30 Grands Films d’Horreur En Noir et Blanc À Revoir

Cette histoire a été diffusée à l’origine en 2018 et est republiée avant la sortie de The Lighthouse ce week-end.

Pendant presque aussi longtemps qu’il y a eu des films, il y a eu des films d’horreur. Le genre était là dès le début, attirant un public qui voulait assister à des choses dont il n’avait jamais pensé qu’il voulait assister auparavant. Des monstres vampiriques, des apparitions horribles— des anomalies humaines – ils étaient tous des cauchemars il y a un siècle, tout comme ils le sont aujourd’hui.

Bon nombre des titres de cette liste de grands films d’horreur en noir et blanc sont des classiques bien connus, d’autres sont de petits favoris cultes, et quelques-uns sont des œuvres récentes de réalisateurs qui apprécient le pouvoir potentiel du cinéma en noir et blanc. Mais ils valent tous la peine d’être revisités en cette saison d’Halloween.

Le Cabinet du Dr. Caligari (1920)

Largement considéré comme le premier exemple de cinéma d’horreur et la pièce par excellence de l’expressionnisme allemand, Le Cabinet du docteur Caligari de Robert Wiene est un cauchemar stylisé d’angles vifs, de lieux abstraits, d’escaliers diagonaux et de paysages violents. Les contrastes marqués entre les couleurs noir et blanc sont choquants à l’œil, et ajoutent une intensité superposée aux délires psychologiques vécus par le public. Les perceptions du monde autour sont mutilées par les stimuli visuels, ce qui donne lieu à un film horrible qui a réussi à capturer la peur et la méfiance de la culture isolée de l’après–Première Guerre mondiale qui l’a créée. Disponible sur YouTube.

Nosferatu: Une symphonie d’horreur (1922)

Sorti à l’apogée du cinéma expressionniste allemand, Nosferatu était une adaptation non autorisée de Dracula de Bram Stoker, et a été presque perdu à jamais après que les héritiers de Stoker eurent intenté une poursuite contre l’adaptation et une décision de justice a ordonné que toutes les copies du film soient détruites. Heureusement, quelques exemplaires du film ont survécu. Le réalisateur F.W. Murnau était un innovateur, combinant des décors construits avec des lieux réels et ajoutant une nouvelle couche de réalisme au conte de vampires, ainsi que de la photographie pour présenter le comte Orlok comme véritablement d’un autre monde. C’est une œuvre d’art infâme, et ses messages sur les troubles politiques et les épidémies de maladies servent de début d’horreur en tant que commentaire social. Disponible sur Amazon Prime.

L’Homme qui rit (1928)

Par définition, L’Homme qui rit de Paul Leni n’est pas un film d’horreur, mais un drame romantique proche du Bossu de Notre-Dame. Pourtant, en tant qu’influence majeure sur les derniers films de monstres universels et source d’inspiration pour les illustrations du Joker dans les bandes dessinées de Batman de DC Comics, l’héritage de The Man Who Laughs dépasse de loin son introduction initiale en tant que film romantique allemand. En grande partie en raison des caractéristiques surprenantes du personnage principal (sans parler de la morosité qui l’entoure), l’imagerie du film laisse les spectateurs avec un profond niveau d’effroi. Disponible sur YouTube.

Universal Classic Monsters (1931-1954)

Parmi les films d’horreur en noir et blanc les plus emblématiques, les films de monstres universels (Frankenstein, Dracula, L’Homme-Loup, La Momie, L’Homme Invisible, Créature du Lagon Noir et Épouse de Frankenstein) ont tous établi les bases de ce qui allait façonner le film d’horreur moderne. Les créatures ont été utilisées comme véhicule pour raconter des histoires sur la xénophobie, la sexualité, le défi à Dieu, la remise en question de son identité, la violence inhérente à l’humanité et la peur de l’inconnu. Même dans des tons monochromes, les Monstres classiques universels ont peint des mondes d’horreur, suscitant l’horreur grâce à des techniques cinématographiques pionnières plutôt que de s’appuyer sur les éclaboussures ou le gore qui définiraient le genre dans les années suivantes. Disponible sur Amazon.

Freaks (1932)

Interdit en Grande-Bretagne jusque dans les années 1950 et facilement l’un des films les plus controversés et éthiquement discutables du genre, Freaks de Tod Browning sert d’examen des extrêmes monstrueux de la nature humaine, forçant le public à remettre en question ses perceptions préconçues de ceux qui semblent différents de la « norme ». »Browning était fraîchement sorti du succès de Dracula quand il a fait des monstres. Le dernier moment du film reste l’une des fins les plus choquantes de l’histoire de l’horreur pré-code, et prend une position maintenant commune dans l’horreur: que parfois les pires monstres sont ceux qui marchent parmi nous, sans être détectés. Disponible sur Amazon.

