Guide de la photographie de mode

L’industrie de la mode est un secteur de plusieurs milliards de dollars qui couvre la production, le design et les ventes à différents niveaux. La plupart d’entre eux utilisent la photographie d’une manière ou d’une autre.

Lorsque vous pensez à la photographie de mode, votre esprit peut passer d’un modèle marchant sur le podium à un autre portant des costumes surréalistes tout en étant coincé dans une sphère de verre.

Aucune de ces images ne serait fausse. C’est l’un des domaines les plus importants et les plus divers de la photographie.

C’est pourquoi il est divisé en plusieurs sous-genres et chacun nécessite des compétences, des équipements et un budget différents.

Cela va de la photographie de produits de mode pour des campagnes publicitaires à la création d’images de haute couture plus proches des beaux-arts.

Dans cet article, vous trouverez une introduction au vaste monde de la photographie de mode.

Qu’est-ce que la Photographie de mode ?

En termes simples, c’est un genre photographique qui tourne autour du monde de la mode.

D’une manière générale, la photographie de mode couvre tout, des défilés aux catalogues de marques, en passant par la publicité, les portefeuilles de modèles, les shootings éditoriaux, etc.

Cette diversité signifie qu’il n’y a rien de simple. Une autre chose à considérer est que le genre de la mode se confond fortement avec d’autres types de photographie, y compris les beaux-arts, le portrait et la photographie de produits.

Tout au long de cet article, je vais essayer de le décomposer en définissant des sous-genres, en vous donnant des exemples de photographes de mode et en vous donnant quelques conseils pour améliorer votre travail de photographe de mode.

Quels sont les Types de Photographie de Mode?

Parce que c’est un domaine si vaste de la photographie, cela aide à diviser le genre de la mode en différents types. En tant que photographe de mode, vous pouvez vous concentrer sur un seul ou plusieurs d’entre eux.

Chaque type a une portée différente et cela déterminera ce dont vous avez besoin et comment vous le faites. Voici quelques-uns des plus grands.

1. Photographie de Haute Couture

De tous les genres photographiques commerciaux qui poussent à la limite de la photographie d’art, c’est le plus notoire. Les photographes de mode sont souvent présentés dans des expositions de musées et sont renommés dans le monde entier.

Dans la photographie de haute couture, vous ne vous contentez pas de vendre ou de mettre en valeur les vêtements, mais aussi la vision créative et le style des maisons de couture.

Vous pouvez laisser la réalité derrière vous et vous déchaîner car ce type de photographie nécessite généralement une grande production.

Les stars sont souvent des top models ou des acteurs et actrices célèbres. Le concept principal ici est de mettre en valeur les idées et les compétences de toutes les parties créatives impliquées: le créateur de mode, bien sûr, mais aussi les maquilleurs et les coiffeurs – et n’oubliez pas, les vôtres.

Pour prendre ce type d’image, vous devez utiliser un appareil photo plein format, ou même un format moyen si possible. En effet, ce sont des productions à budget élevé où la qualité doit être la meilleure, quel que soit le coût.

Souvent, ces photographies sont imprimées pour des expositions d’art ou des livres haut de gamme qui nécessitent également un haut niveau de détail et de résolution pour maintenir la qualité de l’impression.

Considérez cette séance photo comme une production cinématographique. Il ne s’agit pas de convaincre l’acheteur moyen d’obtenir cette paire de jeans, mais de mettre en valeur ce que vous êtes capable de faire.

Il y a toute une équipe de professionnels qui collaborent pour que le concept se réunisse et affiche le chef-d’œuvre final.

Pour cette raison, vous devez avoir un bon réseau et une bonne équipe. Vous travaillerez probablement avec une configuration d’éclairage et des accessoires complexes.

Enfin et surtout, vous devrez envisager la post-production pour terminer le look, ou ajouter des effets spéciaux selon le projet.

2. Photographie de Mode Éditoriale

Parfois, l’éditorial est confondu avec la haute couture en raison du style et de la production nécessaires à la narration, mais ce type de photographie est généralement plus accessible au spectateur.

L’éditorial peut être similaire à la photographie de style de vie, et il est souvent ambitieux. Le modèle dépeint un rôle et porte une mode que vous pourriez ne pas utiliser tous les jours mais que vous aimeriez posséder.

La photographie de mode éditoriale est ainsi nommée parce qu’elle est présentée dans des livres et des magazines de mode / photographie. Les shootings éditoriaux peuvent raconter l’histoire d’un produit ou d’une marque, fournir un récit ou illustrer une tendance actuelle.

