Faith Ringgolds konstnärliga praktik är extremt varierad – från målning till täcken, från skulpturer och performance till barnböcker. Som lärare undervisade hon i både New York City Public school system och på högskolenivå. 1973 slutade hon undervisa i den offentliga skolan för att ägna sig åt att skapa konst på heltid.
Målningredigera
Ringgold började sin målningskarriär på 1950-talet efter att ha fått sin examen. Hennes tidiga arbete består av platta figurer och former. Hon inspirerades av James Baldwin och Amiri Barakas skrifter, afrikansk konst, Impressionism och kubism för att skapa de verk hon gjorde på 1960-talet. även om hon fick stor uppmärksamhet med dessa bilder fokuserade många av hennes tidiga målningar på den underliggande rasismen i vardagliga aktiviteter; vilket gjorde försäljningen svår och oroade gallerier och samlare.: 41 dessa verk var också politiskt baserade och återspeglade hennes erfarenheter som växte upp under Harlem Renaissance – teman som mognade under Civil Rights Movement och Women ’ s movement.:8
med inspiration från konstnären Jacob Lawrence och författaren James Baldwin målade Ringgold sin första politiska samling med namnet American People Series 1963, som skildrar den amerikanska livsstilen i förhållande till medborgarrättsrörelsen. American People-serien illustrerar dessa rasinteraktioner ur kvinnlig synvinkel och ifrågasätter grundläggande rasfrågor i Amerika.: 145 i en artikel från 2019 med Hyperallergic magazine förklarade Ringgold att hennes val för en politisk samling kommer från den turbulenta atmosfären runt henne: ”( … ) det var 1960-talet och jag kunde inte agera som om allt var okej. Jag kunde inte måla landskap på 1960 – talet-det var för mycket på gång. Det här inspirerade American People-serien.”Denna uppenbarelse härrörde från att hennes arbete avvisades av Ruth White, en galleriägare i New York. Oljemålningar som endast för medlemmar, grannar, tittar och väntar, och Civil rights Triangle förkroppsligar också dessa teman.
1972, som en del av en kommission sponsrad av Creative Artists Public Service Program, installerade Ringgold för Kvinnohuset i kvinnors anläggning på Rikers Island. Den storskaliga väggmålningen är ett anti-karceralt arbete, bestående av skildringar av kvinnor i yrkes-och tjänstemanroller, som representerar positiva alternativ till fängelse. De porträtterade kvinnorna är inspirerade av omfattande intervjuer som Ringgold genomförde med kvinnliga fångar, och designen delar upp porträtten i triangulära sektioner – refererar till Kubatextilier i Demokratiska republiken Kongo. Det var hennes första offentliga uppdrag och betraktades allmänt som hennes första feministiska arbete. Därefter inspirerade arbetet skapandet av konst utan väggar, en organisation som ger konst till fängelser.
runt öppningen av hennes show för amerikanska folket arbetade Ringgold också med sin samling America Black ( även kallad Black Light-serien ) där hon experimenterade med mörkare färger. Detta sporrades av hennes observation att ” vit västerländsk konst fokuserades kring färgen vit och ljus/kontrast/chiaroscuro, medan afrikanska kulturer i allmänhet använde mörkare färger och betonade färg snarare än tonalitet för att skapa kontrast.”Detta ledde henne att driva ” en mer bekräftande svart estetik”.:162-164 hennes American People-serie avslutades med väggmålningar i större skala, såsom flaggan blöder, USA: s frimärke till minne av tillkomsten av svarta Maktfolk och dör. Dessa väggmålningar lånade henne en fräschare och starkare blivande till hennes framtida konstverk.
hennes stycke, Flag for the Moon, skulle köpas av Chase Manhatten Bank tills de representanter som skickades för att köpa ett stycke Ringgold-arbete insåg skrivandet på stycket som utgjorde start och ränder av den amerikanska flaggan som den avbildade sa ”DIE N****R”. Representanterna återvände och köpte Black Light #9: American Spectrum.
i den franska samlingen, en serie med flera paneler som berör modernismens sanningar och mytologier, utforskade Ringgold en annan lösning för att övervinna det smärtsamma historiska arvet från Kvinnor och män av afrikansk härkomst. Eftersom Frankrike var hem för modern konst vid den tiden blev det också källan för afroamerikanska konstnärer att hitta sin egen ”moderna” identitet.:2
under 1970-talet gjorde hon också en” gratis Angela ” affischdesign för Black Panthers, även om den aldrig producerades i stor utsträckning Ringgold har sagt att hon själv har gett en kopia av designen till Angela Davis.
täcken
Ringgold uppgav att hon bytte från målning till tyg för att komma bort från föreningen för målning med västerländska/europeiska traditioner. På samma sätt tillät användningen av quilt henne att förespråka den feministiska rörelsen, eftersom hon enkelt kunde rulla upp sina täcken för att ta till galleriet och därmed förneka behovet av hjälp från sin man.
