Art minoen

L’art de la civilisation minoenne de la Crète de l’âge du bronze (2000-1500 avant notre ère) témoigne d’un amour pour la vie animale, marine et végétale, qui a été utilisée pour décorer des fresques et des poteries et a également inspiré des formes de bijoux, de vases en pierre et de sculptures. Les artistes minoens se sont régalés des formes et des dessins fluides et naturalistes, et il y a un dynamisme dans l’art minoen qui n’était pas présent dans l’Orient contemporain. Outre ses qualités esthétiques, l’art minoen donne également un aperçu précieux des pratiques religieuses, communautaires et funéraires de l’une des premières cultures de l’ancienne Méditerranée.

Inspirations

Les Minoens, en tant que culture maritime, étaient en contact avec des peuples étrangers dans toute la mer Égée, comme en témoignent les influences du Proche-Orient, de Babylone et de l’Égypte dans leur art primitif mais aussi dans le commerce, notamment l’échange de poteries et de denrées alimentaires telles que l’huile et le vin en échange d’objets et de matériaux précieux tels que le cuivre de Chypre et l’ivoire d’Égypte. Ainsi, les artistes minoens étaient constamment exposés à la fois à de nouvelles idées et à des matériaux qu’ils pouvaient utiliser dans leur propre art unique.

L’art minoen n’était pas seulement fonctionnel et décoratif, mais pouvait également avoir un but politique, en particulier les peintures murales de palais où les dirigeants étaient représentés dans leur fonction religieuse, ce qui renforçait leur rôle de chef de la communauté. Il est également important de se rappeler que les objets d’art étaient en grande partie réservés à l’élite dirigeante, qui était très minoritaire par rapport au reste de la population qui était principalement des agriculteurs. Ainsi, les œuvres d’art coûteuses sont devenues un moyen de souligner les différences de statut social et politique pour ceux qui ont la chance de les posséder.

Poterie minoenne

La poterie minoenne a connu diverses étapes de développement, et les premières ont été le style pré-palatial connu sous le nom de Vasiliki avec des surfaces décorées de rouge et de noir marbrés et des marchandises barbotines avec des excroissances décoratives ajoutées à la surface. Viennent ensuite les articles polychromes de Kamares. Probablement originaire de Phaistos et datant de la période de l’Ancien Palais (2000 avant notre ère – 1700 avant notre ère), son introduction était contemporaine de l’arrivée de la roue de poterie en Crète. Les éléments distinctifs de la poterie de Kamares sont des motifs rouges et blancs animés sur fond noir. Les formes géométriques sont courantes, mais il y a aussi des poissons et des polypes impressionnistes ainsi que des figures humaines abstraites. Parfois, des coquillages et des fleurs étaient également ajoutés au navire en relief. Les formes courantes sont les cruches à bec, les tasses, les pyxides (petites boîtes), les calices et les pithoi (très grands vases faits à la main, parfois de plus de 1,7 m de haut et utilisés pour le stockage des aliments).

La période du Nouveau Palais (c. 1600 av. J.-C. à 1450 av.J.-C.) a vu une évolution dans la technique et, avec elle, des développements dans la forme et la conception, y compris la production de sarcophages en terre cuite. Des vases plus minces, effilés à la base sont devenus courants, et de nouveaux modèles sont apparus comme le pot à étrier avec une véritable ouverture et un deuxième faux avec deux poignées. Les spirales et les lignes sont maintenant limitées aux zones autour des poignées et du cou avec, au lieu de cela, les plantes et la vie marine occupent le devant de la scène. Le style floral représente le plus souvent des branches minces avec des feuilles et des fleurs de papyrus. L’exemple le plus célèbre de ce style est peut-être la cruche de Phaistos qui est entièrement recouverte d’une décoration en herbe.

Le style marin contemporain, quant à lui, se caractérise par des représentations détaillées et naturalistes de pieuvres, d’argonautes, d’étoiles de mer, de coquilles de tritons, d’éponges, de coraux, de rochers et d’algues. De plus, les Minoens ont pleinement profité de la fluidité de ces créatures marines pour remplir et entourer les surfaces incurvées de leurs poteries. Des têtes de taureau, des doubles haches et des nœuds sacrés sont également fréquemment apparus sur la poterie.

