La pratique artistique de Faith Ringgold est extrêmement variée – de la peinture aux courtepointes, des sculptures et de l’art de la performance aux livres pour enfants. En tant qu’éducatrice, elle a enseigné à la fois dans le système scolaire public de New York et au niveau collégial. En 1973, elle quitte l’enseignement de l’école publique pour se consacrer à plein temps à la création artistique.
PaintingEdit
Ringgold a commencé sa carrière de peintre dans les années 1950 après avoir obtenu son diplôme. Ses premières œuvres sont composées de figures et de formes plates. Elle s’est inspirée des écrits de James Baldwin et Amiri Baraka, de l’art africain, de l’impressionnisme et du cubisme pour créer les œuvres qu’elle a réalisées dans les années 1960.Bien qu’elle ait reçu beaucoup d’attention avec ces images, beaucoup de ses premières peintures se sont concentrées sur le racisme sous-jacent dans les activités quotidiennes; ce qui rendait les ventes difficiles et inquiétait les galeries et les collectionneurs.: 41 Ces œuvres étaient également basées sur la politique et reflétaient ses expériences de croissance pendant la Renaissance de Harlem – des thèmes qui ont mûri pendant le Mouvement des droits civiques et le mouvement des femmes.:8
S’inspirant de l’artiste Jacob Lawrence et de l’écrivain James Baldwin, Ringgold a peint sa première collection politique nommée the American People Series en 1963, qui dépeint le mode de vie américain en relation avec le mouvement des droits civiques. La série American People illustre ces interactions raciales d’un point de vue féminin et remet en question les problèmes raciaux fondamentaux en Amérique.: 145 Dans un article publié en 2019 dans le magazine Hyperallergic, Ringgold a expliqué que son choix pour une collection politique venait de l’atmosphère turbulente qui l’entourait: « (… ) c’était dans les années 1960 et je ne pouvais pas faire comme si tout allait bien. Je ne pouvais pas peindre de paysages dans les années 1960 – il se passait trop de choses. C’est ce qui a inspiré la série American People. » Cette révélation provient du rejet de son travail par Ruth White, galeriste à New York. Les peintures à l’huile comme Pour les Membres seulement, Les Voisins, Regarder et Attendre, et le Triangle des Droits civils incarnent également ces thèmes.
En 1972, dans le cadre d’une commande parrainée par le Programme de service public des artistes créatifs, Ringgold installa la Maison des femmes dans le Centre pour femmes de Rikers Island. La fresque murale à grande échelle est une œuvre anti-carcérale, composée de représentations de femmes occupant des rôles professionnels et de fonctionnaires, représentant des alternatives positives à l’incarcération. Les femmes représentées sont inspirées de vastes entretiens que Ringgold a menés avec des détenues, et le dessin divise les portraits en sections triangulaires – faisant référence aux textiles Kuba de la République démocratique du Congo. C’était sa première commande publique et largement considérée comme sa première œuvre féministe. Par la suite, l’œuvre a inspiré la création d’Art Sans murs, une organisation qui apporte de l’art dans les prisons.
Autour de l’ouverture de son spectacle pour les Américains, Ringgold a également travaillé sur sa collection intitulée America Black (également appelée série Black Light) dans laquelle elle a expérimenté des couleurs plus sombres. Cela a été stimulé par son observation que « l’art occidental blanc était axé sur la couleur blanche et la lumière / contraste / clair-obscur, tandis que les cultures africaines, en général, utilisaient des couleurs plus sombres et mettaient l’accent sur la couleur plutôt que sur la tonalité pour créer du contraste. Cela l’a amenée à poursuivre « une esthétique noire plus affirmative ».:162-164 Sa série sur le peuple américain s’est terminée par des peintures murales à plus grande échelle, telles que Le Drapeau Saigne, le Timbre-poste américain Commémorant l’Avènement du Pouvoir noir et Die. Ces peintures murales lui ont donné une perspective plus fraîche et plus forte pour ses œuvres futures.
Sa pièce, Flag for the Moon, devait être achetée par la banque Chase Manhatten jusqu’à ce que les représentants envoyés pour acheter une pièce de Ringgold réalisent l’écriture sur la pièce qui composait les départs et les rayures du drapeau américain qu’il représentait dit « DIE N **** R ». Les représentants sont revenus et ont acheté Black Light #9: American Spectrum.
Dans la Collection française, une série à plusieurs panneaux qui aborde les vérités et les mythologies du modernisme, Ringgold a exploré une solution différente pour surmonter le douloureux héritage historique des femmes et des hommes d’ascendance africaine. La France étant à l’époque le berceau de l’art moderne, elle est également devenue la source pour les artistes afro-américains de trouver leur propre identité « moderne ».:2
Au cours des années 1970, elle a également réalisé une affiche « Free Angela » pour les Black Panthers, bien qu’elle n’ait jamais été largement produite Ringgold a déclaré qu’elle en avait donné une copie à Angela Davis elle-même.