Meurtres au Zoo (1933)

En tant que l’un des premiers exemples de film d’horreur « les animaux se déchaînent », Meurtres au Zoo était extrêmement graphique pour son époque, et reste un film plutôt pénible même selon les normes actuelles, en grande partie à cause des images montrant l’état déprimant des zoos dans les années 1930. Les animaux crient pour se nourrir et sont gardés dans des cages revêtues de fer, et à un moment donné, ils se battent légitimement. Dans le film, un zoologiste maniaque devient de plus en plus jaloux de sa femme infidèle et décide d »utiliser des animaux vivants comme arme pour réaliser « le meurtre parfait. »D’à peine plus d’une heure, le film tente sans succès de marier horreur et comédie, mais fournit l’une des séquences d’ouverture les plus discordantes d’un film de cette époque en utilisant la bouche d’un homme, une aiguille et du fil. Disponible sur Amazon.

Cat People (1942)

L’une des premières vraies histoires d’horreur à petit budget a également été la grâce salvatrice des studios RKO financièrement défaillants. La plus grande contribution du film est peut-être l’emblématique « scène de bus », un moment rempli d’une telle intensité qu’il sert de premier exemple de ce qui deviendra plus tard connu sous le nom de « jump scares ». »Il continue de servir comme l’une des frayeurs les plus efficaces de l’histoire de l’horreur. Présenté avec un casting sans nom et servant de début à la carrière de l’extraordinaire producteur d’horreur Val Lewton, Cat People a été un point de repère révolutionnaire dans le cinéma d’horreur. Disponible sur YouTube.

La Septième victime (1943)

Satanisme et lesbianisme vont de pair dans un autre chef–d’œuvre produit par Val Lewton. En partie noir, en partie film d’horreur, The Seventh Victim est l’un des premiers films à traiter les femmes d’horreur comme des personnes à part entière avec leurs propres pensées et désirs, leur permettant une pleine agence. Les femmes sont volontaires, baveuses et inhabituellement audacieuses dans cet aliment de base en pulpe. En fin de compte, il est suggéré que le pouvoir de ces femmes vient de leur participation à un culte satanique, mais comme le film rend la participation masculine presque inutile, cela mérite un regard contemporain. Disponible sur DailyMotion.

The Uninvited (1944)

Peut-être l’un des premiers films de maisons hantées à traiter les fantômes comme des menaces légitimes et des sources d’horreur, le film de fabrication britannique est largement passé inaperçu auprès du public américain. C’est un crime: C’est l’un des titres que Guillermo del Toro cite comme ayant un impact majeur sur sa propre filmographie. The Uninvited propose des performances d’acteur de haut calibre et, surtout, des effets fantômes pratiques à l’intérieur de la caméra qui reposent sur l’éclairage, le son et les machines à vent. C’est de mauvaise humeur, c’est effrayant, et bien qu’il ne donne peut-être pas les frayeurs d’aujourd’hui comme à l’époque, un rewatch montre une influence qui peut encore se faire sentir. Disponible sur Criterion.

Dead of Night (1945)

Avant que les anthologies d’horreur ne deviennent un sous-genre à part entière, il y avait Dead of Night des studios Ealing. Reliant cinq histoires différentes de cinéastes britanniques et une synthèse, le film est un flippant psychologique et livre ce qui est sans doute le meilleur travail du réalisateur Charles Crichton. Dans la fin culminante du film, nous sommes présentés à une histoire impliquant un mannequin ventriloque qui prépare le terrain pour à peu près tous les films inanimés qui sont réellement vivants. Aujourd’hui encore, les yeux froids et morts du sinistre mannequin servent de carburant au cauchemar. Disponible chez Best Buy.

L’image de Dorian Gray (1945)

Je triche peut-être pour inclure ce film sur la liste, mais l’image de Dorian Gray est l’une des premières à présenter le noir et blanc comme un choix esthétique plutôt qu’une nécessité cinématographique; des inserts en quatre couleurs de Technicolor à trois bandes ont été utilisés pour le portrait de Dorian, utilisés comme effet spécial dans un monde en noir et blanc. Avoir ce moment isolé de Technicolor accentue l’horreur de voir la peinture de Dorian vieillir alors que lui-même reste jeune. Le film est un triomphe dans la cinématographie profonde, et a valu à Angela Lansbury sa deuxième nomination aux Oscars pour la meilleure actrice dans un second rôle (sans parler de sa première victoire aux Golden Globes dans la même catégorie). Disponible sur Amazon.

