Il termine “estetismo” è generalmente associato alle correnti artistiche prima e intorno alla fine del diciannovesimo secolo. È particolarmente importante nella discussione artistica, letteraria e culturale del tardo Vittoriano e in particolare degli anni 1890, noto anche come “decennio malva” (riferendosi alle tendenze evasive, sovversive ed estetiche dell’epoca), e in gran parte congruente con le idee che circolano nella corrente della decadenza, l’art pour l’art (arte per l’arte) e la fin de siècle (fine del secolo). L’idea di un vero e proprio “decennio” malva può essere fuorviante, poiché le origini degli approcci estetisti all’arte risalgono molto al secolo, e le sue conseguenze sono visibili negli 1920 e oltre nell’arte europea e americana. Una delle figure più importanti e controverse dell’epoca è certamente Oscar Wilde, ma il gruppo di scrittori estetisti comprende anche Walter Pater, Aubrey Beardsley e molti altri, oltre a Donald Evans e Richard Le Gallienne, due estetisti che in seguito divennero noti sulla scena americana. Il movimento ha influenzato tutti i generi letterari e le forme d’arte dall’opera alle arti visive e al design, dove si è riflesso nel movimento arts and crafts. Le discussioni e le controversie relative al movimento hanno avuto ampi riverberi ben oltre la fine del secolo e si sono estese dal regno dell’arte alla sfera sociale, politica e filosofica.
DEFINIZIONI
L’estetismo può essere definito come l’ideale di creare opere d’arte che rinunciano a qualsiasi scopo o significato diverso dalla propria raffinata bellezza. Questa bellezza è completamente autonoma: è libero di abbandonare le idee convenzionali di accettazione sociale, valore economico o maggiore obiettivo morale. Di conseguenza queste opere abbandonano anche l’ideale di rappresentare la natura e si concentrano invece sulla creazione di una creazione artistica autonoma. I valori del reale sono sostituiti da quelli che fanno appello a chi guarda belle creazioni. L’ideale per creazioni fittizie di questo tipo è essere eleganti ed eloquenti, divertenti e giocosi, sbalorditivi e taglienti. L’uso del termine “fin de siècle” è esteso a qualsiasi cosa vista come avanzata, moderna o decadente alla fine del XIX secolo. “Decadenza” è un termine usato fin dall’antichità romana per riferirsi a fenomeni di decadimento morale o culturale, devianza dalla norma sociale, lassismo fisico o morale, perversione o comportamento effeminato. I poeti e gli artisti ridicolizzati ed esposti come decadenti nel 1890 abbracciarono il termine e lo usarono per prendere le distanze dalle rigide norme culturali della Gran Bretagna vittoriana.
ORIGINI
L’ascesa dell’estetismo alla fine dell’Ottocento ebbe origine nell’arte dei preraffaelliti e dei simbolisti francesi. Poeti, scrittori e artisti come Charles Baudelaire, Joris-Karl Huysmans e Pierre Loti hanno creato scenari di indulgenza e narcisismo; i loro protagonisti sono per lo più interessati alla bellezza e alle questioni sensuali. I manufatti non mostrano alcuna o poca preoccupazione per il tempo e il luogo e mostrano invece un’interiorità e un’autocoscienza che possono essere meglio viste nella loro predilezione per una raffinata eleganza del linguaggio e dello stile, per la descrizione decorativa e per i temi della riflessione, del sogno o dell’oblio. Prendendo gradualmente forma di movimento, il pensiero estetista si diffuse da Parigi in tutto il continente (in particolare a Barcellona, Vienna, Praga, Budapest) e a Londra. L’estetismo era un movimento urbano, intellettuale e cosmopolita: poiché il suo soggetto era l’arte stessa, si basava sull’educazione, sul gusto e sull’ampia lettura di coloro che ne erano interessati. Anche se non ha completamente trascurato il conflitto politico e la lotta di classe, il movimento per lo più utilizzato questi temi come obiettivi per il sarcasmo amaro e satira stanco del mondo al meglio: l “impegno sociale non era il métier dei” decadenti.”Tuttavia, la loro auto-moda come artisti si è prestata al confronto con le norme morali, sociali e politiche che governano.