Courtepointsmodifier
Ringgold a déclaré qu’elle est passée de la peinture au tissu pour s’éloigner de l’association de la peinture avec les traditions occidentales / européennes. De même, l’utilisation de la courtepointe lui a permis de défendre le mouvement féministe car elle pouvait simplement enrouler ses courtepointes pour les emmener à la galerie, niant ainsi le besoin de toute aide de son mari.
En 1972, Ringgold voyage en Europe à l’été 1972 avec sa fille Michele. Pendant que Michele est allée rendre visite à des amis en Espagne, Ringgold a continué en Allemagne et aux Pays-Bas. À Amsterdam, elle a visité le Rijksmuseum, qui est devenu l’une des expériences les plus influentes affectant son travail de maturité, et a ensuite conduit au développement de ses peintures de courtepointe. Dans le musée, Ringgold a rencontré une collection de peintures népalaises des 14e et 15e siècles, qui l’ont inspirée à produire des bordures de tissu autour de son propre travail.
À son retour aux États-Unis, une nouvelle série de peintures voit le jour : La Série Des viols d’esclaves. Dans ces œuvres, Ringgold a pris le point de vue d’une femme africaine capturée et vendue en esclavage. Sa mère, Willi Posey, a collaboré avec elle sur ce projet, car Posey était une couturière et une couturière populaire de Harlem dans les années 1950 et a enseigné à Ringgold comment faire de la courtepointe dans la tradition afro-américaine. Cette collaboration a finalement conduit à leur première courtepointe, Echoes of Harlem, en 1980.: 44-45 Ringgold a également appris l’art de la courtepointe dans un style afro-américain par sa grand-mère, qui l’avait à son tour appris de sa mère, Susie Shannon, qui était une esclave.
Ringgold a matelassé ses histoires pour qu’elles soient entendues, car à l’époque, personne ne publierait l’autobiographie sur laquelle elle travaillait; rendant son travail à la fois autobiographique et artistique. Dans une interview avec le Crocker Art Museum, elle a déclaré: « En 1983, j’ai commencé à écrire des histoires sur mes courtepointes comme alternative. De cette façon, quand mes courtepointes étaient accrochées pour regarder, ou photographiées pour un livre, les gens pouvaient toujours lire mes histoires. »Sa première histoire de courtepointe Qui a peur de Tante Jemima? (1983) dépeint l’histoire de Tante Jemima en tant que restauratrice matriarche et révise fictionnellement « le stéréotype féminin noir le plus décrié. » Une autre pièce, intitulée Change: La Courtepointe (1986) de Faith Ringgold, une performance de perte de poids de plus de 100 livres, aborde le sujet d' »une femme qui veut se sentir bien dans sa peau, luttant contre les normes culturelles de la beauté, une personne dont l’intelligence et la sensibilité politique lui permettent de voir les contradictions inhérentes à sa position, et quelqu’un qui est inspiré pour prendre tout le dilemme dans une œuvre d’art ».: 9
La série de courtepointes narratives de la Collection française de Ringgold se concentre sur les femmes afro-américaines historiques qui se sont consacrées à changer le monde (L’Abeille courtepointe aux Tournesols à Arles). Il appelle et redirige également le regard masculin, et illustre le pouvoir immersif de la fantaisie historique et de la narration imaginative enfantine. Beaucoup de ses courtepointes ont ensuite inspiré les livres pour enfants qu’elle a ensuite réalisés, tels que Dinner at Aunt Connie’s House (1993) publié par Hyperion Books, basé sur The Dinner Quilt (1988).
SculptureEdit
En 1973, Ringgold commence à expérimenter la sculpture comme un nouveau médium pour documenter sa communauté locale et ses événements nationaux. Ses sculptures vont des masques costumés aux sculptures douces suspendues et autoportantes, représentant des personnages réels et fictifs de son passé et de son présent. Elle a commencé à fabriquer des masques costumés en techniques mixtes après avoir entendu ses élèves exprimer leur surprise de ne pas avoir déjà inclus les masques dans sa pratique artistique.: 198 Les masques étaient des morceaux de toile de lin peints, perlés et tissés de raphia pour les cheveux, et des morceaux de tissu rectangulaires pour les robes avec des gourdes peintes pour représenter les seins. Elle a finalement réalisé une série de onze costumes de masque, appelée the Witch Mask Series, dans une deuxième collaboration avec sa mère. Ces costumes pourraient également être portés, mais conféreraient au porteur des caractéristiques féminines, telles que les seins, le ventre et les hanches. Dans ses mémoires We Flew Over the Bridge, Ringgold note également que dans les rituels traditionnels africains, les porteurs du masque seraient des hommes, malgré les traits féminins du masque.: 200 Dans cette série, cependant, elle voulait que les masques aient à la fois une « identité spirituelle et sculpturale »,: 199le double objectif était important pour elle: les masques pouvaient être portés et n’étaient pas uniquement décoratifs.