Le processus avant la prise de vue est important, et vous devrez peut–être rencontrer le client pour comprendre ce qu’il veut que vous disiez avec vos photos – c’est ce qu’on appelle un briefing.

Les séances photo ont souvent lieu sur place au lieu d’un studio et l’atmosphère peut être très différente de l’une à l’autre. Vous devez vous assurer qu’ils correspondent à l’ambiance que vous voulez pour l’histoire.

Si vos photos sont prises en studio, elles doivent être configurées avec différents accessoires et vos compétences en éclairage doivent vraiment briller. Non pas parce que le cadre doit être très complexe à chaque fois, mais parce qu’il doit transmettre un message.

3. Photographie de Mode de Rue

La photographie de mode de rue, également connue sous le nom de photographie de style de rue, concerne le monde réel; ce que les gens portent et comment ils le coiffent.

Vous pouvez voir ces types d’images sur Instagram et d’autres canaux de médias sociaux. Vous pouvez également les trouver dans des magazines de mode présentant des articles sur ce qui est « dans » pour cette saison ou des guides « comment porter x ».

La photographie de mode de rue a commencé comme un sous-genre de la photographie de rue, où les gens étaient capturés dans leur vie quotidienne, en mettant l’accent sur la mise en évidence de leur sens unique du style personnel.

Avec le temps, le style de rue est devenu plus axé sur la capture des tenues portées par la foule de la mode lors d’événements majeurs comme les semaines de la mode.

Avec la prise de conscience des sujets sous les projecteurs, ils ont commencé à s’habiller spécialement pour attirer l’attention des photographes de street style, et le genre s’est éloigné de la franchise pour être plus posé. Mise en scène, même.

Si vous êtes intéressé par la photographie de mode de rue, décidez si vous voulez vous concentrer sur des photos naturelles et franches de personnes réelles dans les rues, ou sur les séances photo plus mises en scène qui ont lieu à l’extérieur donnant l’apparence de se passer dans la vie quotidienne.

De toute façon, il peut s’agir d’un genre intéressant mais exigeant dans lequel travailler.

4. Catalogue Photographie de Mode

La photographie de catalogue de mode est un type de photographie de produit. Son but est de montrer les articles de mode de manière claire et attrayante afin que les gens puissent avoir une idée de leur apparence et de leur forme avant d’acheter.

Habituellement, la séance photo se fait dans un studio avec un fond neutre. De cette façon, rien ne détourne votre attention de la mode.

Il existe différentes configurations d’éclairage déjà populaires pour ce type de photographie. Cela ne signifie pas que vous ne pouvez pas innover ou avoir votre propre style, mais il y a moins de licence créative pour cela.

De grandes boîtes à lumière peuvent être très utiles pour garder tout bien éclairé et montrer les détails et les matériaux des vêtements.

Évitez d’utiliser des objectifs grand angle qui peuvent déformer le corps. Quelque chose entre 50 mm et 70 mm devrait très bien fonctionner.

Les téléphones sont ok, mais si vous avez besoin de photographier tout le corps, vous auriez besoin d’un immense studio, ils deviennent donc peu pratiques.

La pose devient assez centrale dans la photographie de catalogue car le modèle n’a pas d’accessoires ou d’action à représenter.

Vous devez communiquer clairement avec eux et créer une atmosphère confortable. Soyez prêt avec différentes poses que vous voulez; consultez de nombreux magazines et même Pinterest pour vous inspirer.

Portez une attention particulière aux mains car elles sont l’une des parties les plus difficiles à poser d’une manière qui semble naturelle.

Les choses simples peuvent aller très loin: par exemple, ayez votre modèle avec une bouche légèrement ouverte car cela rendra le visage détendu.

Gardez à l’esprit que vous faites un catalogue de mode et non un portrait, alors mettez en valeur et accentuez les vêtements.

Si une chemise a un design spécial sur le dos, par exemple, demandez au modèle de se retourner et de vous regarder par-dessus son épaule.

5. Photographie de Mode de Piste

Beaucoup ne considèrent pas cela comme un type de photographie de mode car il est plus proche d’un photoreporter documentant un événement.

En photographie de piste, vous ne contrôlez pas l’éclairage, le réglage ou les modèles – c’est pourquoi les compétences sont très différentes de tout autre sous-genre.

Vous devez être flexible à toutes les conditions que vous trouvez et être capable de penser debout car il s’agit d’un environnement au rythme rapide.