Le Nouveau Style de Palais arrive à partir de 1450 avant notre ère. Peut-être influencés par un contact croissant avec la culture mycénienne du continent grec, les exemples typiques sont les amphores à trois poignées, les vases d’alabastron trapus, les gobelets et les vases rituels à huit poignées. Les marchandises sont décorées avec des représentations beaucoup plus schématiques et stylisées que les styles précédents, avec de nouveaux motifs inédits, notamment des oiseaux, des guerriers et des boucliers.

Récipients en pierre minoens

Outre la terre cuite, les Minoens fabriquaient également des récipients à partir d’une grande variété de types de pierre, découpant laborieusement le matériau à l’aide de burins, de marteaux, de scies, de perceuses et de lames. Les récipients étaient finis par broyage avec un abrasif tel que du sable ou de l’émeri importé de Naxos dans les Cyclades. La plupart des modèles ont été inspirés par des formes de poterie contemporaines et même la décoration de poterie telle que le style marin a été transférée sur des récipients en pierre.

Les formes populaires en pierre comprennent le bol à couvercle « nid d’oiseau » qui s’effilochait considérablement à la base et servait probablement à stocker des huiles et des onguents épais. Au fur et à mesure que les artistes gagnaient en confiance, d’autres vases, plus ambitieux et plus grands, étaient fabriqués tels que des vases rituels ou des rhytes qui pouvaient prendre de nombreuses formes et qui étaient généralement recouverts de feuilles d’or. L’exemple le plus célèbre est peut-être la tête de taureau serpentine du Petit Palais de Cnossos (c. 1600-1500 avant notre ère) qui se trouve maintenant au Musée archéologique d’Héraklion. Avec des cornes en bois doré, des yeux en cristal de roche et un museau en coquille de tridacna blanc, l’animal est superbement rendu, capturant une pose réaliste qui ne serait égalée dans l’art qu’un millénaire plus tard.

Sculpture minoenne

La sculpture de figures est une découverte rare dans l’archéologie de Crète, mais suffisamment de petites figurines subsistent pour illustrer que les artistes minoens étaient aussi capables de capturer le mouvement et la grâce en trois dimensions que dans d’autres formes d’art. Les premières figurines en argile sont moins abouties mais montrent la robe de l’époque avec des hommes (de couleur rouge) portant des linges de longe ceinturés et des femmes (de couleur blanche) portant de longues robes fluides et des vestes à front ouvert. Il y a aussi des figurines en bronze, typiquement des adorateurs mais aussi des animaux, en particulier des bœufs.

Les œuvres ultérieures sont plus sophistiquées et parmi les plus significatives figure une figurine en ivoire d’un homme sautant en l’air (sur un taureau qui est une figure distincte). Les cheveux auraient été ajoutés à l’aide de fil de bronze et les vêtements à la feuille d’or. Datant de 1600-1500 avant notre ère, il s’agit peut-être de la première tentative connue en sculpture de capturer la libre circulation dans l’espace. Une autre pièce représentative est la figure saisissante d’une déesse brandissant un serpent dans chacune de ses mains levées. Rendue en faïence, la figurine date d’environ 1600 avant notre ère. Ses seins nus représentent son rôle de déesse de la fertilité, et les serpents et le chat sur sa tête sont des symboles de sa domination sur la nature sauvage. Les deux figures se trouvent au Musée archéologique d’Héraklion, en Crète.

