Philip Glass è uno dei grandi originali creativi dell’età moderna. Egli è emerso nel 1960 in un momento in cui la musica classica contemporanea, guidato da quei famigerati “bad boys” Karlheinz Stockhausen e Pierre Boulez, aveva raggiunto livelli senza precedenti di imperscrutabilità intellettuale.
Il pubblico del tempo veniva regolarmente sottomesso da partiture che si rallegravano in una complessa rete di “eventi casuali”, o lasciati sconcertati da tali buffonate sul palco come decidere se un pianoforte a coda fosse “affamato” o “assetato” e affrontarlo di conseguenza!
Proprio mentre il mainstream europeo era stato temporaneamente dirottato dalle avanguardie, emerse un gruppo di compositori nordamericani la cui intenzione dichiarata era quella di tornare alle origini.
Sono stati creati interi mondi sonori in cui il più piccolo cambiamento è stato il più grande significato – da qui il termine “minimalismo”. Mentre la ripetizione era diventata una parola sporca nei circoli musicali radicali, pensatori liberi e rilassati come Terry Riley, Steve Reich, John Adams e, in particolare, Philip Glass hanno prosperato positivamente su di esso, creando sequenze di note ipnotizzanti e simili a mantra che sarebbero sottilmente “fuori fase” l’una con l’altra.
L’approccio non convenzionale di Glass al fare musica è stato coltivato durante l’infanzia. Mentre la maggior parte dei bambini piccoli che crescono nel 1940 Baltimora erano fuori a giocare a baseball, Vetro trascorso ore di essere bombardato con la musica di tutti i generi presso il negozio di riparazione radio di suo padre.
A volte, un certo numero di set potrebbe essere acceso contemporaneamente creando una miscela esilarante di stili musicali – immaginate l’effetto liberatorio di che su una giovane mente creativa!
L’esposizione precoce di Glass alla musica classica non era meno insolita. Suo padre gestiva un’attività di LP sul lato e spesso portava a casa registrazioni di musica moderna al fine di convincere i suoi tre figli a spiegare perché non stavano vendendo.
Di conseguenza, Glass ebbe modo di conoscere le opere principali di Shostakovich, Bartók e Hindemith prima di ricevere un’approfondita conoscenza dei classici centrali.
Questo alla fine ha giocato il caos con le sue crescenti sensibilità. Dopo essere stato stimolato dal vivace eclettismo della sua educazione musicale, la relativa mondanità di imparare a suonare semplici pezzi sul violino, che ha iniziato a imparare all’età di sei anni, si è rivelata troppo per il giovane Philip.
Anche il suo strumento principale, il flauto, perse rapidamente il suo fascino. Disilluso, Glass ha rinunciato a qualsiasi pensiero di fare musica la sua carriera e si iscrisse alla Chicago University, all’età di soli 15 anni, laureandosi in matematica e filosofia.
Proprio quando il suo interesse per la musica raggiunse un minimo, Glass scoprì le partiture iconoclaste del suo connazionale Charles Ives e i paesaggi musicali atonali della Seconda Scuola viennese – Schoenberg, Berg e Webern.
Si dilettò brevemente in tecniche a 12 toni (o “serialismo”) per un po’, ma fu la musica distintamente americana di Aaron Copland, William Schuman, Henry Cowell e Virgil Thomson che alimentò davvero il suo entusiasmo. Laureatosi all’Università di Chicago nel 1956, Glass fece le valigie e si diresse alla Juilliard School di New York con l’esplicito obiettivo di diventare un compositore.
Sebbene Glass fosse pieno di idee di prim’ordine, la sua mancanza di formazione formale si rivelò un ostacolo. Le lezioni con figure venerate come Darius Milhaud e Nadia Boulanger sembravano solo peggiorare le cose mentre Glass faticava a trovare una voce coerente nella sterile natura selvaggia della tradizione accademica.
