Philip Glass est l’un des grands originaux créatifs de l’ère moderne. Il a émergé dans les années 1960 à une époque où la musique classique contemporaine, dirigée par les fameux « mauvais garçons » Karlheinz Stockhausen et Pierre Boulez, avait atteint des niveaux inégalés d’impénétrabilité intellectuelle.
Le public de l’époque était régulièrement soumis par des partitions qui se réjouissaient d’un réseau complexe de « hasards », ou laissés perplexes par des pitreries sur scène telles que décider si un piano à queue avait « faim » ou « soif » et le gérer en conséquence!
Alors que le courant dominant européen était temporairement détourné par l’avant-garde, un groupe de compositeurs nord-américains a émergé dont l’intention déclarée était de revenir à l’essentiel.
De tout nouveaux mondes sonores ont été créés dans lesquels le plus petit changement était de la plus grande importance – d’où le terme « minimalisme ». Alors que la répétition était devenue un mot sale dans les cercles musicaux radicaux, des libres-penseurs décontractés tels que Terry Riley, Steve Reich, John Adams et, plus particulièrement, Philip Glass en ont profité, créant des séquences de notes envoûtantes, semblables à des mantras, qui se déphaseraient subtilement les unes des autres.
L’approche non conventionnelle de Glass à la création musicale a été nourrie dans l’enfance. Alors que la plupart des jeunes enfants qui grandissaient dans le Baltimore des années 1940 jouaient au baseball, Glass passait des heures à être bombardé de musique de tous genres dans l’atelier de réparation de radio de son père.
Parfois, un certain nombre de sets peuvent être allumés simultanément créant un mélange exaltant de styles musicaux – imaginez l’effet libérateur de cela sur un jeune esprit créatif!
L’exposition précoce de Glass à la musique classique n’était pas moins inhabituelle. Son père dirigeait une entreprise de disques sur le côté et rapportait souvent à la maison des enregistrements de musique moderne en vue d’amener ses trois enfants à expliquer pourquoi ils ne vendaient pas.
En conséquence, Glass a appris à connaître les œuvres majeures de Chostakovitch, Bartók et Hindemith avant d’avoir reçu une formation approfondie dans les classiques centraux.
Cela a finalement fait des ravages avec ses sensibilités naissantes. Stimulé par l’éclectisme vivifiant de son éducation musicale, la relative banalité d’apprendre à jouer des pièces simples au violon, qu’il a commencé à apprendre à l’âge de six ans, s’est avérée trop pour le jeune Philip.
Même son instrument principal, la flûte, a rapidement perdu de son attrait. Désabusé, Glass abandonna toute idée de faire de la musique sa carrière et s’inscrivit à l’Université de Chicago, à seulement 15 ans, avec une spécialisation en mathématiques et en philosophie.
Alors que son intérêt pour la musique atteint un creux, Glass découvre les partitions iconoclastes de son compatriote Charles Ives et les paysages musicaux atonaux de la Deuxième École viennoise – Schoenberg, Berg et Webern.
Il a brièvement tâté des techniques à 12 tons (ou « sérialisme ») pendant un certain temps, mais c’est la musique nettement américaine d’Aaron Copland, William Schuman, Henry Cowell et Virgil Thomson qui a vraiment alimenté son enthousiasme. Diplômé de l’Université de Chicago en 1956, Glass fait ses valises et se dirige vers la Juilliard School de New York dans le but exprès de devenir compositeur.
Bien que Glass débordait d’idées de premier ordre, son manque de formation formelle s’est avéré un obstacle. Les leçons avec des figures aussi vénérées que Darius Milhaud et Nadia Boulanger ne semblaient qu’empirer les choses alors que Glass luttait pour trouver une voix cohérente dans le désert aride de la tradition académique.
Puis, tout à fait par hasard, il entra en contact avec le compositeur indien Ravi Shankar. Ce fut un tournant. Plein d’énergie et de passion renouvelées, Glass a commencé à rechercher la musique de l’Afrique du Nord, de l’Inde et de l’Himalaya, et est retourné à New York revitalisé de manière créative et impatient de partir.
Remarquablement, le compositeur a touché le jackpot musical presque immédiatement avec la formation du Philip Glass Ensemble. Cela a ouvert les vannes sur sa créativité, lui donnant la chance de perfectionner et d’affiner ses idées avec une liberté absolue.
Après Music In Twelve Parts (1974), une épopée de quatre heures qui résume son génie naissant pour des sonorités magiques, Glass, 39 ans, a créé une sensation internationale avec son premier opéra, Einstein On The Beach (1976). Enfin, le public moderne avide de quelque chose de plus excitant que le grand public traditionnel, mais désabusé par la musique qui réagissait consciemment contre elle, a découvert un tout nouveau monde d’innocence séduisante – un monde qui comblait de manière alléchante le fossé entre l’acceptation et l’anarchie.
Inspiré par la réaction sans précédent à Einstein, Glass passa la décennie suivante à se concentrer sur la musique de scène. Il y eut deux opéras de suite – Satyagraha (1980) et Akhnaten (1983) – ainsi qu’une série d’adaptations originales et scintillantes des œuvres de l’écrivain et poète irlandais Samuel Beckett, qui mettaient en valeur les talents de Mabou Mines, un groupe virtuose que Glass avait aidé à mettre sur pied au début des années 1970.
Il avait maintenant atteint le genre de culte normalement associé aux stars de la pop. Son nouveau statut de célébrité a été confirmé lorsqu’il a été signé exclusivement par le label CBS Masterworks (plus tard Sony Classical), une distinction auparavant décernée à deux autres géants de la musique du 20e siècle: Igor Stravinsky et Aaron Copland.