1972 reste Ringgold till Europa sommaren 1972 med sin dotter Michele. Medan Michele besökte vänner i Spanien fortsatte Ringgold till Tyskland och Nederländerna. I Amsterdam besökte hon Rijksmuseum, som blev en av de mest inflytelserika upplevelserna som påverkade hennes mogna arbete, och ledde därefter till utvecklingen av hennes täckmålningar. I museet, Ringgold stött på en samling av 14 – och 15-talet Nepalesiska målningar, som inspirerade henne att producera tyg gränser runt sitt eget arbete.
när hon återvände till USA föddes en ny målningsserie: Slave Rape Series. I dessa verk tog Ringgold perspektivet på en afrikansk kvinna som fångades och såldes till slaveri. Hennes mamma, Willi Posey, samarbetade med henne om detta projekt, eftersom Posey var en populär Harlem-kläddesigner och sömmerska under 1950-talet och lärde Ringgold hur man täcker i den afroamerikanska traditionen. Detta samarbete ledde så småningom till deras första täcke, Echoes of Harlem, 1980.: 44-45 Ringgold lärde sig också konsten att quilta i afroamerikansk stil av sin mormor, som i sin tur hade lärt sig det från sin mamma, Susie Shannon, som var slav.
Ringgold quiltade sina berättelser för att bli hörda, eftersom ingen vid den tiden skulle publicera den självbiografi hon arbetat med; göra hennes arbete både självbiografiskt och konstnärligt. I en intervju med Crocker Art Museum sade hon: ”1983 började jag skriva berättelser på mina täcken som ett alternativ. På det sättet, när mina täcken hängdes upp för att titta på, eller fotograferade för en bok, folk kunde fortfarande läsa mina berättelser.”Hennes första quilthistoria Vem är rädd för moster Jemima? (1983) skildrar historien om moster Jemima som en matriark restauratör och reviderar fiktivt ”den mest baktalade svarta kvinnliga stereotypen.”En annan bit, med titeln förändring: Faith Ringgold ’ s Over 100 Pounds Weight Loss Performance Story Quilt (1986), engagerar ämnet ”en kvinna som vill må bra om sig själv, kämpar för kulturella normer av skönhet, en person vars intelligens och politisk känslighet gör att hon kan se de inneboende motsägelserna i hennes position och någon som blir inspirerad att ta hela dilemmaet i ett konstverk”.: 9
serien av berättelser från Ringgolds franska samling fokuserar på historiska afroamerikanska kvinnor som ägnade sig åt att förändra världen (solrosor Quilting Bee på Arles). Det ropar också ut och omdirigerar den manliga blicken och illustrerar den uppslukande kraften i historisk fantasi och barnslig fantasifull berättande. Många av hennes täcken fortsatte med att inspirera barnböckerna som hon senare gjorde, till exempel middag på moster Connie ’ s House (1993) publicerad av Hyperion Books, baserat på Dinner Quilt (1988).
SculptureEdit
1973 började Ringgold experimentera med skulptur som ett nytt medium för att dokumentera sitt lokala samhälle och nationella evenemang. Hennes skulpturer sträcker sig från utklädda masker till hängande och fristående mjuka skulpturer, som representerar både verkliga och fiktiva karaktärer från hennes förflutna och nutid. Hon började göra maskerade masker med blandade medier efter att ha hört sina elever uttrycka sin förvåning över att hon inte redan inkluderade masker i sin konstnärliga praktik.: 198 maskerna var bitar av linneduk som målades, pärlstavades och vävdes med raffia för hår och rektangulära tygstycken för klänningar med målade kalebasser för att representera Bröst. Hon gjorde så småningom en serie med elva maskdräkter, kallade The Witch Mask Series, i ett andra samarbete med sin mamma. Dessa kostymer kan också bäras, men skulle ge bäraren kvinnliga egenskaper, såsom bröst, magar och höfter. I hennes memoar we Flew Over the Bridge noterar Ringgold också att i traditionella afrikanska ritualer skulle maskbärarna vara män, trots maskens feminina drag.: 200 i denna serie ville hon dock att maskerna skulle ha både en ”andlig och skulpturell identitet”,: 199det dubbla syftet var viktigt för henne: maskerna kunde bäras och var inte bara dekorativa.