En termes de vitesse, vous aurez besoin d’un objectif très rapide pour capturer le mouvement des modèles dans des conditions de faible luminosité.

La distance focale dépendra de ce que vous photographiez, car la photographie de piste peut incorporer tout, des plans atmosphériques aux tenues intégrales, aux cultures de trois quarts et aux photos de détail d’accessoires.

Parce que les photographes de piste ont souvent besoin de capturer un mélange de ceux-ci, les zooms sont préférables aux nombres premiers.

Les fosses de presse pour défilés de mode sont notoirement petites et emballées, il peut donc être difficile de mettre en place un trépied. Un monopode peut être une excellente alternative.

De toute façon, vous aurez besoin d’un moyen de stabiliser votre équipement – sinon, vos bras se fatigueront et il vous sera presque impossible de capturer des tirs clairs.

6. Photographie de Lookbook

Un look book est un petit livre (de nos jours bien sûr, il peut être numérique et interactif) qui dépeint la dernière collection d’un designer.

Il sert à présenter aux acheteurs potentiels (ou aux transporteurs, lorsqu’on parle de magasins) les articles de la nouvelle saison de la marque.

Les lookbooks sont différents des catalogues en ce qu’ils affichent les vêtements dans un contexte. Ici, les séances photo vendent chaque collection avec un concept ou une idée.

Pour ce faire, le styliste met en place un look complet à vendre et le photographe doit transmettre l’humeur et la personnalité de la tenue.

Cela peut être fait en studio avec les accessoires et le style appropriés, ou vous pouvez vous rendre sur place. Il n’y a pas de caméra, d’objectif ou de paramètres appropriés pour celui-ci car il existe une grande variété de livres de look.

Certaines marques et créateurs font toujours la version imprimée, surtout s’ils viennent de la mode haut de gamme où la qualité est importante et le budget n’est pas un problème.

D’autres font des lookbooks uniquement pour une utilisation en ligne sur leurs sites Web ou leur commerce électronique. L’équipement dont vous avez besoin dépend du style qu’ils recherchent.

La meilleure façon d’aborder cela est d’avoir le premier briefing, puis d’esquisser un plan d’action pour cela.

7. Photographie de Mode Publicitaire

Comme pour la photographie de catalogue, la photographie de mode publicitaire traite les vêtements et les accessoires comme des produits.

Les campagnes publicitaires de mode peuvent consister en une seule image ou plusieurs, et peuvent aller de clichés de produits super simples à des shootings complexes mettant en vedette des top models ou des célébrités.

Vous avez sans doute déjà vu de nombreuses photos de campagnes de mode, peut-être sous forme de publicités d’abribus, de magazines de mode ou de publications sponsorisées sur Facebook.

La façon dont vous abordez les tournages publicitaires dépendra du client et de la manière dont il souhaite transmettre son message de marque.

Une campagne publicitaire pour un sac à main peut être une simple prise de vue du sac sur un fond neutre, ou elle peut être incorporée dans une image provocante et enveloppante qui fait parler les gens.

En tant que tel, l’équipement et l’équipe créative dont vous avez besoin peuvent varier considérablement d’une campagne à l’autre.

8. Photographie Glamour

Ce type de photographie se situe entre la mode et la photographie de portrait. Il s’agit de mettre en valeur la beauté du modèle.

Les cheveux, le maquillage et le style ne sont pas l’objectif principal, mais ils doivent améliorer les caractéristiques du modèle. En règle générale, ces séances photo sont faites comme un portfolio pour le modèle afin de montrer sa polyvalence.

La séance peut avoir lieu sur place ou dans un studio (ou même dans un bain de lait !), tant que vous prenez le contrôle de l’éclairage. La configuration que vous choisissez doit compléter les attributs du modèle. L’angle de vue est également important pour y parvenir.

Poser devient crucial dans la photographie glamour, alors assurez-vous d’avoir quelques poses en tête à l’avance. Il peut être utile d’apporter des images de référence d’un magazine de mode pour montrer les modèles.

11 Photographes de Mode Célèbres

La première fois que quelqu’un a utilisé la photographie dans la mode, c’était à la cour de Napoléon III au milieu des années 1800. Mais elle n’a jamais vraiment prospéré avant la fin du siècle et le début des années 1900.

La popularisation de ce type de photographie est venue par le biais de magazines de mode comme Vogue et Harper’s Bazaar. Le premier photographe de mode officiel fut le baron Adolph de Meyer, engagé comme tel par le magazine Vogue en 1913.