REAZIONE AL PROGRESSO, ALL’IMPERIALISMO E AL CAPITALISMO
L’estetismo può infatti essere inteso come un tentativo di contrastare gli sviluppi sociali e politici dell’epoca. In tempi caratterizzati da innovazioni radicali e da una rapida crescita urbana e industriale—e, nell’Inghilterra vittoriana, un impero ancora in evoluzione sotto il regno di un monarca al potere da oltre sessant’anni—c’era una diffusa consapevolezza, almeno tra alcuni intellettuali, di un bisogno di riflessione e di cambiamento. Più persone che mai erano alfabetizzate e consapevoli della prossima fine del secolo, del vasto progresso tecnologico e delle conquiste imperiali del 1800 e della velocità industriale con cui le cose stavano ora avanzando. Le comunicazioni, gli affari e le banche avevano sempre più spinto i limiti del capitalismo e dell’imperialismo, lasciando poco spazio al ragionamento sul ruolo, il merito e il valore degli esseri umani e la loro uguaglianza in queste condizioni. Darwinismo sembrava fornire l’unica spiegazione valida per questo ed è stato fin troppo facilmente tradotto per la sfera dell’esistenza umana. I movimenti di estetismo, tuttavia, sono stati più interessati con le figure marginali che non avevano posto nella dottrina del darwinismo sociale: vagabondi, artisti, e tutti coloro che hanno rifiutato di adattarsi al sistema di imperialismo industrializzato.
CARATTERISTICHE
Gli esseri umani nell’arte e nella scrittura decadenti sono irrimediabilmente imperfetti e vivono in uno stato di rottura sia con se stessi che con una Natura altrettanto imperfetta. Poiché questo è il caso, gli esseri umani possono superare questo stato imperfetto malinconico solo momentaneamente in atti di peccato, travestimento o finzione. Il “pervertito” e innaturale è valutato più in alto di qualsiasi stato naturale, e tutto ciò che può provocare o prolungare uno stato innaturale delle cose è benvenuto. La vita è vista come gioco e performance senza contenuto o significato, ed è inferiore a qualsiasi stato di esistenza sognante. L’esperienza è artificialmente potenziata da droghe e assenzio, un alcol verde forte e leggermente tossico. I viaggi all’estero esotici sono un altro mezzo per indulgere in sfere estetiche e sensuali, rendendo l’Oriente e i mari del Sud destinazioni comuni per i viaggiatori decadenti. Nella maggior parte dei casi queste destinazioni sono luoghi che si distinguono per la grandezza futile degli imperi passati (rovine greche, egiziane o bizantine), primitivismo, abbandono completo o rituali religiosi. Le immagini del sacro nelle opere d’arte decadenti sono abbondanti. Il tipico creatore, protagonista o agente nelle opere d’arte estetiste è il dandy o flaneur (passante casuale). Il dandy mostra un chiaro disprezzo per tutto ciò che è ordinario e quotidiano, valorizza l’eleganza e il gusto, e non ha alcun riguardo per i ruoli di genere tradizionali e le norme sessuali. L’impulso del movimento decadente mira più all’evasione e all’evasione che al confronto vero e proprio con il mondo reale, a cui interessa poco.
ALCUNI RAPPRESENTANTI LETTERARI
Oltre al (in)famoso Oscar Wilde (1854-1900), con le sue opere teatrali e L’immagine di Dorian Gray (1891), un gruppo di poeti e scrittori a Londra si riunì attorno al Libro Giallo, un trimestrale fondato nel 1894 da Aubrey Beardsley (1872-1898) e dallo scrittore americano Henry Harland (1861-1905), che fu l’editore letterario. La rivista divenne presto l’organo centrale del nuovo movimento estetico sia nella letteratura che nelle arti. Tra gli altri americani coinvolti nello sviluppo del Libro Giallo (che prende il nome dal solito colore di copertina degli scandalosi romanzi francesi dell’epoca) c’era il collaboratore Henry James, che fu profondamente influenzato dalla scena londinese nelle sue successive descrizioni della sofisticazione europea (e della corruzione) e dell’ingenuità americana (e dell’innocenza). Richard Le Gallienne (1866-1947), uno scrittore e critico inglese, fu anche un collaboratore e una stretta conoscenza del critico inglese Max Beerbohm prima di trasferirsi a New York. Le Gallienne scrisse poesie, narrativa (Quest of the Golden Girl, 1896) e diversi volumi di saggi, documenti e reminiscenze degli anni 1890. La visione di Le Gallienne degli esseri umani attraverso gli occhi del poeta decadente è tra le più toccanti dei suoi tempi. Vede gli umani come esseri misteriosi dietro le maschere, come esseri che rimangono inspiegabili, siano essi nostalgici o pieni di beatitudine. Il poeta americano Donald Evans (1884-1921) espresse opinioni simili. Evans pubblicò diversi volumi di poesie, tra cui Discords (1912) e Sonets from the Patagonian (1918). Le sue poesie d’amore, come “Somiglianza” e “Gentilezza amorevole”, sono piene di conflitti esituazioni che sfidano le visioni normative dell’armonia e smascherano l’appello seducente o la crudeltà dell’amore. I temi, i punti di vista e l’estetica espressi nella scrittura decadente sopravvissero ai loro giorni e possono essere trovati nelle opere di scrittori come Marcel Proust, Edith Wharton e F. Scott Fitzgerald.
