Philip Glass är en av de stora kreativa originalen i modern tid. Han uppstod på 1960-talet vid en tidpunkt då samtida klassisk musik, ledd av de ökända ”bad boys” Karlheinz Stockhausen och Pierre Boulez, hade nått oöverträffade nivåer av intellektuell oförmåga.
tidens publik slogs regelbundet till underkastelse av poäng som glädde sig över ett komplext nätverk av ”chanshändelser”, eller lämnade förvirrade av sådana upptåg på scenen som att bestämma om ett flygel var ”hungrig” eller ”törstig” och hantera det i enlighet därmed!
precis som den europeiska mainstream hade blivit tillfälligt kapad av avantgarde, uppstod en grupp nordamerikanska kompositörer vars uttalade avsikt var att gå tillbaka till grunderna.
helt nya soundworlds skapades där den minsta förändringen var av största betydelse-därav termen”minimalism”. Medan repetition hade blivit något av ett smutsigt ord i radikala musikaliska kretsar, sådana avslappnade frittänkare som Terry Riley, Steve Reich, John Adams och, framför allt, Philip Glass trivdes positivt på det och skapade fascinerande, mantraliknande sekvenser av anteckningar som subtilt skulle bli ”ur fas” med varandra.
Glass okonventionella inställning till musikskapande vårdades i barndomen. Medan de flesta unga barn som växte upp på 1940-talet Baltimore var ute och spelade baseball, spenderade Glass timmar på att bombarderas med musik av alla genrer på sin fars radioverkstad.
ibland kan ett antal uppsättningar slås på samtidigt som man skapar en spännande blandning av musikstilar – föreställ dig den befriande effekten av det på ett ungt kreativt sinne!
Glass tidiga exponering för klassisk musik var inte mindre ovanlig. Hans far drev en LP-verksamhet på sidan och tog ofta hem inspelningar av modern musik i syfte att få sina tre barn att förklara varför de inte sålde.
som ett resultat fick Glass lära känna de stora verken av Shostakovich, Bart bisexuell och Hindemith innan han hade fått en grundlig grundning i de centrala klassikerna.
detta spelade slutligen kaos med hans växande känslighet. Efter att ha stimulerats av den stärkande eklekticismen i hans musikaliska uppväxt, visade den relativa mundaneness att lära sig att spela enkla bitar på fiolen, som han började lära sig i åldern sex, för mycket för unga Philip.
även hans huvudinstrument, flöjten, förlorade snabbt sin överklagande. Desillusionerad, Glass gav upp någon tanke på att göra musik sin karriär och inskrivna vid Chicago University, åldern bara 15, huvudämne i matematik och filosofi.
precis som hans intresse för musik slog ett lågt, upptäckte Glass ikonoklastiska poäng av sin landsman Charles Ives och de atonala musikaliska landskapen i den andra wienska skolan – Schoenberg, Berg och Webern.
han dabblade kort i 12-tonstekniker (eller” serialism”) ett tag, men det var den tydligt amerikanska musiken från Aaron Copland, William Schuman, Henry Cowell och Virgil Thomson som verkligen drev hans entusiasm. Examen från Chicago University 1956 packade Glass sina väskor och gick till Juilliard School i New York med det uttryckliga målet att bli kompositör.
även om Glass var full av förstklassiga ideer, visade hans brist på formell utbildning ett hinder. Lektioner med sådana vördade figurer som Darius Milhaud och Nadia Boulanger verkade bara göra saker värre när Glass kämpade för att hitta en sammanhängande röst i den karga vildmarken i akademisk tradition.
sedan kom han helt av en slump i kontakt med den indiska kompositören Ravi Shankar. Detta var en vändpunkt. Full av förnyad energi och passion, Glass började forska musiken i Nordafrika, Indien och Himalaya, och återvände till New York kreativt återupplivas och raring att gå.
anmärkningsvärt slog kompositören den musikaliska jackpotten nästan omedelbart med bildandet av Philip Glass-ensemblet. Detta öppnade dammluckorna på hans kreativitet, vilket gav honom chansen att finslipa och förfina sina tankar med absolut frihet.
efter musik i tolv delar (1974), en fyra timmars episk som inkapslar hans växande geni för magiska sonoriteter, skapade det 39-åriga glaset en internationell sensation med sin första opera, Einstein On the Beach (1976). Äntligen hittade moderna publik som var hungriga efter något mer spännande än den traditionella mainstream, men desillusionerade av musik som reagerade medvetet mot det, en helt ny värld av förförisk oskuld – en som tantalizingly överbryggade klyftan mellan acceptans och anarki.
inspirerad av den oöverträffade reaktionen på Einstein tillbringade Glass nästa decennium med fokus på scenmusik. Det fanns två uppföljningsoperor-Satyagraha (1980) och Akhnaten (1983) – samt en serie gnistrande originalanpassningar av verk av irländsk författare och poet Samuel Beckett, som visade talangerna i Mabou Mines, en virtuos grupp Glass hade hjälpt till att sätta upp i början av 1970-talet.
vid det här laget hade han uppnått den typ av kultföljd som normalt förknippas med popstjärnor. Hans nyfunna kändisstatus bekräftades när han undertecknades exklusivt av skivbolaget CBS Masterworks (senare Sony Classical), en utmärkelse som endast tidigare tilldelats två andra jättar av 20-talets musik: Igor Stravinsky och Aaron Copland.