Depuis lors, il y a eu une longue liste de photographes de mode qui méritent d’être mentionnés – beaucoup trop nombreux pour être explorés ici.

C’est pourquoi il s’agit d’une liste restreinte juste pour susciter votre intérêt.

1. Martin Munkácsi – photographe hongrois, 1896 – 1963.

Beaucoup le considèrent comme le père de la photographie de mode. Avant lui, la mode était photographiée en studio avec des mannequins utilisés comme mannequins. Puis, en 1933, il capture l’image qui va révolutionner la photographie de mode en faisant un genre dynamique et passionnant. Le célèbre cliché était celui de Lucile Brokaw courant sur la plage et a été publié par Harper’s Bazaar.

2. Helmut Newton – Photographe germano-australien, 1920-2004.

L’un des plus grands auteurs de la photographie de mode qui a transformé le genre en art. Il y a eu des expositions personnelles de son travail dans plusieurs musées à travers le monde. Il n’avait pas besoin de la caméra la plus récente ni d’un énorme équipement technique; la marque qu’il a laissée dans l’histoire de la photographie était basée sur sa créativité et son travail portait principalement sur le modèle et le lieu.

3. David LaChapelle – Photographe américain, 1963.

Contrairement au style de Newton, David LaChapelle crée des productions grandioses souvent inspirées de l’histoire de l’art. Son expérience de vidéaste l’aide à gérer des éclairages et des décors complexes, ainsi que la direction de plusieurs maquettes.

4. Mario Testino – Photographe péruvien, 1954.

Son travail a été présenté dans plusieurs magazines de mode et il a créé l’image de nombreuses marques de mode. Il souhaite apporter expression et réalisme à ses photographies de mode. Il a réussi à atteindre l’équilibre entre les affaires et l’art sur la scène de la mode.

5. Oliviero Toscani – Photographe italien, 1942.

C’est un cas où le nom de la marque et le nom du photographe vont de pair. On ne peut imaginer la marque italienne Benetton sans penser à l’une de ses photos. Il a remis en question tous les stéréotypes sur la photographie de mode en présentant des campagnes abordant des problèmes sociaux tels que le racisme et la guerre. Les campagnes publicitaires qu’il a créées ont peut-être été controversées mais elles l’ont définitivement positionné dans l’histoire de la photographie de mode.

6. Frances McLaughlin-Gill – Photographe américaine, 1919 – 2014.

Elle est la première femme photographe de mode engagée par Vogue après avoir remporté le concours photo Vogue Prix de Paris en 1943. La dynamique et la gestion du décor et des modèles ont fait passer son travail au théâtre et plus tard au cinéma.

7. Ellen von Unwerth – Photographe allemande, 1954.

Après avoir été mannequin pendant dix ans, Unwerth a décidé de passer de l’autre côté de l’objectif. Elle est devenue photographe de mode et dépeint toujours ses modèles comme des femmes fortes et sûres d’elles.

8. Richard Avedon – Photographe américain, 1923 – 2004.

Son travail en photographie de portrait était caractéristique en raison de l’émotion captée par ses sujets. En tant que photographe de mode, il a travaillé avec des acteurs et actrices célèbres et s’est fait connaître grâce à son travail pour Dior. Sa photographie de mode la plus célèbre est « Dovima avec des éléphants » représentant une robe Dior réalisée en 1955.

9. Natalie Lennard Alias Miss Aniela – Photographe britannique 1986.

Elle a amené la photographie de haute couture dans le monde surréaliste comme aucun autre photographe. Ses images et ses compositions transforment la réalité en rêve, avec des robes qui se transforment en vol d’oiseaux, ou des vagues qui se transforment en robe. La série primée de Miss Aniela la place entre les beaux-arts et la photographie de mode contemporaine.

10. Nick Knight – Photographe britannique, 1958.

Connu pour son travail expérimental, il a fondé SHOWstudio avec l’idée de montrer « tout le processus créatif, de la conception à la réalisation ». Il est répertorié dans le BoF 500 (un indice pour ceux qui façonnent l’industrie de la mode). Ses shootings de mode défient définitivement les idées de beauté et de convention.