efter Witch Mask-serien flyttade hon till en annan serie med 31 masker, Family of Woman Mask-serien 1973, som firade kvinnor och barn som hon hade känt som barn. Hon började senare göra dockor med målade kalebasshuvuden och kostymer (också gjorda av sin mamma, som senare leder henne till mjuka skulpturer i naturlig storlek). Den första i denna serie var hennes stycke, Wilt, en 7’3″ porträttskulptur av basketspelaren Wilt Chamberlain. Hon började med Wilt som ett svar på några negativa kommentarer som Chamberlain gjorde på afroamerikanska kvinnor i sin självbiografi. Wilt har tre figurer, basketspelaren med en vit fru och en blandad dotter, båda fiktiva karaktärer. Skulpturerna hade bakat och målat kokosnötsskalhuvuden, anatomiskt korrekta skum-och gummikroppar täckta i kläder och hängde från taket på osynliga fiskelinjer. Hennes mjuka skulpturer utvecklades ännu längre till livsstora” porträttmasker”, som representerade karaktärer från hennes liv och samhälle, från okända Harlem-invånare till Martin Luther King Jr.hon huggade skumytor i likheter som sedan sprutmålades—men i hennes memoar beskriver hon hur ansikten senare började försämras och måste återställas. Hon gjorde detta genom att täcka ansikten i tyg och forma dem noggrant för att bevara likheten.
Performance artEdit
eftersom många av Ringgolds maskskulpturer också kunde bäras som kostymer, var hennes övergång från maskering till performance en självbeskriven ”naturlig progression”.206 även om konstföreställningarna var rikliga på 1960-och 70-talet, inspirerades Ringgold istället av den afrikanska traditionen att kombinera berättande, dans, musik, kostymer och masker till en produktion.238 hennes första stycke som involverade dessa masker var den Bicentennial Negros vakna och uppståndelse. Arbetet var ett svar på de amerikanska tvåårsfirandet 1976; en berättelse om rasismens dynamik och förtryck av narkotikamissbruk. Hon uttrycker många andra afroamerikaners åsikt – det fanns ”ingen anledning att fira tvåhundra år av amerikansk självständighet…för nästan hälften av den tiden hade vi varit i slaveri”.: 205 verket framfördes i mime med musik och varade i trettio minuter och införlivade många av hennes tidigare målningar, skulpturer och installationer. Hon gick senare vidare för att producera många andra prestanda bitar inklusive en solo självbiografisk prestanda pjäs som heter Being My Own Woman: En självbiografisk maskerad prestanda stycke, en maskerad berättelse prestanda under Harlem renässansen kallas Bitter Nest (1985), och en bit för att fira hennes viktminskning kallas förändring: tro Ringgold ’ s Over 100 Pound Weight Loss Performance Story Quilt (1986). Var och en av dessa bitar var tvärvetenskaplig, involverar masker, kostymer, täcken, målningar, berättande, sång och dans. Många av dessa föreställningar var också interaktiva, eftersom Ringgold uppmuntrade sin publik att sjunga och dansa med henne. Hon beskriver i sin självbiografi, vi flög över bron, att hennes prestationsstycken inte var avsedda att chocka, förvirra eller ilska, utan snarare ”helt enkelt ett annat sätt att berätta min historia”.: 238
PublicationsEdit
Ringgold har skrivit och illustrerat 17 barnböcker. Hennes första var Tar Beach, publicerad av Crown 1991, baserat på hennes quilthistoria med samma namn. För det arbetet vann hon Ezra Jack Keats New Writer Award och Coretta Scott King Award för Illustration. Hon var också tvåa för Caldecott Medal, premier American Library Association award för bilderbok illustration. I sina bilderböcker närmar sig Ringgold komplexa frågor om rasism på enkla och hoppfulla sätt och kombinerar fantasi och realism för att skapa ett upplyftande budskap för barn.