Par où commencer avec Ingmar Bergman

Pourquoi cela ne semble pas si facile

En 59 ans de cinéaste (1944-2003), Ingmar Bergman a écrit et/ou réalisé plus de 60 films. C’est un chiffre intimidant pour les nouveaux arrivants, mais pas mal pour un cinéaste qui considérait le cinéma comme sa « maîtresse ». Pourtant, la « femme » souffrante de Bergman, le théâtre, n’a guère été négligée: d’une manière ou d’une autre, Bergman a également trouvé le temps de diriger plus de 170 pièces, dans sa Suède natale et à l’étranger. Ajoutez au fait que beaucoup de ses films présentent de petits moulages parlant longuement dans des lieux confinés, et il n’est pas surprenant que son travail cinématographique soit souvent critiqué pour être « théâtral ».

Bien sûr, Bergman a souvent contré cette « théâtralité » par un modernisme ludique qui se délectait du médium même du cinéma, mais même ces innovations expérimentales peuvent maintenant être considérées comme passées. La vision de Bergman comme « dépassée » n’est qu’aggravée par son exploration d’un certain existentialisme que la philosophie (et le cinéma) ont pour la plupart laissé derrière eux. De plus, au fil des années 60, son travail est devenu de plus en plus pessimiste et oblique, reflétant à la fois un monde qui a permis des horreurs telles que la guerre du Vietnam, et la mode de l’époque pour des « textes ouverts » sans auteur.

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Mais le travail de Bergman n’était pas, et ne pourrait jamais être, sans auteur: peut-être plus que tout autre cinéaste, Bergman a utilisé le cinéma comme une exploration (ou un exorcisme) de démons personnels. Ses thèmes récurrents de la parentalité dure, de l’infidélité, de la mort, de l’humiliation et de la foi étaient tous des préoccupations apparemment toujours présentes dans sa vie. C’est peut–être ce lien profondément personnel qui a fait de Bergman un expert pour explorer la psyché à l’écran – cela, et un refus de se détourner des vérités inconfortables sur la nature humaine. Si le travail de Bergman est difficile à regarder, c’est parce qu’il nous oblige à nous confronter à des aspects de nous-mêmes que nous préférerions éviter.

Le meilleur point de départ – Fraises des bois

Compte tenu de la taille, de l’échelle et de la qualité de la production de Bergman, il est impossible d’étiqueter une œuvre comme le point d’entrée définitif, mais Fraises des bois (1957) offre certainement une introduction accessible à bon nombre de ses motifs clés et de ses dispositifs narratifs. Ici comme ailleurs, Bergman utilise un voyage physique – celui d’Isak Borg, un professeur émérite vieillissant qui traverse la Suède pour recevoir un diplôme honorifique – pour représenter un voyage intérieur de l’âme, dans lequel l’auto-confrontation mène à la découverte de soi. Bergman raconte l’histoire en voix off, en flashbacks et en rêves, tant mieux pour nous attirer plus loin dans l’esprit de Borg.

Le premier rêve nous vient comme un cauchemar expressionniste, un souvenir mori dans lequel Borg est témoin d’un corbillard qui s’écrase et d’un cercueil contenant son propre cadavre encore vivant: à maintes reprises, les personnages de Bergman sont traqués par le spectre de la mort et de la vieillesse. Le rêve est sans mots, reflétant l’amour de Bergman pour le cinéma muet (et Borg, bien sûr, est joué par Victor Sjöström, l’un des grands réalisateurs de l’ère du muet et un ancien mentor de Bergman).

Borg est accompagné dans son voyage par Marianne (Ingrid Thulin), épouse de son fils Evald (l’artilleur Björnstrand). En chemin, ils ramassent un trio de jeunes auto-stoppeurs et un couple marié d’âge moyen qui se chamaille. Comme beaucoup d’amants de Bergman, ces derniers s’humilient dans des échanges houleux et vitrioliques, tandis que Marianne raconte la descente d’Evald dans une misanthropie cynique – présentée ici comme le résultat final de la froideur parentale. Heureusement, les jeunes auto-stoppeurs offrent à Borg une note de grâce, lui incitant des souvenirs qui lui permettent de confronter son passé et de travailler à un sentiment de réconciliation, à la fois avec lui-même et avec son fils. Au total, le film reste l’une des œuvres les plus chaleureuses et les plus touchantes de Bergman.

Que regarder ensuite

Bien que le trio de jeunes auto-stoppeurs discute brièvement, presque de manière comique, de Dieu, les questions plus vastes de la foi restent sous la surface des fraises des bois. Ceux qui recherchent une exploration plus explicite de ce célèbre thème de Bergman pourraient essayer l’apparat médiéval du Septième Sceau (1957) et de La Source Vierge (1960): dans le premier, un chevalier tente d’accomplir au moins un acte significatif avant de mourir, tandis que dans le second, un père se venge sanglante de trois chevriers qui ont violé et assassiné sa fille.

À partir de là, une prochaine étape logique serait la soi-disant « Trilogie de la foi », comprenant Through a Glass Darkly (1961), Winter Light (1963) et The Silence (1963), dans laquelle Bergman continuait de lutter contre le silence durable de Dieu.

Pendant ce temps, ceux qui cherchent à explorer davantage la dynamique familiale torturée pourraient continuer avec Cries and Whispers (1972), à propos d’une femme mourante et de ses deux sœurs; Autumn Sonata (1978), à propos de la visite d’une mère à sa fille séparée; ou Fanny et Alexander (1982), à propos de deux enfants et des efforts de leur mère, de leurs oncles et de leur grand-mère pour les protéger de leur nouveau beau-père méchant.

Pour ceux qui s’intéressent davantage aux histoires d’amants humiliés et d’infidélité, Sawdust and Tinsel (1953) ou Scenes from a Marriage (1973) offrent une bonne voie à suivre. Alternativement, Smiles of a Summer Night (1955) et A Lesson in Love (1954) proposent des versions plus légères des mêmes thèmes et rappellent que, malgré sa réputation sérieuse, Bergman a réalisé un certain nombre de comédies à succès.

Enfin, de l’œuvre sérieuse postérieure, il ne faut pas manquer non plus le magistral Persona (1966), sur une infirmière s’occupant d’une actrice qui se retire dans un état de silence total, et Shame (1968), sur un couple marié luttant pour survivre alors qu’une guerre sauvage et sans nom fait rage tout autour d’eux.