11. Zhang Jingna – Photographe sino-singapourien, 1988.

Elle a commencé comme créatrice de mode avec un passe-temps de photographie. Plus tard, elle a décidé de devenir photographe à temps plein et s’est fait un nom très tôt. Elle fait de la rédaction de mode pour des magazines tels que Vogue, Elle et Harper’s Bazar. Elle a également traversé le monde de l’art en présentant de nombreuses expositions personnelles, dont la première exposition de rue de photographie de mode à Singapour en 2010.

8 Conseils de Photographie de Mode

Certains conseils de photographie sont liés à un sous-genre spécifique – j’en ai mentionné certains dans chaque catégorie ci-dessus. Maintenant, je veux vous donner quelques conseils qui s’appliquent à toute la photographie de mode.

1. Respectez le modèle

Peu importe le type de photographie que vous faites, vous devez toujours traiter votre modèle avec respect.

Parfois, il semble plus facile de « montrer » à votre modèle ce que vous voulez dire en les saisissant, mais vous ne devez jamais la toucher sans lui demander au préalable.

Il n’est pas nécessaire que ce soit une interaction approximative pour qu’elle soit inconfortable et non professionnelle. Même placer vos mains sur leurs épaules pour les faire pivoter de quelques degrés s’immisce dans leur espace personnel.

Commencez par expliquer et communiquer ce que vous avez en tête. Une autre solution plus visuelle consiste à vous mettre en position de démontrer exactement ce que vous voulez.

Si aucune de ces techniques ne fonctionne, demandez au modèle la permission de les toucher.

2. La communication est la clé

La photographie de mode sous presque toutes ses formes est un travail d’équipe. Pour commencer, le modèle doit toujours être clair sur ce qui est attendu.

Le designer, le coiffeur, le maquilleur et tous les autres membres de l’équipe doivent être sur la même longueur d’onde. Avant le tournage, chacun devrait pouvoir faire son travail et s’assurer que sa partie est prête.

En tant que photographe, vous êtes en charge de coordonner tout le monde pour que l’image finale soit ce que vous avez décidé de créer.

3. Obtenir des versions

Les licences, les permis et les accords de droits d’auteur sont des choses très compliquées. Des versions de modèles aux contrats de concepteur, vous devriez toujours être couvert.

La version modèle est le type de permis le plus courant. Il indique qu’ils acceptent d’être photographiés puis publiés.

Cela peut être très élaboré – par ex. décrivant les utilisations spécifiques des photographies pendant une période de temps limitée – ou très simple et générique.

Il est important de trier vos versions et accords dès le départ.

Notez que non seulement les modèles doivent signer une version – tout ce qui apparaît sur votre photo et qui est soumis au droit d’auteur doit être explicitement autorisé par le droit du propriétaire.

Par exemple, si vous faites une séance photo où un gratte-ciel célèbre est en arrière-plan, vous devrez peut-être également obtenir l’autorisation de l’architecte.

Si vous faites les photos pour un magazine ou le modèle et non pour la marque de mode elle-même, vous devrez peut-être obtenir leur autorisation pour utiliser leurs vêtements dans vos photographies.

Si vous n’êtes pas sûr, il est toujours préférable d’être du bon côté et d’obtenir des conseils juridiques.

4. Restez à jour

La première chose que vous devez faire est d’en savoir plus sur les paramètres de l’appareil photo, les lumières, la façon de poser, etc. Mais une fois que vous connaissez les bases, vous devez continuer à apprendre ce qu’il y a dedans.

Vous ne devriez jamais supposer que les photos réussies que vous avez faites auparavant continueront d’être bonnes demain.

La mode est une industrie en évolution rapide et les tendances changent continuellement. Les principes photographiques seront les mêmes, mais ils doivent être appliqués de manière nouvelle et passionnante.

Restez à jour avec les techniques d’éclairage, les styles de post-traitement, même les poses changeantes des modèles.

Certaines des poses « non naturelles » qui apparaissent aujourd’hui dans la photographie de mode étaient impensables dans le passé. Il y a même un compte Instagram qui présente ces images avec ironie et humour appelé « Modelos con ciática » (se traduit littéralement par des modèles atteints de sciatique).

En parlant de cela, Instagram et Pinterest sont un puits d’inspiration sans fond. Ils sont un excellent moyen de rester à jour sur ce qui est « dedans ».

Suivez toutes les grandes marques et magazines mais recherchez également les comptes des modèles qui présenteront leurs derniers travaux et portefeuilles.

Recherchez quelques-uns des nombreux comptes organisés qui recherchent les meilleures images sur Internet, ce qui vous permet d’économiser beaucoup de travail.