Abbott et Costello rencontrent Frankenstein (1948)

Alors que l’intérêt et la popularité des films d’horreur commençaient à décliner, les studios peinaient à donner un nouveau souffle à ce qui avait été l’un de leurs secteurs les plus rentables. Entrez dans la comédie d’horreur. Alors que de nombreux vieux films tentaient d’ajouter de la légèreté à l’horreur, Abbott et Costello Rencontrent Frankenstein ont établi la norme pour les comédies d’horreur et ont laissé un impact qui est encore imité des décennies plus tard. En ajoutant Bud Abbott et Lou Costello à pal avec des monstres établis comme Lon Chaney Jr. et Bela Lugosi, Universal a frappé l’or et a engendré une franchise. Disponible sur Amazon.

Eux ! (1954)

L’un des premiers films de « monstre nucléaire » des années 1950, et le premier long métrage de « big bug », Eux! a été un succès monumental pour Warner Bros. images, et l’un des meilleurs exemples de ce qui allait devenir le sous-genre de la science-fiction. Empruntant des éléments d’horreur ainsi que l’influence des films kaiju japonais, Eux! est l’un des premiers exemples de fusion de genre sous le parapluie de l’horreur. Le film évite les tropes qui se populariseront plus tard dans le cinéma B, choisissant plutôt de traiter les gigantesques monstres de fourmis comme des menaces légitimes et de présenter l’horreur comme sincère. Disponible sur Amazon.

La Nuit du Chasseur (1955)

La malheureuse vérité de La Nuit du Chasseur de Charles Laughton est que c’est facilement l’un des meilleurs thrillers d’horreur jamais réalisés, et facilement l’un des plus oubliés. C’est le seul effort de réalisation de Laughton et met en vedette Robert Mitchum, un anti-héros éminent du mouvement noir qui jouait souvent second banana. Cependant, La Nuit du Chasseur est convaincante, visuellement stimulante et carrément palpitante. C’est un film qui semble tellement en avance sur son temps qu’il jouerait mieux pour le public d’aujourd’hui qu’il ne l’a sûrement fait au milieu des années 50. Disponible sur YouTube.

Invasion of the Body Snatchers (1956)

Bien que ce ne soit pas la meilleure interprétation de l’histoire des Body Snatchers, l’incarnation originale de 1956 est l’un des meilleurs exemples d’un film de science-fiction–horreur enraciné dans la réalité, s’attaquant à la peur humaine que nous sommes beaucoup plus vulnérables à la destruction que nous ne voudrions le croire. Sorti au plus fort de la Guerre froide et de la paranoïa de la Peur rouge, les racines politiques de Body Snatchers étaient beaucoup moins ambiguës que les films qui l’ont précédé, et le film a réussi à solidifier la relation entre la politique et l’horreur. Disponible sur Amazon.

The House on Haunted Hill (1959)

Magnum opus de William Castle, The House on Haunted Hill est l’un des plus grands films de maisons hantées de tous les temps. Un millionnaire excentrique joué à la perfection par Vincent Price offre 10 000 $ à quiconque peut passer une nuit dans le manoir titulaire, site d’une pléthore de meurtres. Les participants sont confrontés à un plafond dégoulinant de sang, une tête coupée, une cuve d’acide dans la cave et les apparitions squelettiques emblématiques qui marchent seules. Bien qu’un film fantastique à part entière, l’héritage le plus important de The House on Haunted Hill est enraciné dans le fait que Castle a décidé d’adapter ses films d’horreur à un marché pour adolescents, une tendance que les films d’horreur ont suivie. aller de l’avant. Disponible sur Amazon Prime.

Eyes Without a Face (1960)

L’examen effroyable mais onirique de Georges Franju sur la quête de la perfection physique, la valeur sociale accordée à l’apparence des femmes et la culpabilité. Autrefois chirurgien respecté, le Dr Genessier vit maintenant dans l’isolement, expérimentant sur des animaux et des femmes sans défense attirés par sa fidèle infirmière et amante Louise. Le film est étonnamment graphique et dégouline d’éléments artistiques qui ont grandement influencé les cinéastes qui ont suivi. Eyes Without a Face est présenté dans un noir et blanc austère, mais l’imagerie visuelle surréaliste a ajouté une douceur sourde à l’horreur chaotique qui s’y trouve. Disponible sur Amazon.