Le premier album de Glass pour CBS, Glassworks, a été tiré à 250 000 exemplaires la première année– ce qui est presque du jamais vu pour un compositeur » classique » contemporain. Pourtant, malgré tous les éloges et les récompenses matérielles, Glass a gardé les pieds sur terre, déterminé à rester fidèle à sa vision créative plutôt que de composer de la musique pour les masses.
» J’en suis très content « , s’enthousiasme-t-il tranquillement. « Les pièces semblent avoir une qualité émotionnelle à laquelle tout le monde répond, et elles fonctionnent également très bien comme des pièces de performance. »
Jamais du genre à se reposer sur ses lauriers, Glass se sentait prêt, à la fin des années 1980, à s’attaquer au genre de genres instrumentaux grand public qui n’avait pas semblé si naturel pendant ses années d’étudiant.
Largement célébré pour la concentration suprême de sa pensée musicale, il a commencé à s’étendre dans l’opulence expressive du concerto et de la symphonie. En 1987, il a produit un Concerto pour violon qui semble parfois revenir aux traditions des XVIIIe et XIXe siècles que Glass avait si soigneusement évitées plus tôt dans sa vie.
» La recherche de l’unique peut conduire à des endroits étranges « , raisonnait Glass à l’époque. » Les tabous – les choses que nous ne sommes pas censés faire – sont souvent les plus intéressants. »
Les termes de référence stylistique de Glass ont encore été élargis lorsqu’il s’est tourné vers le « crossover » avec une paire de symphonies qui synthétisaient le classique et le rock comme s’il s’agissait de la chose la plus naturelle au monde. Inspiré par la musique de David Bowie et Brian Eno, Glass a défrayé la chronique avec sa Symphonie grave No 1 (1992) et la Symphonie » Heroes » No 4 (1996).
Il a expliqué plus tard: « Mon approche était de traiter les thèmes comme s’ils étaient les miens et de permettre à leurs transformations de suivre mon propre penchant compositionnel lorsque cela était possible. »
Bowie a donné aux résultats son sceau d’approbation avec l’expression immortelle, gravée sur d’innombrables T-shirts depuis: « Philip Glass me berce le cul « .
Glass poursuit sa revitalisation des genres classiques traditionnels avec une série de cinq quatuors à cordes composés pour le Quatuor Kronos et une Troisième Symphonie (1995) dans laquelle les termes de référence stylistique vont de Haydn à Ravel.
Une autre caractéristique de cette période était un nouvel intérêt pour la musique pour piano seul, qui s’exprimait notamment, peut-être, dans Metamorphosis (1988), une œuvre inhabituellement mélodieuse qui tire son nom d’une pièce basée sur une nouvelle de Kafka.
Entre 1993 et 1996, Glass produit un triptyque lyrique basé sur l’œuvre de l’écrivain et cinéaste français Jean Cocteau-Orphée, La belle et La Bête et Les Enfants Terribles.
Jusqu’à présent, Glass avait tendance à composer de la musique qui laissait ses auditeurs doucement secoués plutôt qu’émus. Pourtant, à la suite du décès de sa femme artiste Candy Jernigan, âgée de seulement 39 ans, Glass investit Orphée avec une intensité expressive sans précédent.
Cette extraordinaire profondeur de sentiment déborde également dans l’une des œuvres les plus mémorables de Glass du début du millénaire: sa partition pour le film envoûtant de Stephen Daldry, The Hours (2002), qui met en scène l’inoubliable miniature Dead Things.
À ce jour, Glass continue de produire une musique d’invention et de vitalité extraordinaires. En septembre 2005, les premières de deux nouvelles pièces ont été données: Waiting For The Barbarians, pièce de théâtre inspirée du roman de JM Coetzee, et une Huitième Symphonie, dont un commentateur compare les dalliances et les nouveautés instrumentales au Concerto pour orchestre de Bartók.
Et l’année dernière, l’œuvre chorale La Passion de Ramakrishna, une partition de film pour La Vie intérieure de Martin Frost de Paul Auster et un deuxième volume d’études pour piano seul ont été créés.
La Collection Essentielle :
Pour le tableau complet:
Einstein On The Beach (1976)
Glass Ensemble / Michael Riesman
L’œuvre qui a d’abord valu à Glass une renommée internationale, Einstein On The Beach est le premier de ses trois opéras « portraits », qui se sont poursuivis avec Satyagraha en 1980 et, trois ans plus tard, Akhnaten. Cet opéra à l’inventivité hérissée est écrit pour ensemble amplifié et petit chœur chantant un texte composé de nombres et de syllabes de solfège (pistes, gammes, etc., qui sont chantées sur la ou les mêmes syllabes).
Nonesuch 7559 79323-2
Pour l’opulence expressive:
Concerto pour violon (1987)
Robert McDuffie (violon), Orchestre symphonique de Houston / Christoph Eschenbach
« Cette pièce explore ce qu’un orchestre peut faire pour moi », a expliqué Glass. » J’y suis plus intéressé par mon propre son que par la capacité de certains instruments d’orchestre. Il est adapté à mes besoins musicaux. »
Telarc CD-80494
Pour crossover heaven:
Symphonie No.1, Low (1992)
Orchestre philharmonique de Brooklyn / Dennis Russell Davies
Basée sur Low de David Bowie et Brian Eno, la Première Symphonie emprunte des thèmes à trois titres de l’album, combinés à de la musique propre à Glass, et les développe en mouvements « symphoniques » captivants.
Philips 438 1502
Pour l’intensité brute:
Mad Rush (1979)
Bruce Brubaker (piano)
Créée par Glass à l’orgue pour la première allocution publique du Dalaï-Lama à New York, cette œuvre pour piano la plus célèbre se construit de manière imposante vers un point culminant central avant de s’estomper progressivement.
Arabesque Z6744