Poi, per caso, entrò in contatto con il compositore indiano Ravi Shankar. Questo è stato un punto di svolta. Pieno di rinnovata energia e passione, Glass ha iniziato a ricercare la musica del Nord Africa, dell’India e dell’Himalaya, ed è tornato a New York in modo creativo rivitalizzato e impaziente di andare.
Sorprendentemente, il compositore ha colpito il jackpot musicale quasi immediatamente con la formazione del Philip Glass Ensemble. Questo ha aperto le porte alla sua creatività, dandogli la possibilità di affinare e perfezionare le sue idee con assoluta libertà.
Dopo Music In Twelve Parts (1974), un’epica di quattro ore che racchiude il suo genio nascente per sonorità magiche, il 39enne Glass ha creato una sensazione internazionale con la sua prima opera, Einstein On The Beach (1976). Alla fine, il pubblico moderno affamato di qualcosa di più eccitante del mainstream tradizionale, ma disilluso dalla musica che ha reagito consapevolmente contro di esso, ha trovato un mondo completamente nuovo di innocenza seducente – uno che ha colmato in modo allettante il divario tra accettazione e anarchia.
Ispirato dalla reazione senza precedenti a Einstein, Glass trascorse il decennio successivo concentrandosi sulla musica di scena. C’erano due follow-up opere – Satyagraha (1980) e Akhnaten (1983), nonché una serie di scintillante e adattamenti originali delle opere di scrittore e poeta Irlandese Samuel Beckett, che mette in mostra i talenti di Mabou Mines, un virtuoso del gruppo in Vetro aveva contribuito a costituire nei primi anni 1970.
ormai aveva raggiunto il tipo di culto normalmente associato con la pop star. Il suo nuovo status di celebrità è stato confermato quando è stato firmato esclusivamente dall’etichetta discografica CBS Masterworks (in seguito Sony Classical), un riconoscimento assegnato solo in precedenza ad altri due giganti della musica del 20 ° secolo: Igor Stravinsky e Aaron Copland.
Il primo album di Glass per la CBS, Glassworks, ha spostato 250.000 copie nel suo primo anno – qualcosa di quasi inaudito per un compositore “classico” contemporaneo. Eppure, nonostante tutti i consensi e le ricompense materiali, Glass teneva i piedi ben saldi per terra, determinato a rimanere fedele alla sua visione creativa piuttosto che comporre musica per le masse.
“Sono molto contento”, ha tranquillamente entusiasta. “I pezzi sembrano avere una qualità emotiva a cui tutti rispondono, e funzionano anche molto bene come pezzi di performance.”
Mai uno a riposare sugli allori, Glass sentiva pronto, alla fine del 1980, per affrontare il tipo di generi strumentali mainstream che si era sentito così innaturale durante i suoi anni da studente.
Ampiamente celebrato per la suprema concentrazione del suo pensiero musicale, iniziò ad espandersi nell’opulenza espressiva del concerto e della sinfonia. Nel 1987, ha prodotto un Concerto per violino che a volte sembra rifarsi alle tradizioni del 18 ° e 19 ° secolo che il vetro aveva evitato così studiosamente in precedenza nella vita.
“La ricerca dell’unico può portare a luoghi strani”, ragionò Glass all’epoca. “I tabù – le cose che non dovremmo fare – sono spesso i più interessanti.”
I termini di riferimento stilistico di Glass furono ulteriormente ampliati quando trasformò “crossover” con un paio di sinfonie che sintetizzavano classica e rock come se fosse la cosa più naturale del mondo. Ispirato dalla musica di David Bowie e Brian Brian, Glass ha colpito i titoli con la sua Sinfonia bassa n. 1 (1992) e” Heroes ” Sinfonia n.4 (1996).
Ha poi spiegato: “Il mio approccio è stato quello di trattare i temi molto come se fossero miei e permettere alle loro trasformazioni di seguire la mia inclinazione compositiva quando possibile.”