Black Sunday (1960)

Le maître de l’horreur Mario Bava a commencé sa carrière avec Black Sunday, un chef-d’œuvre gothique italien et facilement son œuvre la plus célèbre. Avec sex appeal, Bava construit un paysage horrible rehaussé d’un travail de caméra fluide et de contrastes noirs et blancs intenses. Le film joue à la fois avec la mythologie des vampires et des sorcières, ce qui conduit finalement à ce qu’un masque à pointes soit martelé sur le visage d’une femme. Le visuel de la peau pâle de Barbara Steele recouverte de trous noirs profonds est devenu une image emblématique de l’horreur classique, illustrant parfaitement son rôle à la fois attrayant et horrible, désirable et révoltant. Disponible sur Amazon.

Psycho (1960)

Oui, c’est le film d’horreur le plus influent de tous les temps. Mais il faut le répéter: Psycho d’Alfred Hitchcock a véritablement changé la donne dans le cinéma d’horreur. La vue et le son de Marion Crane rencontrant sa disparition sont synonymes de ce que l’on imagine en entendant les mots « film d’horreur. »Psycho a donné ses racines aux films slashers à venir, sans oublier de bouleverser complètement le monde idyllique des années 1950.La technique de montage à découpage rapide associée à l’une des plus grandes partitions jamais conçues et à la manie de Norman Bates ont solidifié la place de Psycho dans le canon de l’horreur, mais dans le canon des grands du cinéma de tous les temps. Disponible sur Hulu.

The Innocents (1961)

Basé sur la nouvelle d’horreur de Henry James de 1898, The Turn of the Screw, ce film d’horreur psychologique remarquablement troublant de Jack Clayton continue d’être l’un des premiers films d’horreur britanniques. C’est aussi l’un des premiers et des meilleurs exemples du sous-genre « enfants effrayants ». L’intrigue est lourde: The Innocents joue avec l’angoisse mentale d’une personne essayant désespérément de donner un sens au monde qui l’entoure tout en faisant face à sa propre tourmente émotionnelle. La fin emblématique du film a obtenu un certificat X lors de la première sortie, et les théoriciens continuent à ce jour d’analyser le sous-texte de la répression sexuelle, de la possession horrible et de la façon dont les deux s’entremêlent. Disponible sur YouTube.

Carnival of Souls (1962)

Salué par beaucoup comme un chef-d’œuvre indépendant, Carnival of Souls ressemble plus à une version étendue d’un épisode de The Twilight Zone qu’à un véritable film d’horreur bleu. Une entreprise à petit budget avec des sensibilités artistiques, le facteur de peur du film est enraciné dans son imagerie visuelle étrange et son jeu de lumière dramatique. Le réalisateur Herk Harvery joue également l’horrible apparition qui hante l’imagination de la femme de tête, une manifestation de ses peurs refoulées comme une force malveillante à laquelle elle ne peut échapper, comme elle le pourrait. Carnival of Souls est sombre, atmosphérique, expérimental et un regard troublant sur une rupture mentale à part entière. Disponible sur Filmstruck.

Démence 13 (1963)

Le maître du cinéma B Roger Corman a produit ce Psycho knockoff, qui est également le premier long métrage non pornographique du réalisateur Francis Ford Coppola. Avec un scénario visiblement précipité qui a néanmoins fourni des moments de choc légitime, Dementia 13 a été presque universellement plébiscité par les critiques et les membres du public. Cependant, le film est un ajout extrêmement important au canon de l’horreur en noir et blanc si pour rien d’autre son aping sans vergogne du chef-d’œuvre d’Hitchcock. À partir de ce moment, l’horreur a commencé à emprunter sans vergogne aux films précédents — un signe précoce de la culture du remake à venir. Disponible sur Amazon Prime.

Strait-Jacket (1964)

Alors qu’est-il arrivé à Baby Jane? lancé le sous-genre « hagsploitation », c’est le rôle principal de Joan Crawford dans Strait-Jacket de William Castle qui l’a perfectionné. Certains critiques ont considéré le film comme l’un des pires jamais réalisés, mais les gadgets théâtraux de Castle ont fait du film un favori du public, et le tour de Crawford en tant que psychopathe a mis la barre pour les acteurs soi-disant « délabrés » se retirant aux films d’horreur une fois que leurs rôles d’appât aux Oscars avaient suivi leur cours. Disponible sur Amazon.