Fresques minoennes

Les Minoens décoraient leurs palais avec une véritable fresque (fresque de buon), c’est-à-dire la peinture de pigments de couleur sur du plâtre à la chaux humide sans liant, de sorte que lorsque la peinture est absorbée par le plâtre, elle est fixée et protégée de la décoloration. Fresco secco, qui est l’application de peinture, en particulier pour les détails, sur un plâtre sec a également été utilisé dans tous les palais, tout comme l’utilisation de bas-relief dans le plâtre pour donner un effet tridimensionnel peu profond. Les couleurs utilisées étaient le noir, le rouge, le blanc, le jaune, le bleu et le vert. Il ne subsiste aucun exemple d’effets d’ombrage dans les fresques minoennes, bien que, fait intéressant, la couleur de l’arrière-plan change parfois tandis que les sujets du premier plan restent inchangés. Bien que les Égyptiens n’aient pas utilisé la vraie fresque, certaines conventions de couleurs de leur peinture architecturale ont été adoptées par les Minoens. La peau des hommes est généralement rouge, celle des femmes est blanche et pour les métaux: l’or est jaune, l’argent est bleu et le bronze est rouge.

Des fresques décoraient les murs (dans leur intégralité ou au-dessus des fenêtres et des portes ou sous le dado), les plafonds, les poutres en bois et parfois les sols des complexes de palais. Ils ont d’abord représenté des formes abstraites et des motifs géométriques, puis, plus tard, toutes sortes de sujets allant de la miniature à la taille plus grande que nature. Les scènes de rituels, de processions, de fêtes, de cérémonies et de sports taurins étaient les plus populaires. Encore une fois, les scènes de la nature étaient courantes, en particulier des lys, des iris, des crocus, des roses, et aussi des plantes telles que le lierre et les roseaux. En effet, les Minoens étaient l’une des premières cultures à peindre des paysages naturels sans qu’aucun humain ne soit présent dans la scène; telle était leur admiration pour la nature. Les animaux étaient également souvent représentés dans leur habitat naturel, par exemple des singes, des oiseaux, des dauphins et des poissons. Bien que les fresques minoennes soient souvent encadrées de bordures décoratives de motifs géométriques, la fresque principale elle-même, à l’occasion, dépassait les limites conventionnelles telles que les coins et couvrait plusieurs murs, entourant le spectateur.

Des exemples célèbres de fresques minoennes incluent deux jeunes boxeurs, de jeunes hommes portant des rhytons dans une procession, un groupe de figures masculines et féminines sautant par-dessus un taureau, un griffon assis à grande échelle sur un fond rouge vif et des dauphins nageant au-dessus d’un fond marin d’oursins. Ceux-ci peuvent être vus au Musée Archéologique National d’Athènes, au Musée archéologique d’Héraklion et in situ (reproductions) à Knossos, en Crète.

Bijoux minoens

La technologie de fusion dans l’ancienne Crète a permis le raffinage de métaux précieux tels que l’or, l’argent, le bronze et le bronze plaqué or. Des pierres semi-précieuses ont été utilisées telles que le cristal de roche, la cornaline, le grenat, le lapis-lazuli, l’obsidienne et le jaspe rouge, vert et jaune. L’améthyste était également populaire et importée d’Égypte où elle n’était plus à la mode dans les bijoux, ce qui illustre l’indépendance d’esprit minoenne en matière de matériaux et de design. La faïence, l’émail, la stéatite (stéatite), l’ivoire, la coquille, la pâte de verre et la fritte bleue ou bleue égyptienne (intermédiaire synthétique entre la faïence et le verre) étaient également à la disposition des joailliers minoens.

Les joailliers minoens possédaient le répertoire complet des techniques de travail des métaux (à l’exception de l’émaillage) qui transformaient la matière première précieuse en un éventail stupéfiant d’objets et de dessins. La majorité des pièces ont été construites à la main, mais des objets tels que des bagues ont souvent été fabriqués à l’aide de moules en trois pièces et de la technique de la cire perdue. Des perles étaient parfois fabriquées de cette façon, permettant une certaine production en série de ces articles.

L’or était le matériau le plus prisé et était battu, gravé, gaufré, moulé et perforé, parfois avec des timbres. D’autres techniques comprenaient le point repoussé, le filigrane (fil d’or fin), l’incrustation, le revêtement de feuilles d’or et enfin la granulation, où de minuscules sphères d’or étaient attachées à la pièce principale à l’aide d’un mélange de colle et de sel de cuivre qui, lorsqu’elles étaient chauffées, se transformaient en cuivre pur, soudant les deux pièces ensemble.