Bowie diede ai risultati il suo sigillo di approvazione con l’espressione immortale, blasonata su innumerevoli T-shirt da allora:”Philip Glass rocks my ass”.
Glass ha continuato la sua rivitalizzazione dei generi classici tradizionali con una serie di cinque quartetti per archi composti per il Kronos Quartet e una Terza Sinfonia (1995) in cui i termini di riferimento stilistico spaziano da Haydn a Ravel.
Un’altra caratteristica di questo periodo fu un nuovo interesse per la musica per pianoforte solo, che si espresse in modo particolare, forse, in Metamorphosis (1988), un’opera insolitamente melodiosa che prende il nome da un’opera teatrale basata su un racconto di Kafka.
Tra il 1993 e il 1996, Glass ha prodotto un trittico operistico basato sul lavoro dello scrittore e cineasta francese Jean Cocteau-Orphée, La belle Et La Bête e Les Enfants Terribles.
Fino a questo punto, Glass aveva la tendenza a comporre musica che lasciava i suoi ascoltatori dolcemente scossi piuttosto che emotivamente agitati. Eppure, dopo la morte della moglie artista Candy Jernigan, a soli 39 anni, Glass ha investito Orphée con livelli di intensità espressiva senza precedenti.
Questa straordinaria profondità di sentimento si riversa anche in una delle opere più memorabili di Glass del primo millennio: la sua colonna sonora per l’affascinante film di Stephen Daldry The Hours (2002), che presenta l’indimenticabile miniatura Dead Things.
Ancora oggi il vetro continua a produrre musica di straordinaria invenzione e vitalità. Nel settembre 2005 sono state date le anteprime di due nuovi pezzi: Waiting For The Barbarians, un pezzo teatrale tratto dal romanzo di JM Coetzee, e un’ottava Sinfonia, le cui scorribande e novità strumentali un commentatore ha paragonato al Concerto per Orchestra di Bartók.
E l’anno scorso, il lavoro corale The Passion Of Ramakrishna, una colonna sonora per The Inner Life Of Martin Frost di Paul Auster e un secondo volume di études per pianoforte solo sono stati tutti presentati in anteprima.
La collezione essenziale:
Per il quadro completo:
Einstein On The Beach (1976)
Glass Ensemble/Michael Riesman
Il lavoro che per primo ha portato il successo internazionale di Glass, Einstein On The Beach è la prima delle sue tre opere “ritratto”, che hanno continuato con Satyagraha nel 1980 e, tre anni dopo, Akhnaten. Questa opera ispidamente inventiva è segnata per ensemble amplificato e piccolo coro che canta un testo composto da numeri e sillabe solfège (corse, scale, ecc., che sono cantati alla stessa sillaba o sillabe).
Nonesuch 7559 79323-2
Per opulenza espressiva:
Concerto per violino (1987)
Robert McDuffie (violino), Houston Symphony Orchestra/Christoph Eschenbach
“Questo pezzo esplora ciò che un’orchestra può fare per me”, ha spiegato Glass. “In esso, sono più interessato al mio suono che alla capacità di particolari strumenti orchestrali. È su misura per le mie esigenze musicali.”
Telarc CD-80494
Per crossover cielo:
Sinfonia no.1, Low (1992)
Brooklyn Philharmonic Orchestra / Dennis Russell Davies
Basata su Low di David Bowie e Brian Brian, la Prima Sinfonia prende in prestito temi da tre brani dell’album, combinati con la musica di Glass, e li sviluppa in accattivanti movimenti “sinfonici”.
Philips 438 1502
Per intensità raw:
Mad Rush (1979)
Bruce Brubaker (piano)
Presentato in anteprima per Vetro all’organo per il primo discorso pubblico del Dalai Lama a New York City, questo più celebre dei suoi lavori per pianoforte si costruisce imponentemente verso un climax centrale prima di svanire gradualmente.
Arabesque Z6744