IL MOVIMENTO DELLE ARTI E DEI MESTIERI: METODI
Se estetismo e decadenza devono essere visti come sovversivi, l’impulso del confronto guida anche il movimento arts and crafts, un’iniziativa britannica nel campo delle arti decorative e del design la cui influenza è stata ampiamente sentita sia in Europa che negli Stati Uniti. Un gruppo di artisti, architetti e critici si riunirono sotto questo nome dopo che la Arts and Crafts Exhibition Society era stata fondata nel 1888 a Londra. Il loro scopo era principalmente quello di promuovere un’ampia comprensione e accettazione non solo dell’arte, ma di nuovi metodi e stili che si basavano su abilità manuale e attitudine, materiali di qualità, metodi semplici di costruzione e ampie superfici decorative. L’attenzione dell’artigiano era rivolta al processo di produzione e ai materiali utilizzati, nonché all’uso del prodotto e alla funzione del suo design. L’idea era di ripristinare il legame tra gli individui creativi e il loro lavoro, l’obiettivo di questo restauro è una rinnovata unità—persa con l’industrializzazione—di arte e produzione, forma e funzione. La modellatura e la realizzazione degli oggetti devono essere restituite alle mani di un individuo e non essere segmentate in più passaggi che potrebbero essere amministrati razionalmente e distribuiti tra più lavoratori.
OBIETTIVI SOCIALI E POLITICI
Oltre alla diffusione di stili artistici e metodi di produzione, un’agenda sociale e politica più ampia è stata associata alle attività del movimento delle arti e dei mestieri. I due principali sostenitori di questa agenda erano William Morris (1873-1932) e John Ruskin (1819-1900). Morris era un designer e abile artigiano che ha anche lavorato come saggista politico, scrittore, poeta e artista. Ruskin era uno storico dell’arte e critico. Entrambi hanno lavorato per una più ampia comprensione delle procedure e delle azioni coinvolte nella realizzazione del design e dell’opera d’arte, facendo riferimento alle arti materiali (materiali migliori, cioè più preziosi, più duraturi e talvolta più prestigiosi, che richiedono abilità manuali più raffinate). Le forme d’arte non dovevano essere rivoluzionarie, anche se c’era un maggiore potenziale per esporre l’arte in pubblico e propagare l’arte in architettura (scultura, mobili, affreschi). Ruskin si interessò molto alle tradizioni medievali nel campo dell’artigianato e della produzione, che vedeva come uno stadio della creatività individuale in cui gli esseri umani non erano ancora stati alienati dalle loro invenzioni. Favorì anche i modi di produzione agricoli e rurali che permettessero un ritmo naturale nei processi di lavoro, un ritmo più umano nella produzione e un concetto olistico del lavoro. Ruskin alla fine sostenne i valori morali e i concetti di bellezza inerenti all’artigianato e li preferì a quelli della produzione industriale. Sia lui che Morris vedevano l’uso estensivo delle macchine come un problema centrale dell’esistenza umana che rendeva schiavi gli esseri umani nel lavoro costituito da segmenti ripetitivi e insensati e distruggendo il lavoro sincero e significativo degli individui. Morris in seguito divenne un socialista e comunista impegnato che vedeva il vittorianesimo espansionistico e imperialista come una minaccia per il benessere umano. Un’altra influenza significativa sulla dottrina del movimento arts and crafts e sulla sua promozione fu il designer industriale inglese Christopher Dresser, che aveva studiato arte e design giapponese, che in seguito insegnò negli Stati Uniti, applicando le sue conoscenze principalmente alla modellatura di motori e componenti industriali.
ARTS AND CRAFTS, AESTHETICISM, ART NOUVEAU
Mentre il movimento arts and crafts lavorava verso un apprezzamento artistico più dettagliato e profondo e cambiamenti nei modi di produzione e ricezione o consumo, l’estetismo mancava di ogni ambizione politica ed era desideroso di fuggire le pressioni e le restrizioni della società vittoriana. Entrambi hanno usato gli stessi modelli e ideali, soffermandosi sulle idee di un idillio agrario e glorificazioni del passato, ed entrambi hanno ugualmente respinto l’idea di progresso, imperialismo, capitalismo e pragmatismo. Dopo la prima guerra mondiale gli elementi di entrambi i movimenti si mescolarono all’art nouveau, che si basava su modelli organici e temi esotici, privilegiando anche la semplicità geometrica e l’attenzione all’effetto dell’opera d’arte.
Vedi ancheart and Architecture; Arts and Crafts; Bohemians and Vagabondia; Foriegn Visitors; Genteel Tradition
BIBLIOGRAFIA
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Christian Berkemeier