Et ne sous-estimez pas les médias imprimés. Oui, nous vivons à l’ère du numérique, mais prendre un magazine de mode peut toujours être un excellent moyen de trouver l’inspiration au lieu de se perdre dans une mer d’images.

5. Renouveler votre portefeuille

Toujours dans l’idée de rester à jour, votre portefeuille est quelque chose que vous devriez absolument renouveler souvent.

Il est facile de penser qu’un portfolio devrait montrer votre historique. Dites au client que vous êtes dans l’entreprise depuis longtemps et cela devrait lui donner confiance.

Mais au–delà de cela, rappelez-vous que les styles changent – pas seulement dans la mode mais aussi dans la photographie.

Pour vendre votre travail à des clients potentiels, ils doivent voir ce que vous pouvez faire et comment leur marque sera représentée dans vos images.

S’ils voient des photos qui ont l’air anciennes ou démodées, ils ne vous donneront pas le travail. Pour montrer votre parcours de photographe ou approfondir ce que vous avez fait, utilisez votre site Web.

Dans votre portefeuille physique, gardez-le court et restez à la mode.

6. Ne vous obsédez pas sur l’équipement

Avoir l’équipement de base est idéal pour vous permettre de vous lancer dans l’entreprise. Cela vous donnera l’indépendance de faire des séances photo par vous-même pour trouver votre style et continuer à pratiquer.

En outre, il vous permettra de rester dans le budget pour une variété de missions. Cependant, vous ne devriez pas être conditionné par cela lorsque vous souhaitez expérimenter ou même essayer de décrocher un nouveau client.

Il est presque impossible d’avoir tout ce dont vous pourriez avoir besoin pour tous les emplois possibles (à moins d’être extrêmement riche!). La vérité est que vous pouvez louer du matériel en fonction de vos besoins pour une séance photo spécifique.

Après le briefing avec le client, vous pouvez établir un plan d’action et voir ce dont vous aurez besoin. Si vous avez besoin d’un studio plus grand, d’un appareil photo moyen format, d’un jeu de lumières supplémentaire make faites une liste et incluez les prix de location dans le budget.

Assurez-vous simplement de considérer tout ce dont vous avez besoin avant d’envoyer votre devis. Sinon, vous pourriez finir par perdre de l’argent au lieu de gagner.

7. Soyez un bon joueur d’équipe

La photographie de mode n’est pas un one-man-show. Vous devez avoir de solides compétences humaines pour faire le travail.

Si vous êtes débutant ou si vous venez d’un autre milieu de la photographie, il peut être difficile de s’adapter en raison du nombre de personnes impliquées dans le photoshoot.

Vous êtes peut-être prêt à partir avec votre éclairage, votre composition, votre pose, etc., et juste avant d’appuyer sur le déclencheur, quelqu’un vous arrête car les cheveux du modèle doivent être ajustés.

Cela peut parfois être frustrant, mais il est important de garder à l’esprit que le travail de chacun est ce qui fait le succès d’une photo de mode.

En tant que photographe, vous devez être capable de déléguer, de coordonner, de créer un bon environnement de travail et de fournir une image de haute qualité.

Ce n’est pas une tâche facile et cela ne se réalise pas du jour au lendemain. Si vous avez la possibilité de travailler comme assistant, soyez attentif à la façon dont cela se fait.

Et surtout, apprenez toujours de vos expériences et soyez ouvert aux commentaires.

8. Pratique

Comme vous pouvez le constater, il existe de nombreuses façons d’aborder la photographie de mode, vous n’avez donc pas à attendre le prochain gros client pour faire un shooting de mode.

Entre les travaux, vous pouvez continuer à pratiquer et à expérimenter même avec un petit budget. Vous ne pourrez peut-être pas faire une production de haute couture tous les jours, mais vous pouvez faire des livres de look ou assister à des défilés de mode.

Mots finaux

J’espère que vous avez apprécié cet article et que vous avez trouvé de l’inspiration, clarifié vos idées et vous êtes enthousiasmé à l’idée de vous essayer à la photographie de mode.

Je sais que cela peut être écrasant en raison de toutes les possibilités, mais la bonne chose à ce sujet est que vous avez beaucoup de choix pour trouver votre propre chemin.

Il est vraiment important de réseauter, alors ne vous limitez pas à contacter des clients. Contactez les stylistes, les modèles, les retoucheurs, les artistes et, en gros, tous ceux dont vous admirez le travail – Model Mayhem est un bon point de départ. Construisez une équipe solide et partez photographier.