Après la série des masques de sorcière, elle passe à une autre série de 31 masques, la série Family of Woman Mask en 1973, qui commémore les femmes et les enfants qu’elle avait connus enfant. Plus tard, elle a commencé à fabriquer des poupées avec des têtes de gourdes peintes et des costumes (également fabriqués par sa mère, ce qui l’a ensuite amenée à des sculptures douces grandeur nature). La première de cette série était sa pièce, Wilt, une sculpture de portrait de 7’3″ du basketteur Wilt Chamberlain. Elle a commencé par Flétrir en réponse à certains commentaires négatifs que Chamberlain a faits sur les femmes afro-américaines dans son autobiographie. Wilt met en scène trois personnages, le basketteur avec une femme blanche et une fille mixte, deux personnages fictifs. Les sculptures avaient des têtes de coquilles de noix de coco cuites et peintes, des corps en mousse et en caoutchouc anatomiquement corrects recouverts de vêtements et suspendus au plafond sur des lignes de pêche invisibles. Ses sculptures douces ont encore évolué en « masques de portrait » grandeur nature, représentant des personnages de sa vie et de sa société, des habitants inconnus de Harlem à Martin Luther King Jr. Elle a sculpté des visages en mousse en ressemblances qui ont ensuite été peintes à la bombe – cependant, dans ses mémoires, elle décrit comment les visages ont ensuite commencé à se détériorer et ont dû être restaurés. Elle l’a fait en recouvrant les visages de tissu, en les moulant soigneusement pour préserver la ressemblance.
Art de la performancedit
Comme de nombreuses sculptures de masques de Ringgold pouvaient également être portées comme costumes, sa transition de la fabrication de masques à l’art de la performance était une « progression naturelle » auto-décrite.: 206 Bien que les performances artistiques aient été abondantes dans les années 1960 et 70, Ringgold s’est plutôt inspiré de la tradition africaine consistant à combiner contes, danse, musique, costumes et masques en une seule production.:238 Sa première pièce impliquant ces masques était The Wake and Resurrection of the Bicentennial Negro. L’œuvre était une réponse aux célébrations du Bicentenaire américain de 1976; un récit de la dynamique du racisme et de l’oppression de la toxicomanie. Elle exprime l’opinion de nombreux autres Afro–Américains – il n’y avait « aucune raison de célébrer deux cents ans d’indépendance américainefor pendant près de la moitié de cette période, nous avions été en esclavage ».: 205 La pièce a été jouée en mime avec de la musique et a duré trente minutes, et incorporait bon nombre de ses peintures, sculptures et installations passées. Elle a ensuite produit de nombreuses autres pièces de performance, y compris une pièce de performance autobiographique solo intitulée Being My Own Woman: Une pièce de performance masquée autobiographique, une performance d’histoire masquée située pendant la Renaissance de Harlem appelée The Bitter Nest (1985), et une pièce pour célébrer sa perte de poids appelée Change: Quilt d’histoire de performance de perte de poids de plus de 100 livres de Faith Ringgold (1986). Chacune de ces pièces était multidisciplinaire, impliquant des masques, des costumes, des courtepointes, des peintures, des contes, des chants et des danses. Beaucoup de ces performances étaient également interactives, car Ringgold encourageait son public à chanter et à danser avec elle. Elle décrit dans son autobiographie, We Flew Over the Bridge, que ses pièces de performance n’étaient pas destinées à choquer, à dérouter ou à mettre en colère, mais plutôt « simplement une autre façon de raconter mon histoire ».: 238
PublicationsEdit
Ringgold a écrit et illustré 17 livres pour enfants. Son premier était Tar Beach, publié par Crown en 1991, basé sur son histoire de courtepointe du même nom. Pour ce travail, elle a remporté le Prix Ezra Jack Keats du Nouvel écrivain et le Prix Coretta Scott King pour l’illustration. Elle a également été finaliste de la Médaille Caldecott, le premier prix de l’American Library Association pour l’illustration de livres d’images. Dans ses livres d’images, Ringgold aborde les questions complexes du racisme de manière simple et pleine d’espoir, combinant fantaisie et réalisme pour créer un message édifiant pour les enfants.