Dans le monde du cinéphile, on a souvent le sentiment que la coupe du réalisateur d’un film est la version la plus souhaitable, car le terme implique qu’elle est plus étroitement alignée sur la vision de l’individu à la tête de la production. On s’attend à ce que le cinéphile ait au moins vu la coupe du réalisateur de films classiques, ou leurs films préférés, s’il n’a pas une opinion complète et raisonnée à ce sujet. Alors que la coupe du réalisateur est considérée comme la version la plus pure artistiquement, la coupe théâtrale est souvent considérée comme la coupe commerciale – la version corporative approuvée par le studio et commercialisée pour la consommation de masse.
La fascination pour les coupes de réalisateur est basée sur le désir de voir plus de ce que vous aimez ou qui vous intéresse. En tant que fan d’un film, qui ne veut pas voir d’images supplémentaires qui pourraient donner un aperçu de cette histoire particulière que nous apprécions tant. C’est pourquoi nous passons en revue des fonctionnalités spéciales sur les DVD et les Blu-ray, après tout. Mais, voici la question – est-ce toujours mieux? Les coupes de réalisateur réussissent-elles toujours à améliorer l’expérience de regarder un film en particulier? Comme pour tout art, les films sont subjectifs, quelle que soit la version que vous regardez. Ce qui fonctionne pour un spectateur est problématique pour un autre, mais le fait est que si le film fonctionnait assez bien sans cette séquence supplémentaire, cela dénigrerait peut-être la qualité du film s’il était ajouté et re-coupé.
La coupe de tous les réalisateurs n’est pas supérieure à la version théâtrale. Les séquences supplémentaires peuvent être intéressantes pour un fan, mais en termes de qualité du film, parfois la version théâtrale est vraiment la meilleure à avoir. Regarder la vision d’un réalisateur de ce qui aurait dû être pourrait ajouter un aperçu, mais cela n’ajoute pas nécessairement du plaisir. En fait, parfois, cela ajoute encore plus de confusion. Voici donc cinq films où la coupe en salle était sans doute meilleure que la coupe du réalisateur.
Donnie Darko (2001)
Le premier long métrage du réalisateur Richard Kelly, Donnie Darko est rapidement devenu un film acclamé, bien qu’il n’ait pas réussi à mettre le feu au box-office à sa sortie. C’était une vitrine pour un certain brio de Jake Gyllenhaal en tant que Donnie titulaire, mais aussi des virages fantastiques de Maggie Gyllenhaal, Mary McDonnell, Beth Grant, Patrick Swayze, Jena Malone, Noah Wyle, Drew Barrymore et même Seth Rogen.
Le scénario non linéaire traite du voyage dans le temps et, dans une certaine mesure, de réalités alternatives – ainsi que des sujets de la maladie mentale, de la violence domestique et de la maltraitance des enfants. Sa coupe théâtrale est un film profondément captivant et satisfaisant, qui fonctionne presque parfaitement. Cependant, un director’s cut est apparu en 2004, contenant une vingtaine de minutes d’images supplémentaires. Le contenu supplémentaire concerne principalement le livre que Donnie trouve et lit tout au long du film – La Philosophie du voyage dans le temps, de Robert Sparrow – qui est essentiellement le cadre de tous les événements du film. Il traite des Univers Primaires, des Univers Tangents, des Vivants Manipulés, des Morts Manipulés, des Artefacts et des Récepteurs Vivants.
Bien que le livre fasse clairement partie intégrante de la structure de l’histoire, l’ajout du détail nuit à la puissance du film. C’est l’incertitude qui rend Donnie Darko si convaincant, donc exposer les règles qui régissent les événements, c’est enlever tout sentiment de tension dramatique. De plus, alors que dans la version théâtrale, Donnie Darko est un jeune homme intrigant, essayant de se frayer un chemin à travers une situation confuse et de régler son destin, the Director’s Cut suggère que la situation en boucle temporelle a fourni au héros une gamme de super-pouvoirs qui, dans ce cas, est l’élément pour rendre l’histoire complètement irrémédiable.