Glass första album för CBS, Glassworks, skiftade 250 000 exemplar under sitt första år – något nästan okänt för en samtida ”klassisk” kompositör. Men trots alla hyllningar och materiella belöningar höll Glass fötterna stadigt på marken, fast beslutna att förbli trogen mot sin kreativa vision snarare än att komponera musik för massorna.
” jag är väldigt nöjd med det, ” entusiasmerade han tyst. ”Bitarna verkar ha en känslomässig kvalitet som alla svarar på, och de fungerar också mycket bra som prestationsstycken.”
aldrig en att vila på sina lagrar, Glass kände sig redo, i slutet av 1980-talet, för att ta itu med den typ av vanliga instrumentala genrer som hade känt sig så onaturliga under hans studentår.
allmänt berömd för den högsta koncentrationen av hans musikaliska tanke började han expandera till konsertens och symfonins uttrycksfulla överflöd. 1987 producerade han en violinkonsert som ibland verkar haka tillbaka till 18th – och 19th-talstraditionerna som Glass så flitigt hade undvikit tidigare i livet.
”sökandet efter det unika kan leda till konstiga platser”, motiverade Glass vid den tiden. ”Tabuer-de saker vi inte ska göra – är ofta mer intressanta.”
Glass termer av stilistisk referens breddades ytterligare när han vände ”crossover” med ett par symfonier som syntetiserade klassisk och rock som om det var det mest naturliga i världen. Inspirerad av musiken från David Bowie och Brian Eno slog Glass rubrikerna med sin låga Symfoni nr 1 (1992) och ”Heroes” Symfoni nr 4 (1996).
han förklarade senare: ”min inställning var att behandla teman väldigt mycket som om de var mina egna och låta deras omvandlingar följa min egen kompositionella böjning när det är möjligt.”
Bowie gav resultaten sitt godkännande med det odödliga uttrycket, emblazoned på otaliga T-shirts sedan dess: ”Philip Glass rocks my ass”.
Glass fortsatte sin vitalisering av traditionella klassiska genrer med en serie med fem stråkkvartetter komponerade för Kronos Quartet och en tredje symfoni (1995) där termerna för stilistisk referens sträcker sig från Haydn till Ravel.
ett annat inslag i denna period var ett nytt intresse för solo pianomusik, som framför allt uttryckte sig i Metamorphosis (1988), ett ovanligt melodiskt verk som tar sitt namn från en pjäs baserad på en novell av Kafka.
mellan 1993 och 1996 producerade Glass en opera triptyk baserad på verk av den franska författaren och filmskaparen Jean Cocteau-Orphane, La belle Et La B.
fram till denna punkt hade Glass tenderat att komponera musik som lämnade sina lyssnare försiktigt skakade snarare än känslomässigt rörda. Men efter döden av hans konstnär fru Candy Jernigan, åldern bara 39, Glass investerade Orphorphoe med oöverträffade nivåer av uttrycksfull intensitet.
detta extraordinära djup av känsla spiller också över i ett av Glass mest minnesvärda verk av det tidiga årtusendet: hans poäng för Stephen Daldrys spellbindande film timmarna (2002), som innehåller den oförglömliga miniatyr döda saker.
till denna dag fortsätter Glass att producera musik av extraordinär uppfinning och vitalitet. I September 2005 gavs premiärerna av två nya bitar: Väntar på barbarerna, ett teaterstycke baserat på JM Coetzees roman, och en åttonde symfoni, vars instrumentala dalliances och nyheter en kommentator liknade Bart Jacobks Konsert för orkester.
och förra året, körarbetet Ramakrishnas Passion, en filmmusik för Paul Auster ’ s Martin Frosts inre liv och en andra volym av brasilitudes för solopiano hade alla premiär.
den väsentliga samlingen:
för den fullständiga bilden:
Einstein On the Beach (1976)
Glass Ensemble/Michael Riesman
arbetet som först gav Glass international acclaim, Einstein On the Beach är den första av hans tre ”porträtt” – operor, som fortsatte med Satyagraha 1980 och tre år senare Akhnaten. Denna bristlingly uppfinningsrika opera görs för förstärkt ensemble och liten Kör som sjunger en text som består av siffror och Solf askorbge stavelser (körningar, skalor etc., som sjungs till samma stavelse eller stavelser).
Nonesuch 7559 79323-2
för uttrycksfull överflöd:
violinkonsert (1987)
Robert McDuffie (violin), Houston Symphony Orchestra/Christoph Eschenbach
”detta stycke utforskar vad en orkester kan göra för mig”, förklarade Glass. ”I det är jag mer intresserad av mitt eget ljud än i förmågan hos vissa orkesterinstrument. Det är anpassat till mina musikaliska behov.”
Telarc CD-80494
för crossover himlen:
Symfoni nr.1, Low (1992)
Brooklyn Philharmonic Orchestra/ Dennis Russell Davies
baserat på Low av David Bowie och Brian Eno lånar den första symfonin teman från tre av albumets spår, kombinerat med musik av Glass egna, och utvecklar dem till fängslande ”symfoniska” rörelser.
Philips 438 1502
för raw-intensitet:
Mad Rush (1979)
Bruce Brubaker (piano)
premiär av glas på orgeln för Dalai Lamas första offentliga tal i New York City, Detta mest berömda av hans pianoverk bygger imponerande mot ett centralt klimax innan han gradvis bleknar bort.
Arabesque Z6744