Les bijoux ont pris la forme de diadèmes, colliers, bracelets, perles, pendentifs, brassards, bandeaux, ornements de vêtements, épingles à cheveux et ornements de cheveux, pectoraux, chaînes, bagues et boucles d’oreilles. Les bagues méritent une mention spéciale car elles étaient non seulement décoratives mais également utilisées à titre administratif comme scellés. La majorité consistait en une lunette en or ovale légèrement convexe à angle droit par rapport à un cerceau uni, également en or. Les lunettes d’anneau étaient le plus souvent gravées de scènes miniatures détaillées représentant la chasse, les combats, les sauts de taureau, les déesses, les créatures mythologiques, la flore et la faune. Ces chefs-d’œuvre miniatures, comme les fresques et la décoration en poterie, illustrent le penchant minoen pour remplir toute la surface disponible même si les figures devaient être déformées pour être accommodées. Un autre domaine du joaillier et graveur crétois était décoré d’armes telles que des lames d’épée, des poignées et des pommeaux gravés de figures.

Deux des plus beaux bijoux minoens sont des pendentifs, l’un d’une paire d’abeilles et l’autre représentant une figure tenant des oiseaux. Le premier a été trouvé à Malia et se présente sous la forme de deux abeilles (peut-être aussi des guêpes ou des frelons) rendues avec beaucoup de détails et de réalisme, serrant entre elles une goutte de miel qu’elles s’apprêtent à déposer dans un nid d’abeilles circulaire granulé. Au-dessus des abeilles se trouve une cage sphérique en filigrane renfermant une sphère solide, et au-dessous du pendentif pendent trois disques circulaires découpés décorés de filigrane et de granulation. Le second pendentif, communément appelé pendentif du Maître des Animaux, provient d’Égine, bien que des recherches aient montré qu’il était d’origine crétoise et très probablement pillé à l’époque mycénienne. Le pendentif se compose de ce qui semble être un dieu de la nature ou un prêtre tenant le cou d’un oiseau d’eau ou d’une oie dans chaque main et vêtu d’un costume typique minoen – ceinture, pagne et gaine frontale. Cinq disques sont suspendus à la base du pendentif.

Héritage

Les artistes minoens ont grandement influencé l’art d’autres îles méditerranéennes, notamment Rhodes et les Cyclades, en particulier Théra. Des artistes minoens étaient eux-mêmes employés en Égypte et au Levant pour embellir les palais des souverains. Les Minoens ont également fortement influencé l’art de la civilisation mycénienne ultérieure basée sur la Grèce continentale. Les potiers, les bijoutiers et les peintres de fresques mycéniens, en particulier, ont copié les techniques, les formes et les dessins minoens, bien qu’ils aient rendu leur vie marine, par exemple, beaucoup plus abstraite, et leur art, en général, comprenait beaucoup plus de thèmes martiaux et de chasse.

Comme pour les temps ultérieurs de la Grèce archaïque et classique, l’influence de l’art minoen puis mycénien est difficile à retracer avec des exemples concrets. Les Grecs ultérieurs étaient certainement conscients de l’héritage de leurs ancêtres en mer Égée; les tombes de Tholos et la citadelle de Mycènes n’ont jamais été enterrées de vue, par exemple. Les représentations de doubles haches (ou labrys) en pierre et en fresque ont peut-être donné naissance à la légende de Thésée et au Minotaure labyrinthique si populaire dans la mythologie grecque classique. L’héritage durable des Minoens, cependant, est mieux décrit ici par l’historien de l’art R. Higgins:

Peut-être que la plus grande contribution de l’Âge du Bronze à la Grèce classique était quelque chose de moins tangible; mais très probablement hérité: une attitude d’esprit qui pourrait emprunter les arts formels et hiératiques de l’Orient et les transformer en quelque chose de spontané et de joyeux; un mécontentement divin qui a conduit le grec à développer et à améliorer son héritage. (Higgins, 190)