En s’en tenant à une version du film qui laisse le détail inexpliqué, il y a toujours la question de savoir si ce que nous voyons est la réalité ou le fantasme. Dans ce contexte, lorsque le personnage de Jena Malone déclare que le nom Donnie Darko « ressemble à un super-héros », Donnie répond: « Comment savez-vous que je ne le suis pas? »le dialogue semble naturel pour ce personnage qui a affaire à des thérapeutes, à des médicaments et à des visions difficiles. Faire de lui un super-héros dépouille le conte de tout son mystère, et un monde de possibilités avec lui.
Terminateur 2: Jour du Jugement (1991)
La suite du film emblématique de James Cameron, The Terminator, sorti en 1984, est largement considérée comme l’un des meilleurs films d’action de tous les temps. Développant la mythologie du premier film – où un cyborg est arrivé du futur pour tuer la serveuse sans prétention Sarah Connor pour empêcher la conception de l’enfant destiné à mener la race humaine dans une guerre future contre la technologie sensible – Terminator 2: Judgement Day a fait arriver un cyborg similaire pour protéger l’enfant en question, contre une machine plus avancée et mortelle.
Telle quelle, la coupe théâtrale de cette suite est sans faille. Du rythme à la caractérisation en passant par le niveau d’exposition dans une histoire construite sur une intrigue complexe en boucle temporelle – le scénariste / réalisateur James Cameron maintient les débats serrés, concentrés et en mouvement perpétuel. Il n’y a pas un grain d’excès sur l’exo-squelette de ce projet, et chaque instant de temps d’écran est utilisé pour un impact maximal. Cependant, étant si bien reçu et populaire, une coupure du réalisateur a inévitablement suivi en 1993. Cela comprenait 17 minutes d’images supplémentaires, avec plusieurs moments où l’adolescent John Connor tente de se lier avec le cyborg qui le protège (Arnold Schwarzenegger) et, plus important encore, une séquence de rêve centrée sur Sarah Connor et le personnage de Kyle Reese du premier film (joué par Michael Biehn).
Alors que de nombreux fans de la franchise se sont réjouis de la sortie de cette séquence supplémentaire, son inclusion dans un montage de Terminator 2: Judgement Day se fait tout simplement au détriment de l’œuvre dans son ensemble. Le rythme de ce film de science-fiction parfaitement rythmé est complètement bouleversé par l’insertion de 17 minutes supplémentaires d’images et, surtout, il n’ajoute rien qui fasse avancer l’histoire.
Rencontres Rapprochées Du Troisième Type (1977)
Ce film de science-fiction classique et dramatique est l’un des premiers succès de Steven Spielberg – venant directement après Jaws – et a également la particularité d’avoir été re-coupé par son réalisateur à deux reprises. L’original est arrivé en 1977 et présentait au public l’histoire d’un homme et de ses rencontres répétées avec des OVNIS. Mettant en vedette Richard Dreyfuss, François Truffaut, Teri Garr, Melinda Dillon et Bob Balaban, le film a capturé l’imagination de toute une génération, alors que la représentation de drames interpersonnels se construit au développement ambitieux d’interférences extraterrestres et, finalement, de contacts spectaculaires.
En 1980, Spielberg livre une mise en scène à la demande du studio. Alors que la plupart des re-coupes ont tendance à augmenter la durée d’un film, la deuxième passe de Spielberg a entraîné une réduction de trois minutes de la durée du film. Cela a été réalisé en ajoutant sept minutes de nouvelles séquences, mais en retirant dix minutes de matériel excédentaire de l’original. Les nouvelles images impliquaient des plans intérieurs du vaisseau mère à partir de la fin du film, comme l’exigeait le studio, et Spielberg regrettait ce développement presque immédiatement. En 1998, il réalise un deuxième director’s cut, qui est une nouvelle modification de la version originale de 1977 – ajoutant deux minutes supplémentaires sur la durée de ce film original, bien qu’il ait renoncé aux séquences impliquant l’intérieur du vaisseau mère.
