin nombre ruge a su alrededor.