Répulsion (1965)

Malgré ses plus de 50 ans, Repulsion de Roman Polanski reste l’un des films les plus dérangeants jamais réalisés. Premier de sa  » Trilogie d’appartements « , Repulsion est une chambre de torture psychologique d’exploration hallucinatoire. Ce qui commence comme une dissection calme et un peu lente d’une femme sans caractère, se transforme rapidement en un démêlage mental complet, un chef-d’œuvre dans la capture de la chambre du cauchemar qui est une femme malade avec des traumatismes émotionnels incontrôlés. Disponible sur iTunes.

Hour of the Wolf (1968)

Seule entrée horrifique de la filmographie d’Ingmar Bergman, Hour of the Wolf est un voyage psychologique dans le royaume du monde peut-être le plus effrayant de tous: les recoins profonds des démons personnels et des troubles existentiels d’un humain. Chaque minute de ce film est trempée d’effroi inquiétant, croisant fréquemment dans le surnaturel. Les spectateurs sont pris en embuscade par des visuels discordants et des moments cinématographiques ambitieux (il y a une scène de dîner qui est carrément remarquable), prouvant que ce que beaucoup croient être l’une des œuvres de moindre importance de Bergman est peut-être l’une de ses plus intéressantes. Disponible sur YouTube.

La Nuit des Morts-vivants (1968)

George A. Romero est le roi des zombies et le père du cinéma d’horreur contemporain, full stop. Ce film indépendant à petit budget de Pittsburgh a complètement révolutionné le genre de l’horreur et créé un monstre qui règne en maître depuis 50 ans. Avant Romero, les films d’horreur se déroulaient souvent dans des contrées lointaines d’isolement, mais il a apporté l’horreur dans les banlieues, où les familles n’étaient qu’à une épidémie monstre de rencontrer leur disparition. Alors qu’il a affirmé jusqu’à la mort que le casting de Duane Jones, un Afro-américain dans le rôle principal, était purement basé sur son talent d’acteur, la décision de Romero de présenter un protagoniste noir reste l’un des mouvements les plus radicaux de l’histoire de l’horreur. Disponible sur Amazon Prime.

Eraserhead (1977)

Les débuts de l’auteur David Lynch, Eraserhead est une tranche surréaliste et alléchante d’horreur cinématographique qui combine un gore excessif, un érotisme, une cinématographie brillante en noir et blanc, des performances mélodramatiques, un humour excessivement noir et une bonne dose de gore. C’est vraiment différent de tout ce qui l’a précédé, et rien n’a été près d’égaler sa puissance depuis — la révélation de « l’enfant » est l’une des scènes visuelles les plus traumatisantes jamais enregistrées en noir et blanc. Disponible sur Filmstruck.

A Field in England (2013)

Il y a peu de réalisateurs qui travaillent aujourd’hui avec une réputation aussi distinctive ou aussi impressionnante que Ben Wheatley. Couvrant un large éventail de genres tout au long de sa carrière, son œuvre d’époque horrible se déroulant pendant la guerre civile anglaise est peut-être sa plus grande entreprise cinématographique. Il examine la dégradation psychologique d’hommes complètement détruits par la guerre sous l’influence de drogues hallucinogènes. Écrit par la femme de Wheatley, Amy Jump, le dialogue est l’un des éléments les plus forts du film, niché dans des scènes d’horreur cosmique visuellement saisissantes. Disponible sur Amazon.

A Girl Walks Home Alone at Night (2014)

Le premier long métrage d’Ana Lily Amirpour est un western-vampire irano-américain au féminisme rageur. Une fille Qui Rentre seule à la maison la nuit est aussi belle que particulière, et aussi fascinante qu’obsédante. Sa force réside dans la création d’atmosphère, un changement de rythme pour un genre monstre qui se nourrit souvent de sensations fortes. Le film ressemble à une pochette d’album érotique des années 80, et a réussi à insuffler une nouvelle vie à l’un des sous-genres les plus anciens de l’horreur (voir: le deuxième film mentionné sur cette liste). Disponible sur Amazon.

Les Yeux de Ma mère (2016)

À la fois époustouflant et l’un des films les plus légitimement foutus de mémoire récente – un exploit d’autant plus impressionnant qu’il s’agit du premier long métrage de Nicolas Pesce. Le film se déplace à un rythme délibéré, se glissant lentement sous la peau des spectateurs, et y restant longtemps après le générique. La cinématographie en noir et blanc ne fait qu’ajouter à son esthétique d’un autre monde. Les Yeux de Ma mère est présenté comme un film d’art, mais ne vous y trompez pas: c’est une tranche de cinéma vraiment grotesque et émotionnellement discordante. Disponible sur Amazon.