Alors que le film lui–même est indéniablement un classique du cinéma moderne, aucune des éditions spéciales n’a abordé ce que certains considéraient comme l’aspect problématique de l’histoire – la volonté du personnage principal d’abandonner sa jeune famille et de partir avec les extraterrestres. De plus, l’inclusion de l’intérieur du vaisseau-mère sert à éliminer l’air de mystère qui entoure le navire à son arrivée. À cet égard, la coupe du film de Spielberg en 1998 rectifie les problèmes de la coupe de 1980, mais la version originale en salle reste de qualité supérieure.
Guerre des étoiles (1977)
Il y a le fandom, et puis il y a le fandom de Star Wars, qui a commencé en 1977, avec la sortie du célèbre Star Wars. Le film a été réédité à plusieurs reprises, obtenant finalement le nom sous-titré Star Wars IV: Un nouvel espoir en 1981.
George Lucas ne l’a cependant jamais vraiment laissé seul, et en 1997, le film et ses suites ont été remastérisés à l’aide d’une technologie numérique de pointe, avec de nouvelles images ajoutées juste à temps pour une réédition du 20e anniversaire. L’ajout de nouvelles séquences de Lucas constituait essentiellement un director’s cut mais, malgré une adoration palpable pour le cinéaste et l’univers qu’il a créé, les modifications apportées à l’original n’ont généralement pas été bien accueillies.
La plupart des nouveaux extraits les plus détestés impliquaient le personnage de Han Solo, l’un voyant plus de lui en conflit avec Greedo, et l’autre voyant plus de lui en conversation avec Jabba The Hut. Ces petits changements ont eu si peu d’impact positif sur la structure narrative du film qu’ils n’ont servi que de distraction. Alors que le re-mastering du matériel original était impressionnant, les scènes supplémentaires semblaient inutiles et indulgentes, ce qui va à l’encontre de tout ce que les fans aiment de la trilogie originale de Star Wars.
Aliens (1986)
En soi, Aliens est une réalisation exceptionnelle. C’est la suite d’un film de genre à succès massif, et parvient pourtant à être sa propre entité. Il contient une performance féminine principale qui est si forte qu’elle a généré l’une des seules nominations aux Oscars de la meilleure actrice pour la science-fiction et, ce faisant, a donné à Sigourney Weaver sa première nomination aux Oscars. L’histoire a repris l’histoire d’Ellen Ripley, mais cette fois, elle s’est réveillée d’hypersleep à la nouvelle que la planète où elle a affronté l’extraterrestre a été colonisée et que tout contact avec les colons a été perdu. Avec James Cameron à la barre, Aliens s’est avéré être un autre film d’action sans faille.
Mais, en 1992, une édition spéciale est sortie dans laquelle le réalisateur avait restauré dix-sept minutes d’images. Les images impliquaient des scènes de « Newt » – la jeune fille sur la planète extraterrestre – et de sa famille découvrant le vaisseau spatial abattu qui finirait par leur destin, Ripley recevant des nouvelles de la mort de sa fille – la perte tragique ayant eu lieu alors que Ripley était en hyper-sommeil – et un certain nombre de séquences de dialogue prolongées. Il y a aussi une scène dans laquelle les space marines utilisent des robots sentinelles armés dans leur lutte contre les Xénomorphes.
Prises individuellement, ces scènes varient en qualité. Les scènes impliquant Newt et sa famille, bien qu’atmosphériques, n’apportent rien au processus de construction de tension au sein du récit. La scène dans laquelle Ripley apprend la mort de sa fille est puissante, grâce à la performance intimidante de Sigourney Weaver, mais elle n’ajoute rien de nécessaire à un scénario par ailleurs serré et exempt de matériel excédentaire. En fait, on peut soutenir que son omission sert mieux l’histoire en rendant moins évidente la raison derrière le lien de Ripley avec Newt.
Le seul ajout qui apporte quelque chose au film est l’utilisation par les space marines de robots sentinelles armés. C’est une scène efficace qui crée beaucoup de tension, tout en suivant le rythme du reste du film. Collectivement, cependant, les dix-sept minutes supplémentaires font du film Aliens director’s cut de 1992 un film moins important que l’original.